Terapia de amor

Hay dramaturgos que, con hilaridad y osadía, han explorado y explotado las posibilidades escénicas del amor. En “Como castigo por mis pecados” Tirso Causillas se atreve a comparar este noble y sublime sentimiento con un detonante cotidiano y peligroso… irónicamente tan necesario.

El autor Tirso Causillas

Bajo una óptica desenfada y raramente tierna, esta pieza somete a la audiencia a una exorcizante terapia, perfecta para enamoradizos obstinados. Luego de una primera temporada en mayo del año pasado en el Mocha Graña, este divertido montaje regresa, esta vez, al Museo de Arte de Lima (MALI). La certera dirección de Nani Pease y un elenco creativo y dinámico se alistan a desbaratar los paradigmas del amor. Con altas dosis de humor negro y ligeros consejos de manual de autoayuda, “Como castigo por mis pecados” busca salvar frágiles corazones de los desplantes y engaños.

¿ESTAR O NO ESTAR?

El coach del anti–amor Ezequiel García (buen trabajo de Tirso Causillas) dicta charlas para evitar los estragos de enamorarse. Elegante y mesiánico, García guarda en su experiencia las cicatrices de amores esquivos. Mientras describe su método de superación, el pasado parece atormentarlo.

Juan (Ángel Valdez), Ezequiel (Tirso Causillas) y
Ana (Fabiola Coloma)

Los ejemplos de su ponencia son ejecutados por Ana y Juan (Fabiola Coloma y Ángel Valdez). 

A través de esta entretenida pareja uno observa los sacrificios, clichés, manías, frustraciones y argucias –grotescas o ridículas– a las que uno recurre para conquistar al sexo opuesto. El montaje se sostiene por la hilaridad e incansable energía de Causillas y sus disfuerzos de libreto. Destacan el enorme desempeño físico y actoral de Coloma y Valdez para retratar con ingenio y frescura las caprichosas situaciones de pareja en divertidas y aleccionadoras postales.

VANOS CONSEJOS

La dirección de Pease acierta con el timing en las fases de alerta de posibles noviazgos –aunque podrían ser más ágiles– y la irreverencia de su elenco. A los descritos, se suma el destacado guitarrista (lúdico Loko Pérez) como artífice de atmósferas para la risueña conferencia y los enredos situacionales.

El guitarrista Loko Pérez

El lenguaje irónico de Causillas añade una severa crítica a la psicología pop utilizada en los libros de autoayuda. Esta dupla funcional (trabajaron en la delirante “Las crías tienen hambre”) congenia en un trabajo –más catarsis que puesta– en el que se decantan experiencias propias y ajenas. El montaje de /Nos/otros Teatro reflexiona y desmitifica el amor romántico. “Como castigo por mis pecados” la acerca más a la dimensión humana de los sentimientos confusos o promesas incumplidas. Ese es el costo por intentar de encontrar el equilibrio en las tempestuosas aguas del amor.

FICHA ESCÉNICA

 “Como castigo por mis pecados”, de Tirso Causillas

Dirección: Nani Pease / Asistencia: Nazira Atala

Elenco: Tirso Causillas, Fabiola Coloma, Ángel Valdez y Loko Pérez

Música original: Mijaíl Mitrovic

Dirección de arte: Aarón Rojas

Lugar:  Museo de Arte de Lima (Paseo Colón 125, Lima)

Temporada: Del 1 al 25 de abril de 2016

Funciones: Viernes, sábados y lunes a las 8pm / Domingos a las 7pm

Un montaje de /Nos/otros teatro

Más información en el evento de la obra

Mensaje por el Día Mundial Del Teatro 2016

El prestigioso director y profesor de teatro ruso Anatoli Vassiliev fue elegido para dedicar el Mensaje del Día Mundial del Teatro 2016. La traducción corresponde a Jorge Crespi.

MENSAJE DEL DÍA MUNDIAL DEL TEATRO 2016

¿Necesitamos al teatro?

Esa es la pregunta que miles de profesionales decepcionados del teatro y millones de personas que están cansados de él se preguntan.

¿Qué necesitamos del teatro?

En estos años en que la escena es tan insignificante, en comparación con las plazas de las ciudades y los tierras de los países, donde se están jugando las tragedias auténticas de la vida real.

¿Qué pasa con el teatro?

Galerías y palcos chapados en oro en las salas de teatro, sillones de terciopelo, alas sucias en escenarios, bien pulidas voces de los actores, - o viceversa, algo que puede tener un aspecto aparentemente diferente: cajas negras, manchadas de barro y sangre, con un montón de cuerpos desnudos rabiosos en el interior -.

¿Qué es capaz de decirnos?

¡Todo!

El teatro nos lo puede decir todo.

Como los dioses habitan en el cielo, o cómo los presos languidecen en cuevas olvidadas bajo tierra, o cómo la pasión nos pueden elevar, o cómo el amor nos puede arruinar, o cómo nadie necesita una buena persona en este mundo, o como reina el engaño, o cómo la gente vive en apartamentos, mientras los niños se marchitan en campos de refugiados, o las formas en que todos tienen que volver de nuevo al desierto, o cómo día tras día nos vemos obligados a desprendernos de nuestras personas queridas, - el teatro puede decirlo todo.

El teatro siempre ha sido y seguirá siendo siempre.

Y ahora, en estos últimos cincuenta o setenta años, es particularmente necesario. Porque si usted lanza un vistazo a todas las artes públicas, se puede ver de inmediato lo que sólo el teatro nos da, una palabra de boca en boca, una mirada de ojo a ojo, un gesto de mano en mano, o de cuerpo a cuerpo. No se necesita ningún intermediario para trabajar entre los seres humanos, que constituya el lado más transparente de la luz, que no pertenezca a ningún sur o norte o este u oeste, oh no, es la esencia de la propia luz, que brilla en todos los rincones del mundo, inmediatamente reconocible por cualquier persona, ya sea hostil o amigable hacia ella.

Y necesitamos al teatro que permanece siempre diferente, necesitamos teatro de muchos tipos diferentes.

Aún así, creo que entre todas las formas y formas de teatro posibles, sus formas arcaicas ahora resultan ser la mayoría en la demanda.

Teatro de las formas rituales, no hay que oponerse artificialmente a las de las naciones "civilizadas".

La Cultura secular está siendo cada vez más castrada, la llamada "información cultural" sustituye gradualmente y empuja a entidades simples, casi como nuestra esperanza de que con el tiempo se acabe el día.

Pero puedo verlo claramente ahora: el teatro está abriendo sus puertas ampliamente. Entrada gratuita para todos y para todo el mundo.

Al diablo con aparatos y equipos - sólo tienen que ir al teatro, ocupar filas enteras en el patio de butacas y en las galerías, escuchar la palabra y mirar las imágenes vivir!

Es el teatro que está delante de usted, no se descuide y no se pierda la oportunidad de participar en él, tal vez la oportunidad más preciosa que tenemos en nuestras vidas vanas y apresuradas.

Necesitamos cada tipo de teatro.

Sólo hay un teatro que seguramente no es necesitado por nadie, me refiero a un escenario de juegos políticos, un teatro de políticas "ratoneras", un teatro de políticos, un teatro inútil de la política.

 Lo que sin duda no necesitamos es un teatro de terror cotidiano - ya sea individual o colectivo, lo que no necesitamos es el teatro de cadáveres y sangre en las calles y plazas, en las capitales o en las provincias, un teatro falso de los enfrentamientos entre religiones o grupos étnicos...

Viajeros incansables

Tres pequeños huérfanos encuentran una misteriosa maleta. Tan inquietos como curiosos deciden embarcarse en una aventura para encontrar a su incierto dueño siguiendo una enigmática pista: “Paquí Pallá”. Cada mágico rastro –pasaje musical u objeto colorido– los llevará por todas partes.

Gabriela Chero, Eduardo Ramos, Luis
Abarca y Carmela Tamayo

Concebida y dirigida por Eduardo Ramos, “Paquí Pallá”, singular puesta de Cohete Loco, desafía gratamente los linderos del teatro infantil. 
La mezcla de ingenio, dosis de aventura y un lenguaje versátil –de múltiple código– convergen en un resultado entretenido con suma gracia y originalidad.

El montaje incluye acertadamente la música en vivo, artes plásticas o medios audiovisuales como códigos funcionales y atractivos. En lo interpretativo, en cambio, destaca la influencia de la técnica del payaso y la Comedia del Arte en los gestos corporales y el lenguaje físico empleado.

MALETAS AL VUELO

“Paquí Pallá” es un viaje honesto que tiene como protagonistas a tres valientes huérfanos llamados Kromi, Mochi y Yana, además, de un oportuno y talentoso músico callejero. Ellos deciden recorrer la costa, sierra y selva del Perú para encontrar al misterioso dueño de la valija.

Escena de "Loco Paradero"

El desempeño y la apariencia del elenco (Gabriela Chero, Eduardo Ramos, Luis Abarca y Carmela Tamayo) aportan una cuota lúdica y desbordante. En menos de una hora uno siente la intensidad de viajar por el país sin dejar la butaca. Es una travesía mágica y sensorial antes que geográfica.

Itinerante y vertiginosa, “Paquí Pallá” delinea sus mensajes (los valores familiares o la pluriculturalidad peruana) con ternura y claridad didáctica. Curiosamente sus divertidos personajes aparecieron en otro montaje de Cohete Loco llamado “Loco Paradero”, bajo códigos populares y entonados.

JUEGO UNIVERSAL

La construcción de un lenguaje simplificado –sonidos o monosílabos fácilmente identificables– sostiene un nexo universal con su público. Niños y adultos los captan sin esfuerzo y lo disfrutan entre gags y enredos gráciles, mientras la historia no abandona su ritmo ni su compromiso.

El Mendigo, Mochi y Kromi

En esta pieza infantil, como otras contemporáneas, se propicia la conciencia social. Es así que “Paquí Pallá” –también producida por Papeleras del Perú SAC– emplea elementos reciclados como planchas de cartón o botellas plásticas en su utilería y escenografía. Una buena forma de incentivar el reciclaje.

Cada montaje de Cohete Loco, grupo fundado en 2008, lo sitúa como medio de comunicación alternativo y lúdico orientado a la familia. La breve temporada de “Paquí Pallá” en 2015 lo comprueba: no dejar de observar el complicado mundo de los adultos con los ojos transparentes y lúdicos de los niños, a pesar de la edad.

DATO: “Paquí Pallá” se presentó en el Teatro de Lucía de Miraflores en una corta temporada entre el 16 de mayo al 5 de julio de 2015.

FICHA ESCÉNICA
“Paquí Pallá”, de Eduardo Ramos
Dirección: Eduardo Ramos
Elenco: Gabriela Chero, Eduardo Ramos, Luis Abarca y Carmela Tamayo
Una producción  de Cohete Loco

Amores de antaño

Dos extraños se cruzan en un tranvía que atraviesa medio siglo de recuerdos. El destino que les aguarda es tan incierto como los días en que el corazón bastaba para resistir. Ellos despiertan en una Lima posible de imaginar en las crónicas y textos de Domingo Támariz y Alfredo Marsillach.

Ricky Tosso, Alejandro Villagómez
y Patricia Barreto

“¡Ay, amor!”, concebida y dirigida por Joaquín Vargas, trae a esta Lima de vuelta con un plus: una historia de amor “a la antigua”. Lo cierto es que esta comedia musical “de época” conserva la esencia de todas las relaciones, las que crecen –y tropiezan– a lo largo del tiempo hasta perdurar. Hilvanada con nostalgia, gracia, ironía y pasajes musicales, el montaje logra un resultado evocador y ameno. Las precisiones históricas –dispersas desde 1950 en adelante– funcionan y son un deleite para quienes añoran tramas amorosas de añoranza, sin clichés o desenlaces condescendientes.

DOS EXTRAÑOS

Divertidos y versátiles, Ricky Tosso (un periodista bisoño en un semanario popular) y Patricia Barreto  (una actriz de ascendencia judía cuya familia huía de la guerra) dan vida a esta singular pareja. Ambos “narran” a su estilo episodios de su vida en común bien aprovechados en el género de café concert.

Tosso en un hilarante rol femenino

Vargas rescata este género y lo emplea con precisión para exhibir dos ópticas a través de desenfadadas confesiones (desde filias políticas a tabúes sexuales). 

La indudable riqueza histriónica de Tosso brilla en todo: secuencias cómicas, gags espontáneos y delirantes interpretaciones paralelas. Barreto entrega un trabajo completo. Canta, afina, endulza y construye a una mujer “fuerte” en pugna ante la sociedad desde un encanto frágil. La selección musical está íntimamente enlazada se torna risueño o dulce gracias al desempeño  y talento del coreógrafo Alejandro Villagómez y el pianista Roberto Chicoma.

AGITADOS AÑOS

Resulta irónico, pero una clave de “¡Ay, amor!” reside en los problemas de la relación. Su incipiente noviazgo y vida conyugal están delineados por una fina madeja de revueltas políticas, tensiones golpistas y un cambio continuo de la moralidad que marcó a toda una generación.

Barreto brilla entre cantos y bailes

Este paralelismo se complementa y dinamiza en casi hora y media de función. Aunque, por momentos, los pasajes de café concert –menos densos– parecieran destacar más que la línea temporal, el montaje no naufraga. Por el contrario, esa agilidad actoral va acompañada de una mutación rápida de vestuario y utilería en escena.

“¡Ay, amor!” es un homenaje a una Lima que se resiste a desaparecer, aunque sus épocas de amores jurados al son de rocolas y Long Plays se hayan extinguido. Un montaje tan apasionante como delirante que rescata una mirada crítica y tierna sobre la vida, el amor y la moral en una ciudad que poco a poco pierde su romance.

FICHA ESCÉNICA

“¡Ay amor!”, de Joaquín Vargas, basado en textos de Alfredo Marsillach y crónicas de Domingo Támariz

Dirección: Joaquín Vargas

Elenco: Patricia Barreto, Ricky Tosso, Alejandro Villagómez y Roberto Chicoma (piano)
Lugar: ICPNA de Miraflores (Av. Angamos Oeste 120, Miraflores)

La temporada va del 18 de febrero al 13 de marzo

Las funciones van de jueves a lunes a las 8pm

Ocaso circense

La magia de los circos seduce a chicos y grandes. Bajo sus risas y maromas, se ocultan dramas y peripecias que el público rara vez conoce. “El León” (1967), magistral obra de Juan Rivera Saavedra (Lima, 1930), descubre la carpa de uno envejecido en el recuerdo de sus mejores años.

El productor Baliño (Renato Ayllón)
pone en apuros a su elenco

Molinos de Viento Teatro ofrece una puesta de grácil ternura con un marcado acento social. 
De corta duración, esta pieza desnuda los avatares de un circo venido a menos que cifra su única esperanza en un león y una apremiante situación: el animal no actuará hasta que reciba alimento.

La bestia que esperaba salvarlos, puso la soga al cuello a sus desconcertados integrantes. Sobre el colorido escenario, el director Miguel Torres delinea la nostálgica historia hasta revelar con tino y solvencia el lado más gris de los compañeros circenses: el frágil compromiso.

¿QUIÉN SE ATREVE?

El temor de convertirse en comida del felino convierte a la aparente puesta infantil en una comedia negra. Los arquetipos de Rivera Saavedra cobran vida bajo la perspectiva de Torres y un acertado trabajo del todo el elenco. Aquí brillan los valores de unos y los antivalores de otros.

Érika Najarro, Ronie Cuba, Johann Allpas,
Natalio Diaz y Alejandro Mansilla

La bondad y humildad de la trapecista Liliana (delicado trabajo de Erika Najarro) se contrapone a la vanidad y soberbia del equilibrista Cóndor Roca (buena interpretación de Johann Allpas). 
El domador Artiga (un fiero y autosuficiente Ronie Cuba) se luce ante el ilusionista Samy (un desilusionado y honesto rol de Natalio Díaz). Las dicotomías incluyen a dos personajes en torno a la nobleza y lealtad. El productor Baliño (Renato Ayllón, de maquiavélica naturalidad) y Pantalón (notable papel de Alejandro Mansilla) representan la pugna entre el interés personal y el sacrificio solidario. El desenlace súbito y angustiante cierra el montaje con reflexiones acuciosas al mejor estilo de su autor.

PRODIGIO DEL 60             

Rivera Saavedra es un escritor fuera de serie. Con más de 180 obras teatrales y 500 cuentos con aire dramático, su creatividad en estilo y técnica no puede discutirse. Tal era la consigna de la “Generación del 60” a la que pertenece: apostar por la renovación del teatro peruano.

Pantalón (Alejandro Mansilla) y Liliana (Erika Najarro)

Este impulso conllevó a la aparición de nuevos personajes (campesinos, obreros, desempleados, migrantes, mendigos) y una revaloración de sus luchas en el discurso dramatúrgico. 
Lo elitista y clásico dio paso a lo urbano, popular y emergente como se aprecia en los textos escritos en esa época.

Destacan “Ipakancure” (1967) de César Vega Herrera, “La Ciudad de los Reyes” (1967) de Hernando Cortés, “El cruce sobre el Niágara” (1969) de Alonso Alegría, “Santiago el pajarero” (1975) de Julio Ramón Ribeyro y “Cuento del hombre que vendía globos” (1978) de Grégor Díaz. “El León” de Molinos de Viento Teatro reivindica los días en que nuestro teatro (y sus autores) estrenaban una voz más popular y genuina.

FICHA ESCÉNICA

“El León”, de Juan Rivera Saavedra.

Dirección: Miguel Torres

Elenco: Erika Najarro García, Alejandro Mansilla, Ronie Cuba, Renato Ayllón, Johann Allpas, Natalio Díaz

Lugar: Asociación de Artistas Aficionados (Jr. Ica 323, Cercado de Lima)

Funciones: Domingos del 07 al 21 de febrero a las 4:30pm y del 28 de febrero al 20 de marzo a las 6pm

Una producción de Molinos de Viento Teatro

Entradas: S/. 10 (Jóvenes y adultos) y S/. 5 (Niños)

Reservas e informes: molinosdevientoteatro@hotmail.com

Teléfonos: 959366695 / 991276784

Paladines infantiles

El valor de los héroes no puede medirse por su talla o edad. Los pequeños traviesos de “Zacatapum”, un irreverente montaje de Palosanto, pertenecen a esta añorada estirpe. Ellos están dispuestos a defender su apreciado mundo de juegos de los mezquinos y oscuros intereses de los adultos.

Ismael Contreras, autor de "Zacatapum" 

Escrita y dirigida por Ismael Contreras, uno de los cultores más lúcidos del teatro infantil, este montaje es rebelde y valiente. No solo por su premisa: el rescate del viejo árbol plantado en el patio de una quinta; sino por los valores (amistad, verdad, cooperación) que componen en su mensaje.

Bajo una estética costumbrista –el nombre de la obra se refiere al “cortamonte”–, “Zacatapum” divierte con una fórmula perfecta: lenguaje escénico versátil (teatro negro, títeres, proyección audiovisual…), escenas musicalizadas y tierno humor. La pieza establece una complicidad “interactiva” con su público.

MIRADAS OPUESTAS

En la historia, tres amigos: Pelucho (risueño Julio César Delgado), Florita (lúdica y solvente Jamil Luzuriaga) y Lucía (desenvuelta y divertida Juliet Pacahuala) quieren proteger al único árbol de la quinta en la que viven y juegan. Entre sus juegos, encarnan una protesta “consciente”.

Florita, Pelucho y Lucía

Por el contrario, los “adultos” presentan un rol alejado de los conflictos. 
El Señor Rati, dueño del solar y responsable de vender los predios, y Ña Sara, adorable y despreocupada inquilina –ambos resueltos con ingenio y acierto por un versátil José De Los Santos– adicionan malicia y dulzura por partes.

Esta dicotomía niñez/adultez es aleccionadora y entretenida. Contreras esboza sus personajes con espíritu crítico precisos para crear luchadores necesarios que deslinden del desgano, dejadez o la escasa conciencia cívica. La resolución de la pieza encierra un artilugio hamletiano: teatro desde el teatro.

FIESTAS PERUANAS

Con rebosante desenfado y frescura –chispa de barrio–, “Zacatapum” saca brillo de la imaginación y fantasía para el deleite y aprendizaje de pequeños y grandes por igual. Un notable logro alcanzado por Palosanto Teatro y Comunicación en un lustro de vida desde que se fundara en 2010.

La pandilla de "Zacatapum"

Desde el Centro Cultural CAFAE–SE de San Isidro, su entrañable sede, han dedicado más de un lustro dedicados a concebir un teatro para niños pensando en los futuros jóvenes y adultos. 

Sus temáticas inciden en la conciencia social, medioambiental y cívica como ejes creativos.

Tan original, fresca y contestataria a su estilo, “Zacatapum” es de esos montajes creativos, dinámicos y coloridos que da gusto ver con frecuencia en cartelera. Su mensaje inagotable y movilizador puede perdurar ante abusos en calles y parques, sin que por ello sea aburrido o desalentador. ¡Anímese a luchar!

FICHA ESCÉNICA

“Zacatapum”, de Ismael Contreras

Director: Ismael Contreras

Elenco: Julio César Delgado, Jamil Luzuriaga, Juliet Pacahuala y José De Los Santos

Sonoplastía: Marisa Contreras

Asistentes de escena: Alex Nacarino y Paola Cedamanos

Producción: Cecilia Zapata

Lugar: Centro Cultural CAFAE SE (Av. Arequipa 2985, San Isidro)

Temporada: Del 08 de agosto al 25 de octubre
Más información en el blog y fanpage del grupo

La escena del 2014

Podría definirse al 2014 como un año inclasificable. Los festivales escénicos, un nuevo concurso de dramaturgia y propuestas frescas y originales da una sensación positiva que algunos prefieren llamar “boom”. Lo único cierto es que existe un evidente desarrollo gracias a programas específicos y un mayor riesgo… en todo.

"La Tiendita del Horror", musical
en versión de Plan 9

Como cada año, los recuentos suelen presentarse como listas subjetivas y relativas. Pero, ¿qué marcó el 2014? Su calidad, sin duda. Algunos reestrenos como “Una noche con los Marx”, de Gonzalo Benavente, y las testimoniales “Criadero” y “Padre Nuestro”, ambas de Mariana de Althaus, lo confirman. Pero hubo mucho más.

A inicios de año “Incendios”, del libanés Wajdi Mouawad quitaba el aliento con una historia de una madre luchadora que, en medio de una guerra, busca a un hijo perdido. Juan Carlos Fisher dirigió esta puesta con demasiada corrección. Norma Martínez (secundada por Jely Reátegui) brilló en La Plaza.

"La Cautiva", de Pepo León

Por esos días uno se preguntaba si era posible extrapolar esa trama a la época de violencia terrorista en Perú. Acaso “La cautiva”, un crudo relato de Pepo León sobre la insania militar durante guerra interna, podría haber aportado. 
Por desgracia, la meritoria pieza dirigida por Chela de Ferrari para celebrar los diez años del teatro miraflorino, se vio envuelta en una polémica gratuita.

CIUDAD PROTAGÓNICA

Lima y su indescifrable crisol inspiró dos interesantes puestas en escena. “Los funerales de Doña Arcadia”, escrita y dirigida por Diego La Hoz, en Casa Espacio Libre de Barranco se convirtió en un mordaz homenaje a una ciudad mestiza que avizora la modernidad añorando los tiempos virreinales.

"Kapital", creación colectiva

Aunque estrenada a fines de 2013, la nueva versión (madurada y, desde entonces, con la presencia de Aurora Colina) fue estrenada en febrero de 2014. 

Ahí se concibe a la capital como lo hiciera Sebastián Salazar Bondy en su “Lima la horrible” (1964): una ciudad inconclusa, nostálgica y arraigada. Pero no fueron los únicos.

Desde el Club de Teatro, “Kapital”, presentó el rostro más descarnado y hostil de nuestra ciudad. El caos y la escasa conciencia cívica guían a esta creación colectiva de El Sótano, dirigida por Paco Caparó y Jhosep Palomino, que transita literalmente entre el oportunismo político, la violencia familiar o el racismo.

PUESTAS ADAPTADAS

Dos interesantes montajes –nacidos de clásicos de la literatura– animaron la escena de 2014. En un riesgo plausible, Mariana de Althaus abordó el universo familiar de “Los Hermanos Karamazov”, del ruso Fedor Dostoievski. En “Karamazov” la autora deslizó su mirada sobre los principios de una sociedad diferente a la nuestra.

"Karamazov", de Mariana de Althaus

La puesta en escena de “La triste e increíble historia de la cándida Eréndira y su abuela desalmada”, célebre relato largo de Gabriel García Márquez, marcó el retorno cada vez más habitual del colombiano Jorge Ali Triana al Teatro Británico. Un año antes había dirigido “Crónica de una muerte anunciada” en este mismo recinto.

Una adaptación y dirección depuradas sobre la obra de su compatriota dejó una impresión positiva y de estética colorida. Con Attilia Boschetti y Cindy Díaz en los roles principales, la trama del Premio Nobel de Literatura de 1982 cobró los matices de sensualidad y desencanto hacia la última parte del año pasado.

MIRADAS FEMENINAS

La primera experiencia de Ebelin Ortiz como directora llegó en “Cómo aprendí a manejar”. Un debut aceptable. Presentada en el Centro Cultural El Olivar de San Isidro, Leticia Poirier destacó en un personaje sobre la diferencia entre aprender y madurar en medio de una familia disfuncional de Estados Unidos.

"Eclipsadas", de Patricia Burke Brogan

En tanto con “Eclipsadas”, el director Manuel Trujillo abordó qué es ser mujer en una sociedad dogmática y prejuiciosa. Masha Chávarri y Andrea Meza, en notables papeles, revelaron por qué aún en pleno siglo XXI la desigualdad por género es una tara social convertida en convención.

Aquí puede añadirse a “La tiendita del horror”, divertido y tétrico trabajo cuya dirección y precisión de David Carrillo le valió nominaciones y premios como la mejor puesta de 2014. En especial, por la certera presencia de Gisela Ponce de León, la tierna Audrey en un suburbio devorado por eventos inexplicables.

DELEITE DE GRANDES

En su variada cartelera, el teatro infantil sorprendió con dos propuestas alejadas de los tradicionales montajes de historias clásicas. En “Amazonía, el bosque de las maravillas”, colorida puesta de la Asociación Cultural Escena Perú, se tematizó la protección de la naturaleza vinculándola a una mirada urbana e inclusiva.

"Amazonía, el bosque de las maravillas"
de Gloria María Solari

Concebida, escrita y dirigida por la versátil Gloria María Solari (la osa perezosa en  la obra), la pieza despertó los todos sentidos para promover conciencia ecológica con seriedad y efectividad. 

Un mérito similar alcanzó “El mundo invisible”, lúdica puesta inspirada en un libro del artista plástico e ilustrador Fito Espinosa.

Desde la Universidad del Pacífico, la historia cuenta –elementos estéticos, trazos suaves y personajes extraídos de la imaginación– las aventuras de una niña que puede ver lo invisible. Adaptada por Mariana Silva y dirigida por Nishme Súmar, “El mundo invisible” es una puesta que extrañar en la cartelera.

UN BUEN AÑO

Lejos de etiquetas, modas o éxitos fugaces, Daniel Amaru Silva ha consolidado su carrera como dramaturgo en 2014. En el Centro Cultural El Olivar fue presentada “Power off”, bajo la dirección de Alejandra Bouruncle. Esta alucinada y futurista creación colectiva con dramaturgia suya fue exhibida anteriormente en el Festival Saliendo de la Caja 2013.

"Power Off", de Daniel Amaru Silva

Con su reveladora “Presunto culpable” en el Galpón Espacio, el joven autor culminó una buena temporada. Esta pieza nació en 2011, cuando Daniel cursaba estudios universitarios. Junto a Rodrigo Chávez, director y amigo suyo, lograron transmitir el desencanto de un futuro fascista y totalitario con dos personajes sombríos y arquetípicos. ¿Qué más se puede pedir? Amaru Silva alcanzó el primer puesto del certamen de dramaturgia del Ministerio de Cultura con una pieza titulada “Sin título 1”. Y este 2015 ya lo aguarda con una serie de proyectos que diluciden más sobre el incierto destino de sus personajes. El papel lo dirá.

TRISTES FINALES

El 2014 marcó la despedida del Festival de Artes Escénicas (FAEL) que había impulsado la gestión Villarán desde la Municipalidad Metropolitana de Lima. “Nuestro propio mundo”, un intenso y asfixiante drama de Claudia Sacha, recreó el incierto escenario de un país con dos bandos enemigos.

"Nuestro propio mundo",
de Claudia Sacha

En tanto, otras iniciativas cobraron mayor fuerza. Fue así que Sala de Parto presentó sus dos primeras producciones seleccionadas en su edición 2013: “Bésame mucho”, escrita y dirigida por Ernesto Barraza; y “Cómo crecen los árboles”, de Eduardo Adrianzén, bajo la dirección de Gustavo López.

Aunque discretas y regulares, bastó para que La Plaza se estrenara como una productora muy cuidadosa. Consiguió las locaciones: el Museo de Arte de Lima (MALI) y Centro Cultural El Olivar de San Isidro, y dio el apoyo que, en otras casos, habría sido complicado conseguir a los autores.

NUEVOS AUTORES

Poco a poco, más jóvenes se animan a la aventura de escribir´ y ¡con qué pluma! “La pareja perfecta”, fresca comedia de Alexandra Vieira, presentada en el Teatro Auditorio de Miraflores, fue capaz de ruborizar y enternecer al público con las actuaciones puntuales de Nazaret Ortiz  y Diego Alva.

"Jonás, viaje de un día cualquiera",
de Daniel Iriarte

En el Teatro de Lucía de Miraflores, “Jonás, viaje de un día cualquiera” sirvió de carta de presentación de Daniel Iriarte, un autor con proyección. Su comedia musical –con un lenguaje rico en humor y gags de situación– convirtieron la puesta en una buena forma de disfrutar el riesgo desde la butaca.

Dos escuelas distintas –Vieira egresó de la carrera de Artes Escénicas de PUCP, mientras que Castillo lo hizo de Escena Sur de la UCSUR– bajo un mismo fin: presentar dramaturgia de calidad con una producción profesional. Es grato saber que la lista de nombres irá creciendo con el tiempo.

CASOS DE FAMILIA

Los dramas familiares alcanzaron un pico importante con “Este hijo”, de Joël Pommerat. La inteligente dirección de Alberto Ísola sacó lo mejor de su elenco (Magali Bolívar, Sofía Rocha, Carlos Mesta, Alejandra Guerra) con breves historias que tocaron varias de las fibras sensibles del público.

"Este hijo", de Joël Pommerat

“Las neurosis sexuales de nuestros padres”, del suizo Lukas Bärfuss, un plausible reestreno con un estupendo trabajo de Wendy Vásquez y de la dirección de Jorge Villanueva, sacudió a los espectadores de la Alianza Francesa.  Menos familiar y más clásica lució otra interesante reposición: “Prometeo” y su acrobática propuesta de telares aéreos, bajo la mirada de Ricardo Morante. Para culminar bastaría hablar de “La república análoga”, puntual texto de Arístides Vargas, que dirigió él mismo con desenfado y que relevó la versatilidad de Pietro Sibille. Su personaje inefable (El doctor Carpio) es el perfecto símil de un año de riesgos, enredos, locuras y aciertos en escena.