La reconquista simbólica

Hace más de 500 años dos mundos se encontraron. Para unos fue invasión, y, para otros, conquista. Lo cierto es que América y Europa fundieron sus lazos de sangre, ideológicos y culturales en un crisol que, siglos después, sería el objeto de estudio predilecto de las ciencias sociales.

"Parricidio" de Alejandra Núñez
aborda la figura histórica
de Cristóbal Colón

Esa mirada crítica ha generado un ejercicio ya habitual en tiempos modernos: desmitificar los procesos históricos, cuestionarlos y resignificar los hechos en pro de una verdad. Aun con riesgo de romantizar el pasado, la ficción suele sumarse a estos ejercicios tal como sucede con “Parricidio” (2021) de Alejandra Núñez. 
Su joven autora encontró un equilibrio necesario para cuestionar la hegemonía de un sistema heredado sin caer en revisionismos de cliché. Algo que logra a través de una historia delineada entre lo absurdo y lo cotidiano, entre la rebeldía y el fastidioso continuismo.

La propuesta fue estrenada en El Galpón Espacio el pasado 12 de octubre, una fecha más que conveniente. A diferencia de los montajes de pandemia de Rebobina, esta fue pensada para la presencialidad y ahora traslada dicha experiencia a la virtualidad a través del streaming.

Cristina (Centeno) y Chiqui (Castagneto)

Actualmente disponible en Joinnus, esta propuesta recurre a una exposición académica que desmenuza, diapositiva a diapositiva, los temores, frustraciones y abusos cometidos hacia las mujeres con pasmosa normalidad. Este abordaje “inofensivo” es la antesala de giros dramáticos eficaces. A mitad de su ponencia, Cristina Colón (Verony Centeno de un aceptable trabajo) se siente motivada a contarnos una verdad. Mientras ella alza su voz de protesta, su novio “Chiqui” (un divertido papel de Raúl Castagneto) la interrumpe e intenta disuadirla.

La propuesta estuvo en el Galpón
Espacio y también en streaming 

Incluso, ignora sus alegatos o simplemente los subestima. Cada personaje cumple un rol definido. Centeno, por ejemplo, acoge el dramatismo de una injusticia postergada con seria convicción, mientras que Castagneto se dosifica entre una condescendencia cómica y una dulzura  paternalista. 
La cuidadosa dirección de Núñez canaliza las energías de su elenco para componer el ritmo de un drama absurdo que intriga y exaspera. A ello se suman las reacciones de la audiencia que ofrece esta grabación, ya que nos sumergen en un convivio necesario. Bajo un título controvertido, “Parricidio” propone repensar los modelos con que se criaron a los hijos en un mundo que no era nuevo, solo distinto. Modificar los paradigmas que amenazan el statu quo –político, económico o social– podría ser, después de todo, la mejor herencia.

FICHA ESCÉNICA
“Parricidio” de Alejandra Núñez
Dirección: Alejandra Núñez
Elenco: Verony Centeno y Raúl Castagneto
Fotografía y dirección de arte: Giullianna Mejía
Funciones: del 23 de octubre al 10 de noviembre
Plataforma: Joinnus Live
Entradas: S/ 20 (General)
El link para ver el espectáculo tendrá 48 horas de validez
Adquiere tus accesos aquí
Producción ejecutiva: Diana Hurtado
Un montaje de Rebobina y A Toda Costa
Redes sociales: Facebook / Instagram

Cómplices perversos

La corrupción es un estigma tan humano que pareciera genético. No existe episodio histórico en el que su rastro pase inadvertido ya sea por sus nefastas consecuencias sociales, delirantes culpables o escandalosas denuncias. En algún punto la política parece haberla adoptado como práctica habitual.

Gian Paul Miranda, Roy Zevallos e
Isabel Falcón en "El expediente"

“El expediente”, creación colectiva de Isabel Falcón, Gian Paul Miranda y Roy Zevallos, explora este tema con acertados criterios audiovisuales y conceptos estéticos. Es un grato ejemplo de cómo poner a la tecnología al servicio de un montaje online, en especial, con una historia contada a través de un hilo narrativo dinámico, con saltos temporales y giros inesperados. Bajo una cuidadosa dirección de Carlos Posadas, esta propuesta “híbrida” se nutre de lo escénico y virtual para explotar una trama policial, un género rescatado en esta pandemia.
En su exploración recoge también influencias del cine de detectives o las viñetas de las historietas de acción. “El expediente” es, en esencia, una pesadilla en retrospectiva. Luego de una noche agitada, Ernesto (Zevallos), joven del que no se sabe mucho, aparece como único sospechoso de un extraño crimen. Una periodista (Falcón) confía en su inocencia y decide ayudarlo sin esperar los enemigos que enfrentará.

Ernesto (Zevallos)

El protagonista irá narrando los vagos recuerdos de esa noche para convencer a un policía (Miranda), aunque todas las pruebas lo sindiquen. Desde su lóbrega carceleta, sus argumentos irán destejiendo un juego de traiciones y lealtades en el que nadie parecerá ser confiable. La actuación de Zevallos es destacable por su composición psicológica. 
La lucidez que emerge de sus erráticos gestos y rostro perturbado convencen y angustian a través del ordenador. Falcón y Díaz secundan perfectamente a su compañero al intercalarse como unos torpes sicarios, sin distanciarse de los buenos matices con que resuelven sus roles de periodista y policía.

"El expediente", montaje de
Cabac Teatro

Si bien el aporte actoral contribuye al buen timing de la propuesta, una lograda edición audiovisual ayuda a la creación de las atmósferas.
El adecuado manejo de perspectivas paralelas, primerísimos planos o sombras en los momentos de violencia “dialoga” con los flashbacks del encarcelado y le dan una gráfica de cómic policial a cada escena. La música (trabajo de Diego Zavala) es otro aspecto a elogiar. Los solos de bajo, golpes de batería y riffs de guitarra eléctrica suman a la estridencia de una mala noche. Y son funcionales para envolver al espectador en el suspenso y acción de su trama, aunque con el riesgo de añorar una sala de cine. “El expediente”, un logrado montaje en equipo de Cabac Teatro, delata las complicidades perversas que existen entre políticos, empresarios y la prensa... Y estos son –algunos– tentáculos de la corrupción que apenas vemos porque, a lo mejor, formamos parte de ella.

FICHA ESCÉNICA
“El expediente” (creación colectiva)
Dirección: Carlos Posadas Moncada
Elenco: Isabel Falcón, Roy Zevallos y Gian Paul Miranda
Fotografía y realización audiovisual: Jorge “Koko” Prado
Switcher: César Terrones
Composición, realización y producción musical: Diego Zavala
Edición: Milagros Loayza y Eduardo Peredo
Funciones: Domingos 10 y 17 de octubre a las 8pm
Plataforma: Cabac Teatro
Entradas: S/ 25 (General)
Adquiere tus entradas en Cabac Teatro y Joinnus
Una producción de Cabac Teatro
Redes sociales: Facebook / Instagram

Virus político

En 2020 David Hare (Sussex, 1947) se atrevió a publicar “Venciendo al diablo” (“Beat the Devil”, título original). Un valiente monólogo sobre su experiencia con el COVID en tiempos de incertidumbre científica y con miles de muertes diarias alrededor del mundo.

Pold Gastelo en "Venciendo al diablo"

Aunque controvertido, lo cierto es que este autor inglés volcó sus motivaciones artísticas y vivenciales en este texto. Magistralmente aprovechó sus temores y angustias causados por el temido virus para lanzar afiladas críticas a los gobernantes, los llamados a proteger a la ciudadanía en esta emergencia.

Mientras Hare pulía su monólogo, las salas teatrales limeñas cancelaban temporadas. Mikhail Page, quien había resignado el estreno de “El cuidador” del reconocido Harold Pinter, fundaría La Ira Producciones como una respuesta creativa ante la pandemia. 

La propuesta es dirigida por 
Mikhail Page al aire libre.

Luego de varias experiencias virtuales, el experimentado director no dudó en montar un texto biográfico y político como “Venciendo al diablo” y convertirlo en el primer trabajo presencial. Conscientes de ello, lograron un montaje inspirador, entrañable y comprometido.

Uno de sus principales aciertos recae en su protagonista: Pold Gastelo. El versátil actor, en su momento, víctima del COVID 19, se apropia con convicción y naturalidad de la dolorosa convalecencia del autor inglés, aun cuando su estado fue más severo que el reseñado por Hare. Impecable y emotivo, Gastelo transmite esperanza y vitalidad sin dejar de lado la protesta de su personaje. Estos aspectos “liberadores” inspiran paz entre la naturaleza de su escenario: una tarde en el Parque Reducto Nro. 2 de Miraflores, apenas iluminada hacia la noche. Al aire libre, su denuncia cobra sensibilidad y cercanía a pesar de las referencias a ministros y políticos ingleses.

Este monólogo fue escrito por
el inglés David Hare.

Respetuosa de la versión original, la sobria dirección de Page se las ingenia para acentuar la ilusión, amargura e ironía que esconde este desencantado monólogo. Y, sobre todo, exponer la ácida crítica a la ineficiente clase política de un país de primer mundo, la que resuena con un humor insidioso y sutil –a la inglesa– con el presente de un país improvisado.
Ese contraste basta para detectar las estrategias inútiles y maniobras corruptas que suelen maquillar con discursos bonitos. 
“Venciendo al diablo”, la esperanzadora apuesta de La Ira Producciones, revela que ante pandemias como la reciente la incompetencia política es el peor de los remedios. Es más una enfermedad endémica y crónica que, por desgracia, parece no tener una vacuna efectiva.

FICHA ESCÉNICA
“Venciendo al diablo” de David Hare
Dirección: Mikhail Page
Actúa: Pold Gastelo
Temporada: Del 17 de setiembre al 23 de octubre
Funciones: Viernes y sábados a las 5:30pm
Lugar: Parque Reducto N°2 (Calle Ramón Ribeyro 490, Miraflores)
Entradas: S/ 25 (Estudiantes y jubilados) y S/ 35 (General).
Adquiere tus entradas en este enlace
Un montaje de La Ira Producciones
Redes sociales: Facebook / Instagram

Paradero final

Los versos de “El anillo del Capitán Beto”, una canción escrita por Luis Alberto Spinetta grabada cuando integraba la banda Invisible, resuenan en “De cuando el flaco Martínez se fue al cielo sin decirle adiós a su chibolo” (2020), el reciente estreno producido por la Casa Cultural Colibrí.

La propuesta es una idea original
de Rosa Victoria Chauca con la
dramaturgia de Mario Zanatta 

El sencillo del “Flaco” relataba las hazañas de un ‘colectivero’ perdido en el espacio, protegido por una mágica sortija y con la esperanza de volver a la Tierra. Desde esa atmósfera extraña y fantasmagórica, emerge el protagonista de esta obra: el flaco Martínez, un conductor de combi hecho sobre la marcha de la vida. Esta idea original de Rosa Victoria Chauca plasmada por el dramaturgo Mario Zanatta ha sido beneficiado como uno de los proyectos ganadores de los Estímulos Económicos para la Cultura 2020. Su historia descarnada y tierna está vulnerada por la marginalidad y la ausencia familiar en las periferias de las grandes ciudades.
“De cuando el flaco Martínez se fue al cielo...” se aproxima a esta desgarradora realidad con solvencia. En primer lugar, porque involucra al espectador como si fuera el pasajero de una extraña ruta que une dos extremos de una Lima desconocida o ignorada.

Javier Quiroz (de pie) y Brian Cano,
protagonistas de la obra.

Sobre ese lienzo urbano, la dramaturgia de Zanatta construye una historia fantástica cuyo dolor y denuncia resultan familiares, aun cuando el lenguaje empleado podría rozar con los clichés al retratar a las clases populares.
Este drama –con toques melodramáticos– se sostiene, además, en sólidas actuaciones. 
El Flaco Martínez (Javier Quiroz) y Bryan (Brian Cano), su inseparable cobrador, encaran este revelador periplo de forma distinta. El primero realiza un recuento de su vida con sus seres queridos, mientras que su compañero descubre el lado más sensible del flaco y del suyo también.
La estética chicha –brillante y llamativa– impregna a la propuesta de un tinte costumbrista que combina lo migrante y lo moderno. Algo que juega con la ciudad mestiza armada sobre una escenografía “reciclada” de cartones, vasitos y cucharitas descartables.

La música en vivo es uno de 
los mayores aciertos del montaje

La música en vivo (notable aporte de Domingo Arana) apoyado por un buen manejo de cámaras que logran una narrativa fluida, intimista y solemne.
La experiencia teatral se convierte en una festividad ritual y sicodélica que expía las reconciliaciones tardías y sana los silenciosos dolores con cajas de cerveza mientras la muerte se acerca. 
A lo largo de siete estancias, “De cuando el flaco Martínez se fue al cielo...” envuelve a sus pasajeros en las profundas heridas causadas por la violencia, la marginación social y las carencias afectivas. En lugar de simplemente resignarse, ambos protagonistas vociferan su mayor protesta: aferrarse a una ilusión, la última, quizá, antes de doblar esa inevitable esquina. 

FICHA ESCÉNICA
“De cuando el flaco Martínez se fue al cielo sin decirle adiós a su chibolo”
Idea original: Rosa Victoria Chauca
Dramaturgia: Mario Zanatta
Dirección: Rosa Victoria Chauca
Asistencia de dirección: Ernesto Ayala
Elenco: Javier Quiroz y Brian Cano
Música original: Domingo Arana
Funciones: 20, 21, 22, 27, 28 y 29 de agosto a las 8pm
Plataforma: YouTube
Locación: Consorcio Cultural La Compañía
Una producción de Casa Cultural Colibrí

Espejo cómico

En su elocuente título y breve extensión, “La comedia de los errores” (The Comedy of errors) de William Shakespeare (1564-1616) guarda una veta inagotable de emociones y risas. Algo que consigue con un género popular hasta el día de hoy: la comedia de enredos.

Antífolo (Gómez Ferguson) y
Dromio (Palomino) 

Con buen criterio y marcado riesgo el Club de Teatro de Lima ha estrenado una versión virtual que recoge sus mayores y más reconocibles características. Es decir, coincidencias inoportunas, identidades similares, situaciones de desconcierto e intriga y, de cuando en cuando, personajes con valor arquetípico. Santiago Giraldo toma los pilares de la pieza shakesperiana para, sobre ella, potenciar una propia versión: un montaje jocoso e hilarante que reluce en la virtualidad. Su desafío en la dirección es resuelto en escena con un acertado manejo de los códigos de la comedia. Como su nombre sugiere, esta obra trae las confusiones surgidas cuando Egeonte (Gerardo Cárdenas) decide llamar Antífolo (José Gómez Ferguson) a sus dos hijos gemelos. Por si ello no fuera suficiente, el padre les asigna dos criados –gemelos también– llamados Dromio (Jhosep “Josefo” Palomino).

Adriana(Díaz del Olmo),
esposa de Antífolo de Éfeso 

Sin embargo, un naufragio separa a la familia dejando a cada par (un hijo y con su criado) en Éfeso y al otro en Siracusa. Tiempo después ambos hermanos (y ambos criados) coinciden. Con tales ingredientes, los enredos se van cocinando, mientras el montaje aprovecha ingeniosamente las bondades técnicas de Zoom. La música y, sobre todo, las locaciones virtuales no solo contextualizaron la historia, sino que dotaron de atmósferas cálidas y exóticas al acercarnos a calles de alguna ciudad mediterránea, el frontis de un edificio antiguo o una desoladora carceleta. Esta licencia ha traído más de una exigencia al elenco, aunque el riesgo valió la pena. 

De ese modo, se pudo observar a los actores y actrices de cuerpo entero y en “una sola pantalla” que, si bien no compartían el mismo espacio, se esforzaron por coincidir sus movimientos y miradas en las escenas. Lograrlo no fue fácil, aunque ello no impidió que fluyera la historia o restara al juego de duplicidades de la obra.

"La comedia de los errores"
dirigida por Santiago Giraldo

Por ejemplo, Cintia Díaz del Olmo alternó como Adriana y la abadesa; Iorana Gallardo en el rol de Luciana y cortesana; Cárdenas fue, además, Solino, duque de Éfeso; Maykol Asencios como Ángelo y Doctor Pinch; y, finalmente, Hendrick La Torre en el papel de mercader, soldado y criado. En este aceptable elenco, destaca “Josefo”, quien a través de una plasticidad camaleónica acentúa el timing preciso de la comedia con dosis de desconcierto y humor. 
“La comedia de los errores” se suma a otros montajes del Club de Teatro de Lima que se perfilen desde el ingenio y el compromiso de todo su equipo. Esta vez, a los enredos bien orquestados por una cuidadosa dirección, asoman las bondades de la tecnología puesta al servicio de la creación.

FICHA ESCÉNICA
“La comedia de los errores” de William Shakespeare
Dirección: Santiago Giraldo
Elenco: Maykol Asencios, Gerardo Cárdenas, Cintia Díaz del Olmo, Iorana Gallardo, José Gómez Ferguson, Hendrick La Torre y Josefo Palomino
Temporada: De14 al 29 de agosto
Funciones: sábados y domingos a las 9pm
Plataforma: Zoom
Entradas: S/ 20 (General) y S/ 15 (Estudiantes y adultos mayores)
Informes y reservas: 954 777 336 (WhatsApp)
Un montaje del Club de Teatro de Lima

Días memorables

A pesar de ser una pieza breve, “La última cinta de Krapp” A pesar de ser una pieza breve, “La última cinta de Krapp” logra delinear en sus páginas los perturbadores demonios que acechan en la vida moderna. Sus monólogos impregnados de soledad y pesimismo no han perdido vigencia desde su estreno en 1958.

Gonzalo Molina en "La última cinta"

Pareciera, más bien, que este texto del autor irlandés Samuel Beckett (1906-1989) se revitaliza con dar un vistazo a la modernidad desolada, agitada e insatisfactoria que nos rodea. De esta sombría atmósfera emergió Aristóteles Picho cuando, en 2010, interpretó esta obra con la dirección de Miguel Talledo en el Centro Cultural PUCP. 
Once años después, Piso 1 Producciones recoge las opacidades del libreto original en una propuesta cargada de dolor y desesperanza montada desde el Nuevo Teatro Julieta de Miraflores. La libre adaptación y dirección de Manuel Baca Solsol logran este propósito.

La historia se sitúa en el cumpleaños de Krapp, un hombre maduro y postrado en una silla de ruedas, que suele grabar sus recuerdos en cintas para luego reproducirlas. Gonzalo Molina encarna estupendamente a este personaje, en especial, por la dualidad que lo habita.

El recordado Aristóteles Picho encarnó
a Krapp en una propuesta de 2010.

Su actuación es un lienzo teñido de dolor (físico y moral) y añoranza desde el que fluyen también saludables episodios de felicidad. Entre ellos, los paseos por una apacible playa o al recordar a una misteriosa mujer llamada Bianca en una escena inquietante y tierna en la que el solitario protagonista “conversa” con un maniquí. 
Estas evocaciones se tornan lóbregos cuando lanza su desprecio a la juventud que lo ha abandonado, o cuando piensa en la enfermedad del padre y la viudez de la madre. El Krapp de Molina conjuga lo visceral y lo emotivo con dosis de pesimismo y arrogancia.

A nivel narrativo, la transición de tiempos a través de un funcional empleo de luces y un buen manejo de cámaras aportan una perspectiva cinematográfica que potencia lo escénico, aunque podría revisarse si los acordes criollos del inicio suman al contexto de la historia.

"La última cinta" de Piso 1 Producciones

Un detalle interesante: este no es el primer de “Beckett” de Piso 1 Producciones. Durante la pandemia, esta prolífica productora ha estrenado “Fragmentos”, “Nacimiento” y “Salto en sepia”, adaptaciones virtuales que nos aproximan al universo existencialista de este autor considerado padre del “teatro del absurdo”.

Todo este bagaje moldea este montaje hasta convertirse en un retrato de dilemas sensible e inconclusos. “La última cinta” delata el entusiasmo de quienes se refugian en el pasado para olvidar por un momento que el ocaso de la vida se acerca irremediablemente.

FICHA ESCÉNICA
“La última cinta”, adaptación de Manuel Baca Solsol
Inspirada en “La última cinta de Krapp” de Samuel Beckett
Dirección: Manuel Baca Solsol
Elenco: Gonzalo Molina
Lugar: Nuevo Teatro Julieta (Miraflores)
Entradas: S/ 30 (Acceso por 48 horas)
Plataforma: Joinnus
El streaming estará disponible hasta el 14 de agosto
Adquiere tus entradas en este enlace
Una producción de Piso 1 Producciones y Cindy Díaz

Pesadilla republicana

Desempolvando un poco nuestra historia, uno podría ver fácilmente las costuras y retazos con que remendaron al Perú, entre 1821 y 1824. En ese entonces los anhelos de libertad e igualdad de San Martín o Bolívar parecían esperanzas para la joven república.

"Proyecto Bicentenario"

“Proyecto Bicentenario”, la reciente propuesta de la Escuela Nacional Superior de Arte Dramático (ENSAD) ideada para la escena, recoge estos ecos fundacionales que aún resuenan entre sus pasajes de fugaz democracia. Dos siglos después, esta radiografía patriótica vista desde el Teatro Roma - ENSAD, poco o nada parece haber cambiado. Esta original creación colectiva que dirige Ricardo Delgado Ayala posee un sólido trabajo de investigación y exploración escénica. Su denuncia, en cambio, es conocida: los intereses particulares [de la clase política] postergando a las causas comunes desde los inicios del país.
La ritualidad de “Proyecto Bicentenario” aflora con acuciosa solvencia a simple vista. Primero, a través de máscaras y cuadros calados y “móviles” bajo los que desfilan héroes (con énfasis en sus heroínas) y villanos de una nación sometida a los abusos del poder, la impunidad y la corrupción.

La propuesta es dirigida por 
Ricardo Delgado Ayala

Luego, al adoptar el Tatash, una tradicional danza de Huánuco para acompasar un diálogo fluido e ingenioso entre el pasado y el presente. Estas atmósferas flanquean lúdica y estéticamente cada episodio por lo que cabría imaginar -con más satisfacción que desconcierto- si al crear este montaje no estarán creando una “danza” teatralizada. En tercer lugar, por el uso inteligente de los símbolos. Los trajes caqui del elenco casi recuerdan la marcialidad con que vive la sociedad civil peruana, y que elegantemente va acompañada de una franja roja anudada sobre el pecho.

Otro ejemplo son las polleras o faldones que reivindican la presencia femenina, casi siempre oculta en la historia oficial. Las figuras de Rosa Campuzano, Manuelita Sáenz o las hermanas Toledo son rescatadas de la charla anecdótica hacia una dimensión histórica más justa.

"Proyecto Bicentenario" se presenta
desde el Teatro ROMA - ENSAD

Con esta mixtura de lenguajes artísticos, los mensajes adoptan una forma clara y, en otros casos, más punzante y crítica. Delgado Ayala esboza un notable ejercicio de memoria, rigor coreográfico, ritualismo asentado en raíces originarias y justicia cívica en tiempos en que la ciudadanía se mueve asediada por los poderosos. A doscientos años de nuestra proclama de independencia, “Proyecto Bicentenario” rememora los escasos aciertos y las tareas pendientes de una nación que bajo “una neblina densa” lucha ante el egoísmo y la miseria moral de quienes, desde el poder, deberían custodiarla.

FICHA ESCÉNICA
“Proyecto Bicentenario” (Creación colectiva)
Dirección: Ricardo Delgado Ayala
Elenco: Alexis Caballero, Juliet Pacahuala, Rafael Mena, Katerin Ganoza, Kelly Carrillo, Allison Huarcaya, Dennis Gutarra y Jorge Luis Castillo.
Funciones: Jueves, viernes y sábados a las 8pm hasta el 24 de julio
Las transmisiones son gratuitas vía Facebook Live de la ENSAD

Dilemas fraternos

La muerte se ha convertido en un elemento creativo inevitable en tiempos pandémicos. Siempre estuvo ahí en la escena –generalmente como fatal desenlace–, aunque también como un tema que confronta la humanidad, el amor o las voluntades con un lúgubre protagonismo.

Cristina (Chávez) y Alejandra (D'Onofrio)
en "Milagros"

“Milagros”, pieza teatral escrita por Gina Guerrero Pflücker con la dirección de Carla Valdivia, toma partido por esta última opción. Esta exploración escénica virtual se relaciona con el caso de Ana Estrada, quien, a raíz de una enfermedad degenerativa, ha sentado un precedente por “una muerte digna” a través de la eutanasia en nuestro país. A diferencia de otros trabajos de Las Luchas Producciones –orientados más por en la situación actual de las mujeres en nuestra sociedad–, este nuevo montaje deslumbra por poner en debate el libre albedrío sobre la eutanasia y la marcada emotividad de sus protagonistas. La propuesta técnica y narrativa de “Milagros” es sobria y con un aparente ritmo reiterativo. Esto, debido a la interacción de Cristina (Lizet Chávez) y Alejandra (Katerina D’Onofrio), dos hermanas con una forma de pensar y sentir la vida de forma distinta.
Reunidas en una videollamada, la primera es una mujer caracterizada por su solidaridad y optimismo. Ser madre de dos hijas es una de sus principales motivaciones. Afincada en España, Alejandra lidia con una espiral de desilusiones que podrían confundirse con un obstinado pesimismo.

Afiche de "Milagros"

La dramaturgia rehúye de polémicas simplistas y aprovecha, los recuerdos de estos personajes para delinear los límites del amor (fraternal), el respeto por las decisiones –por más dolorosas que parezcan– y las despedidas a través de un diálogo sensible, honesto y reflexivo. En una solvente y emotiva interpretación, Chávez y D’Onofrio componen a dos cómplices incondicionales frente una premisa desoladora. Son hermanas quebradas y sanadas a medias y son conscientes de que la fortaleza de una es, quizá, la única esperanza para la otra. A diferencia de propuestas más “móviles”, esta historia destaca el aspecto psicológico de las protagonistas. Los primeros planos de ambos encuadres acentúan los momentos de tensión y desesperación mientras desfilan los argumentos emocionales y racionales.
Las locaciones y una utilería cotidiana son funcionales y contextualizan la distancia de esta reunión fraternal. “Milagros”, la reciente propuesta de Las Luchas Producciones, intenta reconciliar la vida con la muerte sin restarle dolor ni sensibilidad a nuestros temores ni decisiones.

 FICHA ESCÉNICA
“Milagros” de Gina Guerrero Pflücker
Dirección: Carla Valdivia
Elenco: Lizet Chávez y Katerina D’Onofrio
Funciones: 14, 15 21 y 22 de mayo a las 9pm
Plataforma: Joinnus Live
Entradas: S/ 20 (General) en Joinnus
Redes sociales: Instagram
Un montaje de Las Luchas Producciones

Los niños al poder

De los creadores de “NTN, tu programación al instante”, divertido montaje del Club de Teatro de Lima, llega ahora “Teleaventuras”. Esta propuesta ratifica la fórmula consagrada a lo largo de tres temporadas por “NTN” y la orienta, esta vez, al desafiante público infantil.

Isabel Falcón, Julio Díaz y Francisco Salvador
en "Teleaventuras"

La originalidad de la improvisación y la interactividad de plataformas virtuales combinan a la perfección con guiones enfocados en los pequeñines de la casa. Para ello agregan historias, juegos y personajes que se conectan a la asombrosa imaginación de su audiencia bajo una estructura programática definida. Los protagonistas de “Teleaventuras” son Fredy y Trixi (Francisco Salvador e Isabel Falcón), dos niños que quieren escapar de la rutina del encierro y la pandemia. 
La última esperanza es el televisor, pero no hay nada entretenido que ver. ¿Qué hacer? Su anhelo llegará a oídos de Billy (Julio Díaz), un excéntrico y vivaz personaje, quien los llevará a “jugar con lo imposible”. Luego de viajar por una espiral de ondas electromagnéticas, los tres pondrán a prueba el poder de su imaginación.

"Teleaventuras" recrea historias y
personajes desde la virtualidad

Billy ha creado su propio canal de TV en el que podrán presentar noticias que desafíen la realidad, ser los héroes de un videojuego o utilizar superpoderes para salvar al mundo en una película fantástica. Estos tres segmentos se afianzan en la interactividad y simultaneidad de las redes. Como en un show tradicional de improvisación, el público elige los temas y personajes (con votaciones y comentarios) e, incluso, puede participar con la cámara encendida. Una lúdica manera de romper la “cuarta pared virtual” impuesta por la pandemia. 

La elección musical y el empleo de fondos virtuales (locaciones como parques, ciudades, o “un espacio en el espacio”) surten gran efecto. No tanto por su estética holográfica, a veces paródica, sino por su eficiente forma de contextualizar las escenas.

La propuesta del Club de Teatro de Lima
emplea acertadamente los recursos técnicos

Aunque ello no aligera ni simplifica el esfuerzo de Salvador, Falcón y Díaz en escena. Ellos mantienen un ritmo creativo y constante en el que, incluso, convierten sus propios desaciertos en parte de su libreto. 

En tiempos de entretenimiento light y masificado, propuestas como “Teleaventuras” nada a contracorriente. Su experiencia nos devuelve a ese ritual cotidiano que la tecnología no ha logrado superar del todo: imaginar como lo haría tu niño interior. A veces basta cerrar los ojos y hacer un juramento honesto que nos devuelva esa alegría y libertad.

FICHA ESCÉNICA
“Teleaventuras”
Elenco: Julio Díaz, Isabel Falcón y Francisco Salvador
Temporada: Domingos 25 de abril, 02 y 09 de mayo a las 4pm
Plataforma: Zoom
Entradas: S/ 20 (General)
Informes: 918715582 (WhatsApp)
Enlace: https://walink.co/6f8693
Redes sociales: Facebook / Instagram
Un montaje del Club de Teatro de Lima

Emociones conectadas

A pesar de los telones caídos y las salas cerradas por la crisis sanitaria, el ímpetu de los teatreros no ha decaído. Los montajes virtuales –el refugio para atrevidos y creativos– ha sido un primer paso, pero no el único en el que centran su esperanza de retorno.

Primera edición de Pantalla Abierta 

Con algo de fe y mucha visión, Rebobina, productora de “Todo lo que queda suspendido en el aire” (2020) o “La Peca” (2021) –gestados en plena pandemia– lanzó “Pantalla Abierta” a fines del año pasado.
Esta primera convocatoria seleccionó dos textos circunscritos en el universo femenino, aunque con exploraciones disímiles. El primero de ellos “Nacer” es un evocador monólogo que encarna con sentida convicción Fiorella Luna, aunque asistida de un buen soporte audiovisual. Recursos que podrían recrear la imagen de un “feto adulto” o impregnar de nostalgia una simple habitación. La joven protagonista entra en dilemas consigo misma, con su madre, su psicólogo o sus propios recuerdos. El texto escrito por Carla Valdivia y dirigido con precisión por Alejandra Núñez explora los significados alternativos en torno a un nacimiento “habitual”.

Fiorella Luna en "Nacer"

Su travesía abandona la biología para adquirir un cariz más filosófico al preguntarse qué hay antes de nacer o si es posible nacer todos los días de distinta forma. Estas dudas poco a poco se convierten en un acto liberador que puede sobrecogerte como un temblor de madrugada o un cambio de vida que en ningún caso debe detenerte. La segunda propuesta es, más bien, de corte amoroso. Escrita por Kiara Quispe, “Souvenir” presenta a dos mujeres relacionadas en el pasado que intentan dar fin a su historia. Sonora (Luciana Plenge) y Quieta (Daniela Zea) luchan contra sus sentimientos como pueden. 
Desobedeciendo tiempo y distancia, ellas han pactado un reencuentro virtual en el que los reproches y las desconexiones impedirán un diálogo fluido contaminando la charla con círculos y evasivas por momentos más anecdóticos que necesarios.

Daniela Zea y Luciana Plenge
en "Souvenir"

En medio de esa vorágine de incomunicación, la directora Josefa Mora acierta al acentuar la tensión entre ambas jóvenes. No obstante, la pieza es tan breve como para profundizar en los temores o dificultades para aceptar un adiós cuando en las relaciones –al margen de los géneros y orientaciones– ya no se aceptan devoluciones. En su primera edición “Pantalla abierta” ha logrado mantener vivo el vínculo que separó el confinamiento y el aislamiento. Sobre ese telón mediado por la tecnología es posible, de momento, dibujar los sueños de un próximo convivio, más cálido y natural.

FICHA ESCÉNICA
Pantalla abierta, una iniciativa de Rebobina
“Nacer” de Carla Valdivia.
Dirección: Alejandra Núñez
Elenco: Fiorella Luna
“Souvenir” de Kiara Quispe.
Dirección: Josefa Mora
Elenco: Daniela Zea y Luciana Plenge
Producción ejecutiva: Piero Negrón
Funciones: Martes y miércoles a las 9pm
Temporada: Del 23 de marzo al 07 de abril
Plataforma: Zoom
Entrada: S/ 25 (General)
Adquiere tus entradas aquí
Redes sociales: Facebook / Instagram
Una producción de Rebobina

El canal del pueblo

Fuera del espectro analógico o satelital, donde las posibilidades son infinitas y los gustos bastante variados, existe una señal de antena irreverente en la que la coyuntura se inmiscuye en las transmisiones mientras la interacción del público es simultánea.

"NTN" es presentado por el Club de Teatro
de Lima y Di Que Sí Impro

Si por suerte sintoniza “NTN Tu programación al instante”, no toque su equipo. Este desenfadado espectáculo –mezcla de improvisación, ingenio y música en vivo– lo hará sentirse en familia compartiendo situaciones reales –absurdas y noticiables– y sátira política. Esta propuesta del Club de Teatro de Lima y Di Que Sí Impro se enriquece al parodiar arquetípicos programas de televisión. Esto último resulta irónico si consideramos que el consumo actual de teatro, desde la virtualidad, se parece mucho a sentarse frente al televisor. Las referencias de “NTN” son provocadoras y nos trasladan a los años 90, la década más oscura para los medios masivos de nuestro país. Sus personajes apellidados Winter, Cassinelli o Valcárcel reviven litigios judiciales y orquestadas cortinas de humos.

Jhosep Palomino, Feffo Neyra, Julio Díaz
Isabel Falcón y Francisco Salvador,
Isabel Falcón y Paco Caparó.

Las atípicas intervenciones de Don Francisco Delgado Faber Castell (Caparó), el elegante dueño del canal, son un alarde mediático de poder y dinero. Josefo Chan (Jhosep Palomino), la soberbia e identificable voz de la señal, secunda cada intromisión con ocurrencias, aunque desde controles Kazoolo (Francisco Salvador) haga de las suyas. La parrilla televisiva de “NTN” cubre las expectativas de una audiencia heterogénea y exigente. Por ejemplo, puede disfrutarse de “Bricolash y algo mash”, magacín familiar a cargo de la adorable Goyita (Caparó), quien desde su burbuja acierta con los “mejores” consejos matutinos. En “La rudita de Santa Marta”, programa inspirado en un inacabable y fervoroso enlatado extranjero, se resuelven los dilemas más cotidianos bajo la omnipotencia de una trinidad infalible: el humor, el trabajo en equipo y la tecnología (filtros y fondos).

"La rudita de Santa Martha" vía NTN

Otros dos buenos segmentos son “NTN Movie”, que sitúa a Chan como presentador de películas en calidad de “estreno absoluto”. Así sean de cine mudo. Y el show de Nandito (Feffo Neyra) a cargo de un divo algo incomprendido que lanza clips inéditos con letras jocosas y frescas. “NTN Tu programación al instante” revela por qué hacer televisión en vivo es un riesgo que, tantas veces, vale la pena. En tiempos de consumos y fidelizaciones fugaces, este montaje ostenta el raro mérito de celebrar tres temporadas sin desgastarse apresuradamente.

FICHA ESCÉNICA
“NTN Tu programación al instante” (Tercera Temporada)
Elenco: Paco Caparó, Feffo Neyra, Julio Díaz, Jhosep Palomino, Isabel Falcón y Francisco Salvador
Funciones: Sábados a las 9pm
Temporada: Del 06 de marzo al 03 de abril
Plataforma: Zoom
Entradas: S/ 15 (General)
WhatsApp de NTN: 999406664
Redes Sociales: Facebook / Instagram
Una producción del Club de Teatro de Lima y Di Que Sí Impro