Sentimientos impunes

Sin certezas ni esperanzas resulta difícil construir una sociedad sólida, o cohesionada. “Entre líneas y silencios” (2026) se aferra a esta generalizada desazón que, escena a escena, convierte al público en mudo partícipe de una convivencia disfuncional, fallida y peligrosa que, al margen de las clases sociales y estamentos, siempre afectan al lado más débil.

Hermelinda (Hanna) y Ponceano (Caffo)

Esta historia escrita y dirigida por Godo Lozano (Ayacucho, 1989) plantea un siniestro juego de apariencias. En ella, coexisten dos convivientes inmersos en una relación frágil, afectada por la desconfianza y la rutina, con la autoridad (un policía) incapaz de cumplir sus funciones. En medio, la sociedad observa los oscuros intereses que los entrelazan. Esta pieza forma parte la III edición del ciclo “Teatro en el Centro”, una loable iniciativa del Instituto Cultural Peruano Norteamericano (ICPNA). Con ella, no sólo se reactiva su céntrica sala del jirón Cusco, sino que abre el espacio para que nuevos autores peruanos aterricen sus inquietudes creativas a través de historias singulares. El resultado es debatible. “Entre líneas y silencios” presenta una trama anecdótica, sencilla, pero con un nexo funcional y vigente. Ponceano y Hermelinda (Emmanuel Caffo y Darill Hanna, en una dupla asfixiante y sorpresiva) encarnan a una relación disminuida y fragmentada, golpeada por callados resquemores y sospechas de infidelidad que han vulnerado y socavado su apacible convivencia.

El mayor Orozco (Onasis Toro)

Esta situación dispara en ellos actitudes inesperadas –como espiar al otro mientras duerme– que se agregan a frases ambiguas y tibias muestras de cariño. En estas silenciosas escenas en plena penumbra destaca la buena energía del dúo que logra compensar, de algún modo, una performance deslucida por textos un tanto recitados y poco orgánicos. La trama se complica cuando a esta azarosa mezcla de sospechas, –con mucho dinero, cajas fuertes y armas en juego– se suma la desaparición repentina de Hermelinda y de los ahorros de Ponceano. El pobre hombre pone la denuncia ante Orozco (un solvente rol de Onasis Toro), un mayor de la policía de mucho oficio, desconfiado y con pocas pulgas. Casi sin proponérselo, este personaje funciona como el contrapunto cómico que salva el prolongado y cansino drama amoroso. Pero, a su vez, delata la arbitrariedad, torpeza o cinismo con que actúa la autoridad y que se convierte en el suplicio de Ponceano con protocolos llenos de sesgos, nulas presunciones de inocencia y castigos impersonales.

"Entre líneas y silencios", pieza escrita
y dirigida por Godo Lozano

La escenografía es geométrica, con cuatro locaciones de tenue iluminación y un piso de líneas punteadas que marcan el destino de los personajes. Con toques realistas, se observa el hogar de la pareja –con un indiscreto espejo que retrata la culpabilidad– y una solitaria comisaría a un lado, y, hacia el otro, una cafetería y una habitación de hotel. Esta disposición conjuga las acciones con el espacio y el tiempo, yendo de izquierda a derecha y de atrás hacia adelante. La música incidental de Magali Luque aporta belleza entre piezas en vivo y otras reproducidas desde una tableta, mientras que las proyecciones de luz, muchas veces, son más un deleite estético más que un recurso narrativo.  Tras deslizar pistas –sean reales y aparentes–, esta trama de caso policial y crónica roja avanza aún a riesgo de desorientar a su audiencia. Sin mayor profundidad, pero con múltiples lecturas, “Entre líneas y silencios” narra un hecho concreto que culmina cuando se desenreda la última hebra de un ovillo de afectos inconclusos o sentimientos acumulados.

FICHA ESCÉNICA
“Entre líneas y silencios” de Godo Lozano
Dirección: Godo Lozano
Asistencia de dirección: Jamil Luzuriaga
Elenco: Darill Hanna, Onasis Toro y Emmanuel Caffo
Producción: Anabelí Pajuelo
Asistencia de producción: Gabriela Mullisaca
Diseño y montaje de luces: Marcello Rivera
Composición, dirección musical e interpretación en vivo: Magali Luque
Diseño escenográfico: Sharon Reátegui
Realización escenográfica: Ítalo Flores y Andrés Juscamaica
Asesoría de vestuario: Ramón Velarde
Asistencia de vestuario: Camila Reinoso
Gestión de públicos: Gabriel Cárdenas
Temporada: Del 03 al 27 de septiembre del 2026
Lugar: Auditorio ICPNA Lima Centro (Jr. Cuzco 446, Lima)
Funciones: De jueves a sábado a las 8pm / Domingos a las 7pm
Entradas: S/ 40 (General), S/ 30 (Adultos Mayores), S/ 25 (Estudiantes), S/ 20 (CONADIS) en Joinnus
Un montaje de ICPNA Lima Centro y Puckllay Arte y Comunidad

Desafíos mentales

Predecir los caminos por los que transita el albedrío humano podría ser, con mucha probabilidad, un ingrato desafío para la ciencia moderna. El laureado autor español Jordi Casanovas (Barcelona, 1978) expuso algunas de esas posibles, excéntricas e inquietantes hipótesis en “I.D.I.O.T.A.” (2014) a través de una sátira ingeniosamente construida.

Carlos Valera (Machuca)

Esta delirante pieza teatral de curioso título y connotaciones distópicas revela las fronteras más oscuras que uno estaría dispuesto a atravesar por necesidad o facilismo. No obstante, este iceberg dramático trae consigo peligrosos controles, intereses perversos e investigaciones manipuladas, que son los algoritmos de un sistema más opresivo y real. David Carrillo aprovecha estas licencias creativas para reencontrarse con uno de sus géneros preferidos: las comedias reflexivas, como aquellas que solía montar con Plan 9.
Esta vez, desde el Teatro de Lucía, este oficioso director nos deleita con escenas conectadas a la realidad desde la crítica social, el humor negro y las situaciones insólitas. “I.D.I.O.T.A.” se sostiene en una narrativa ágil, desconcertante y con remates lúdicos e impensados, en el buen sentido de la palabra. Un sujeto como cualquier otro llamado Carlos Varela (Armando Machuca en un rol preciso) acude a un laboratorio de investigación neurológica, tras leer un anuncio sobre unas pruebas científicas bien remuneradas.

"I.D.I.O.T.A" de Jordi Casanovas

Ahí lo espera una doctora de impronunciable nombre alemán, bata blanca y alborotada cabellera rojiza (la solvente Sandra Bernasconi). El contacto entre ambos es fulminante –y enciende su trama siniestra– dado que ella es protocolar, y, luego, intimidante; mientras que él luce ansioso, a veces, en exceso, aunque esperanzado por resolver sus deudas. La versatilidad anímica de Machuca contrasta con la irreverente frescura de Bernasconi, sin llegar a opacarse entre sí. Sin distracciones, el optimista sujeto comienza a resolver una serie de preguntas capciosas que, bajo presión y efectos sonoros de conteo regresivo, dejan entrever que los límites éticos dependen del cristal de quien mira. Esta impresión varía drásticamente a medida que avanza la historia. En escena, el ánimo de los protagonistas experimenta cambios cuando las respuestas de Carlos generan consecuencias para su familia, marcadas con latidos de corazón, que contagian al público –como si fueran voluntarios del experimento– del éxito y frustración del participante. A nivel técnico, las escenas se suceden con cambios de luces precisos en tonalidad e intensidad –rojas, azules, amarillas o verdes– bien pautados por la dirección. La sobria escenografía de paredes blancas con detalles metálicos, un tanto vacía y con poca utilería (mesas, sillas y una “pesada” puerta) sirven para montar un asfixiante consultorio.

La doctora (Bernasconi)

Aquí, entre ironías de la científica y desacatos del voluntario, la puesta cierra su arco distópico con un desenlace oportuno e incómodo. En especial, por revelar los verdaderos fines de aplicar estudios de este tipo en la era tecnológica y exponer la poderosa ventaja que la esfera política o corporativa puede tomar al acceder a esta data. Con ciudadanos adormecidos y a merced de un sistema egoísta y voraz, “I.D.I.O.T.A.”, la puesta de ACAU y Pilar Cornejo que, por primera vez, llega a Lima, se atreve a hurgar en las letras pequeñas de los nuevos contratos sociales. Quizá, en esas cláusulas –que casi nadie lee antes de firmar– residan las claves para burlar los controles y trampas que restringen nuestra libertad.

FICHA ESCÉNICA
“I.D.I.O.T.A.” de Jordi Casanovas
Dirección: David Carrillo
Elenco: Sandra Bernasconi y Armando Machuca
Producción ejecutiva: Pilar Cornejo
Producción general: Asociación Cultural de Artes Unidas (ACAU)
Temporada: Del 20 de agosto al 20 de setiembre
Funciones: De jueves a sábados a las 8pm / Domingos a las 7pm
Lugar: Teatro de Lucía (Ca. Bellavista 512, Miraflores)
Entradas: S/ 35 (jueves popular), S/ 55 (General), S/ 25 (Estudiante), S/ 30 (Persona con discapacidad y Adulto mayor) en Joinnus
Un montaje de Pilar Cornejo Producciones y ACAU

Verdugo natural

Con inexplicable poder o misticismo, la naturaleza ha sabido recuperar aquello que el hombre tomó sin permiso ni la mínima prudencia. Este proceso puede tardar años, pero cuando llega golpea con una fuerza tan devastadora que a su nuevo equilibrio natural no le importan ni los atrevidos impulsos o las justificadas razones que ejecutaron sus depredadores.

Bryan y Kevin (Cruchaga y Sánchez)

Esta idea debió inspirar, de algún modo, “Cuando el río calla” (2026), pieza que combina dosis de misterio, drama juvenil y filosofía animista, y no precisamente en ese orden. Aníbal Samos (Arequipa, 1991), autor de este ecléctico libreto, compone escenas plausibles –y otras más febriles– en una arriesgada trama que funciona, inconclusamente, en escena. Con esta “riqueza” dramatúrgica, el director Gerardo Fernández pule una historia atractiva por los enredos y suspicacias que despierta, a pesar de las tenues motivaciones de sus protagonistas. Un detalle llamativo para los dos jóvenes impetuosos que, embarcados en un viaje sin un destino claro, asumen las consecuencias de sus propias acciones. Con una escaleta un tanto cinematográfica, “Cuando el río calla” dispone de un cúmulo de tramas paralelas que eventualmente se cruzan. Bryan y Kevin (aceptables roles de Diego Cruchaga y Jorge Sánchez) son dos amigos que van en busca de nuevas emociones –y excesos– en una noche en la que deciden salir en auto por una sinuosa carretera.

Lynn y Sasha (Epequin y Carbo)

Pero no son los únicos. Sasha y Lynn (Paola Carbo y Sandra Epequin, de acertado trabajo) son una pareja con muchos planes, pero con poca suerte para llevarlos a cabo. El miniván que las lleva se planta y quedan varadas en la misma carretera, cerca de un apacible río, donde deciden acampar y divertirse entre música, copas de vino y postres horneados. Por ese arroyo merodea Willy (Fernández, solvente y comprometido), un jefe ancestral con aura misteriosa. Su presencia mística combina una apariencia rural (sombrero, poncho y vara) y frases premonitorias. En ese mismo cauce va Oliver, un apacible biólogo (excelente papel de Matt Durán) que recolecta muestras de vida y reflexiones existencialistas. Al cruzarse todos ellos se observa que los personajes maduros están mejor delineados que los arquetipos jóvenes, a menudo, perdidos en disfuerzos y clichés. Luego de “escenas siniestras” poco orgánicas, la trama original se trastoca por una historia policial con la llegada de un fiero investigador Burke y sus policías Mark y Kirk (Durán, Carbo y Epequin, en registros diferenciados).

Burke (Durán) y el jefe Willy (Fernández)

A partir de aquí, el argumento sigue un mismo curso gracias a la “acción” que ejerce el río –situado con acierto hacia el público– y que origina un sólido conflicto entre el pragmático detective y el comunero místico. Esta pugna se atropella con prescindibles intromisiones –dictadas por actores enmascarados– que resultan más inquietantes que reveladoras. La iluminación consolida las atmósferas de angustia y escape sin mayor obstáculo a pesar de su cromatismo psicodélico algo saturado. Pero es un efecto agradable que juega con los versátiles y coloridos cubos de madera que funcionan como vehículos o soportes, fáciles de escalar y mover sin quitar dinamismo al ritmo de la propuesta. “Cuando el río calla”, montaje en colaboración de Telón Mestizo y el Centro Integral de Formación Actoral (CIFA) de Esencia, ha sido un primer cruce sobre aguas rápidas para su elenco y autor que arriesgan. Salvo pretensiones por corregir, esta historia logró situar el frágil destino humano en una de las riberas más peligrosas y desconocidas de la naturaleza.

FICHA ESCÉNICA
“Cuando el río calla” de Aníbal Samos
Dirección: Gerardo Fernández
Elenco: Gerardo Fernández, Diego Cruchaga, Jorge Sánchez, Matt Durán, Paola Carbo y Sandra Epequin
Funciones: 01, 02, 08 y 09 de agosto
Lugar: Teatro Barranco (Av. Almte. Miguel Grau 701, Barranco)
Producción general: Aníbal Samos
Coproducción ejecutiva: Víctor Lucana
Un montaje de Telón Mestizo y el Centro Integral de Formación Actoral (CIFA)

La última voluntad

Hay actos finales que resuelven viejos conflictos, pero existen otros que, sin lograr lo primero, sólo complican el presente. Tal parece ser el destino inevitable que persigue a los protagonistas de “Una muerte light” (2026), una sólida comedia de humor negro que conjuga en sus líneas una crítica al salvaje corporativismo y plausibles reflexiones a la condición laboral.

La gerenta general (Che-Piú) en
"Una muerte light"

Este texto cuenta con la autoría de Carlos La Rosa. Lejos de reivindicar al género policial o de suspenso, la pieza teatral delata el interés del dramaturgo por contar historias que desafíen a la autoridad –en todas sus irreconocibles y execrables formas– casi siempre en escenarios absurdos y urgentes, y donde la razón es un silencioso refugio para el espectador. Con buen timing y harto desenfado, La Rosa y Javier Guerrero, su codirector, deslizan episodios hilarantes, pero posibles: alienación laboral, abuso de poder, despidos masivos e irreconciliables dilemas de familia. A ello se adiciona una eficiente producción de La Patriota con una utilería sobria, giros inesperados, buenos apuntes de luz y escenas sublimes. “Una muerte light” sigue los planteamientos narrativos de un detectivesco thriller, aunque sin encasillarse en este género. En su último día de labores, dos jóvenes trabajadores (Roni Ramírez y Brian Cano, convincentes, divertidos y lúdicos) descubren el cadáver de uno de sus compañeros –una sugestiva mirada hacia el público– en uno de los baños de la empresa.

Dos trabajadores en circunstancias
inesperadas (Cano y Ramírez)

Ambos actores sostienen con suma gracia y complicidad este desconcertante inicio. A partir de aquí, surgen enredos cómicos, evidentes temores y sutiles tentaciones mientras intentan evitar que esta noticia llegue a los oídos del nuevo jefe de seguridad (Daniel Cano, una desconfiada voz en off primero y luego intimidante presencia), algo que previsiblemente ocurre. El encuentro de las burlas y torpezas de estos oficinistas –que jamás se apartan de sus cajas plásticas– se opone a la actitud esquiva del supervisor con un resultado jocoso. Algo que cambia notoriamente con la llegada de la odiosa gerenta general (intensa y cómica Valquiria Che-Piú), que administra esta firma desprovista de nombre y empatía. La dramaturgia introduce oportunamente a estos dos personajes para definir la jerarquía corporativa, pero, irónicamente, sirve para develar similitudes entre unos y otros. La fábula laboral encuentra aquí una potente conexión con la vida del artista –a menudo, vulnerable, carente y casi olvidado–, en especial, cuando aparece un misterioso muñeco de felpa.

El jefe de seguridad (Cano)

Este simpático títere –junto a otras reveladoras pistas– configuran un nuevo drama sin perder la esencia cómica del montaje. Su presencia no suaviza la opresión que ejerce la gerenta, pero va marcando el destino de los personajes, mientras en las afueras se cocina –con otro guiño a la platea– un estallido social como colofón de una lucha sindical de antaño. A nivel técnico, la dirección ha conjugado una estética “verde” que inspira vestuario y luces.
Este color reviste lo corporativo, mientras que los tonos más cálidos o neutros configuran escenas tensas y reveladoras, que, por ratos, se perciben de manera desigual debido a que el elenco –que exhibe buena dicción– se desplaza continuamente bajo tres micrófonos colgantes. Entre risas nerviosas y terapéuticas e inesperadas confesiones, “Una muerte light” anuncia el colapso de un sistema, sin ser un incendiario de panfleto. Su montaje sólido y coherente se aproxima a aquella arbitrariedad laboral –que refleja también al rubro del arte– orientado a rendir atractivos superávits a costa de vínculos humanos tan valiosos como sacrificados.

NOTA: “Una muerte light” es un proyecto ganador del Apoyo a la Creación Docente (DARES) 2026 de la PUCP y uno de los beneficiarios del Programa de Estímulos Económicos para la Cultura 2026 del MINCUL

FICHA ESCÉNICA
“Una muerte light” de Carlos La Rosa
Dirección: Carlos La Rosa y Javier Guerrero
Elenco: Roni Ramírez, Daniel Cano, Brian Cano y Valquiria Che-Piú
Funciones: 27 de agosto a las 8pm en el Auditorio Goethe-Institut (Jr. Nazca 722, Jesús María)
01 de septiembre a las 8pm en el Teatro Mario Vargas Llosa de la Biblioteca Nacional del Perú (Av. De La Poesía 160, San Borja)
05 de septiembre a las 8pm en la Derrama Magisterial (Av. Gregorio Escobedo 598, Jesús María)
El ingreso es libre previa inscripción
Un montaje de La Patriota

Frágiles apariencias

Pocas historias sobre el Perú han desafiado sus dilemas en perspectiva con tanta veracidad y angustia como plantea “Cáscaras” (2026). Este drama de 85 minutos compuesto por tres historias medianas en duración, pero de amplitud reflexiva, se aproxima a las herencias coloniales y taras sociales que ni artificios modernos o elegantes disfraces pueden ocultar.

La China (Chávez) y Cheche (Arce)
en "Cleopatra y Chechezade"

Con esta obra de tintes existencialistas, Eduardo Adrianzén (Lima, 1964) se desafía también a sí mismo. Habituado a “recrear” pasajes de nuestra historia con mirada oportuna y delirante ingenio, esta vez, el dramaturgo se ha propuesto explorar en el lejano y sombrío futuro, aunque sin dejar de anidar ficciones en el presente y, otra, a finales de los ochenta. La reciente producción de Dilectos Teatreros vuelve a reunir a este autor con un, cada vez, más consolidado y maduro director Giovanni Arce. Esta dupla creativa desliza preguntas incómodas que el peruano de hoy evitaría por temor o indiferencia, pero que fácilmente podría reconocer como una situación cotidiana a pesar de situarse en contextos atemporales. “Cáscaras” inicia con una historia futurista titulada “Capón”. Esta pieza viaja hasta el 2197, año en el que nuestra república forma parte de un poderoso imperio, uno oriental. En un centro de réplicas humanas “se despierta” Emilio (Rodrigo Chávez), un antiguo hombre de negocios peruano de 84 años, fallecido en 2046, ahora en un cuerpo de 33 años. Lo recibe Andreu-J19 (Arce), un amable ciborg programado para asistirlo en esta regeneración a costa de tres simples preguntas. Con brillantes atuendos, una iluminación magenta –atmósfera ciberpunk– y una enigmática estructura metálica –lo único permanente en este universo efímero–, ambos entablan diálogos que van desnudando su esencia.

Emilio (Chávez) y Andreu J-19 (Arce)
en la futurista "Capón"

Con un gran trabajo del dúo, el potentado aparece como un ser frío e incapaz de comprender las nuevas reglas del mundo, mientras que, en la otra antípoda, el androide de traje escarlata se muestra más cálido, asertivo y hasta agradecido. La segunda historia se llama “Tres dedos” e involucra un episodio de acoso escolar con graves consecuencias en la adultez. Aquí, Valentín (Arce), un afamado sanador holístico, recibe la visita de Ernesto (Chávez), un excompañero de colegio y culpable de su mayor trauma de adolescente. A pesar del daño hecho, éste lo busca como la última esperanza para que su pequeña hija pueda despertar del coma a cambio de una extraña oferta: perder tres dedos de la mano derecha. La dupla actoral trasciende orgánicamente por escenas de venganza, dolor y culpa, pero que fluyen hacia el equilibrio y la paz interior. Con luces y vestuarios neutros, telares con inscripciones en hindi sobre la misteriosa estructura, esta pieza avanza hacia un aura de reconciliación y salvación que se ensombrece con la tercera trama, “Cleopatra y Chechezade”. Es octubre de 1989, el año más difícil para un país que resiste en medio de apagones y crisis. En esta atmósfera lóbrega y mortecina –tan bien lograda en lo técnico y escenográfico–, Eugenio o “La China” (Chávez), un famoso drag de 33 años sobrevive postrado a una penosa enfermedad y con el apoyo de su fiel y ocurrente amigo Cheche (Arce).

Ernesto (Chávez) y Valentín (Arce)
en "Tres dedos"

Cada día se consuela recordando sus shows como “La reina del Nilo”, los amenos relatos de Cheche y un montón de ropa acumulada cerca de un mueble de extraña forma. Pero el dolor avanza al punto que La China ha tomado una decisión que sólo un verdadero compañero podría aceptar, aunque ello signifique resignarse a la nostalgia y la soledad. Con un buen trabajo en dirección, estas fábulas atemporales aprovechan la finitud del cuerpo para sondear el alma que, casi siempre, afronta todo y en silencio. “Cáscaras”, una de las propuestas más sólidas de Dilectos Teatreros, restituye la importancia de la esencia en los escaparates en donde hoy apenas brillan la vanidad, la arrogancia y la soberbia.

Crédito de fotos: Renzo Olaya

FICHA ESCÉNICA
“Cáscaras” de Eduardo Adrianzén
Dirección: Giovanni Arce
Asistente de dirección: Arturo Morán
Elenco: Giovanni Arce y Rodrigo Chávez Terrones
Temporada: Del 07 al 31 de agosto de 2026
Funciones: viernes, sábados y lunes a las 8:30pm / Domingos a las 8pm
Lugar: Auditorio del Británico Cultural (Ca. Bellavista 531, Miraflores)
Entrada: S/ 50 (General) y S/ 30 (Estudiantes, jubilados y CONADIS) en Joinnus
Un montaje de Dilectos Teatreros

Cenizas y presagios

Los contrastes entre una vida presumiblemente feliz y su natural deterioro se reconstruyen con desencantada ternura en “Pequeño incendio” (2025). Con este singular libreto, Espacio Libre vuelve al ruedo escénico tras una necesaria pausa en la que la exploración de otros formatos creativos y los talleres-montaje inspirados en obras de autores peruanos mantuvieron al grupo en actividad.

"Pequeño incendio", montaje de
Espacio Libre por sus 27 años

Este retorno trae el inconfundible brillo de antaño: un texto de autoría a cargo de Karlos López Rentería, la respetada curaduría de Diego La Hoz y la vital presencia de Eliana Fry García-Pacheco en escena. Esta combinación afianza más esa indeleble filosofía de grupo que han sabido forjar por casi tres décadas por encima de alejamientos y pandemias. Bajo la eficiente dirección de La Hoz, la propuesta se ajusta a los estándares artísticos de Espacio Libre. Dramaturgia peruana, seres en conflicto y diálogos poéticos o metafóricos que parecen no remediar los abismos emocionales que los separan y que aparecen en esta temporada doble (que incluye “Llamada Mofa”) por sus 27 años de resistencia escénica. “Pequeño incendio” desafía el tiempo dramático, pero no su ritmo ni energía. Su trama, en apariencia, doméstica oculta con delicadeza los serios estragos del miedo a la soledad o el temor a aceptarse como uno mismo a pesar de los indicios siniestros. Sus personajes encarnan un infausto encuentro entre dos vidas, a simple vista, ajenas y distantes.

Domingo (López Rentería) y Ana (Fry)
en el Club de Teatro de Lima

Por un lado, Ana (Fry García-Pacheco, intensa, frágil y soñadora), una encantadora profesora de yoga y dueña de un apartamento en un tercer piso. Y, por otro, Domingo (López Rentería, taciturno y sutil), un bombero retirado y ocasional compañero que, casi siempre juega a ser un distraído interlocutor o un escapista frustrado. Y logran convencernos de ello. Ambos protagonizan un vínculo ambiguo, exasperante y, a veces, inconexo, que se convierte en una de las mayores virtudes de esta dupla. A ello se suma un ingenioso uso del tiempo (cronología inversa) que va desmantelando esta relación en torno a pistas textuales y escenográficas que exigen a la audiencia, sin que los libre de una confusión inicial. Poco a poco, en esta historia inofensivamente melodramática surgen escenas “absurdas” guiadas por una comunicación imperfecta, en esencia, humana. En ellas, los personajes ensayan frases improbables, miradas esquivas, legendarias premoniciones, azarosas preguntas o enigmáticos silencios que delatan la tensión, nostalgia o desolación que los asedia.

Esta propuesta cuenta con la 
dirección de Diego La Hoz

A pesar de ello, el humor asoma en ciertos reproches conyugales, inefables huidas de mascotas, la aparición de un cuchillo “multiusos” o las fantasías románticas a la luz de las velas. La Hoz dirige este montaje como quien se enfrenta a un inesperado drama con precisos tonos de comedia oscura que su elenco cómplice entiende y aprovecha a la perfección. La iluminación es cálida y tenue adrede, quizá, para que el humo de los inciensos se disipe y dejen a la vista nuevas conjeturas. Cada transición intenta aportar más luces al extraño contubernio, con objetos y vestuarios que se reacomodan, acciones que se rebobinan y diálogos que retoman pistas anteriores en esta dramaturgia en donde la casualidad sobra. Todo este desperfecto regresivo que proviene de los personajes se traslada a un hogar irónicamente lleno de frases inspiradoras y superación personal que no trasciende. Casi a media luz y con un reloj fuera de hora, “Pequeño incendio” extingue las pocas esperanzas a las que nos aferramos cuando se han perdido de vista todas las alarmas y señales del camino.

Crédito de fotos: Espacio Libre 

FICHA ESCÉNICA
“Pequeño incendio” de Karlos López Rentería
Dirección: Diego La Hoz
Elenco: Eliana Fry García-Pacheco y Karlos López Rentería
Temporada: Del 01 al 28 de agosto de 2026
Funciones: viernes y sábados a las 9:30pm
Lugar: Club de Teatro de Lima (Av. 28 de julio 183, Miraflores)
Entrada: S/ 45 (General) y S/ 30 (CONADIS, Estudiantes y jubilados) en Joinnus
Un montaje de Espacio Libre (Web / Instagram / Facebook)

Una vida a medias

Existe obras que, por más que se repongan con regularidad, parecen no agotarse en escena. Con cierta modestia, “Ipacankure” (1968) se sitúa con facilidad en esta categoría gracias a los angustiantes dilemas y dolorosos silencios que habitan en sus protagonistas –dos hombres solitarios y marginales–, cuyas voces suenan sin artificios ni poses. Pero no es todo.

Dos (Corimanya) y Uno (Salinas)

El profundo misterio que envuelve a su título la volvió célebre y, como era de esperarse, también a su autor, César Vega Herrera (Arequipa, 1936). Con una trama, en apariencia, sencilla, diálogos desconcertantes, y agudas referencias nacidas de la cotidianeidad concibió un libreto existencialista que marcó un verdadero hito de nuestra dramaturgia. Bajo una cuidadosa dirección de Alberto Ísola, el montaje transita por las pistas poéticas y filosóficas de esta obra de dos actos y un epílogo hasta alcanzar dimensiones universales y humanas tan inesperadas como fascinantes. Un loable mérito para un texto que lleva cerca de seis décadas coexistiendo en el variopinto imaginario del teatro peruano. “Ipacankure” presenta a dos personajes anónimos hermanados por la pobreza, el desarraigo y la precariedad. Ambos alquilan una pequeña y poco iluminada habitación, en condiciones todavía más extrañas para la época como compartir una misma cama, utilizar un único piyama entre los dos, o el sólo hecho de que uno duerma a los pies del otro.

"Ipacankure" de César Vega Herrera

Uno (un enigmático y dominante trabajo de Alaín Salinas) y Dos (un sobrio y preciso rol de Herbert Corimanya) racionalizan, a su modo, estas carencias en sus intermitentes conversaciones. Estas tentativas nacen, casi siempre, al amparo de “Ipacankure”, una extraña palabra que se asemeja más a una presencia, y que los acompaña en el descuidada recinto. La convivencia de ambos depende de un vínculo, a menudo, más forzoso que amigable. Y aquí brilla la dirección y la relectura hecha por el equipo de Butaca Arte & Comunicación. Ante el público Uno luce reservado, esquivo a los detalles, y consciente de su situación, pero, además, resignado por más que cambie de trabajo o que los días nublados lo persigan. Al otro extremo de la cama, aparece Dos, más espontáneo. Su modesta labor, un vendedor ambulante de baratijas, se integra a una personalidad optimista y carismática, a pesar de sus apremios económicos. Su curiosidad y preocupación por su compañero puede desquiciarlo, pero se compensa cuando el público disfruta su lado más honesto y conflictuado.

Esta nueva propuesta cuenta con la
dirección de Alberto Ísola 

Salinas y Corimanya aciertan con un trabajo orgánico y sostenido, aun cuando la mayoría de las acciones suceden sobre un viejo catre de metal que apenas cambia de posición. Con miradas fijas y gestos de extrañeza, la iluminación mortecina aporta atmósferas que recogen la rutina acumulada a la noche o la tenue ilusión que se desvanece de madrugada. Con estos elementos, la trama avanza entre diálogos que parecen ir en círculos y reiteraciones (identidad, origen y pertenencia) que van y vienen en la charla. En medio sorprenden fechas imposibles o enfermedades improbables que lindan con algún sentido de Destino o una premonición que difícilmente se pueda evitar, pero que trae un cambio, una pálida esperanza. No obstante, esa melancolía existencialista que impregna “Ipacankure” parece instalarse actualmente en los lúgubres zaguanes y rincones desolados por los que discurre la vida moderna. Quizá, sea una nueva alerta para responder las mismas preguntas que su autor planteaba a fines de los años setenta y cuya respuesta inspiró un grito que sacudiera el alba.

DATO: “Ipacankure” obtuvo una Mención Honrosa del Premio Casa de las Américas (Cuba, 1969), uno de los galardones literarios más importantes de América Latina.

Crédito de fotos: Paulo Yataco

FICHA ESCÉNICA
“Ipacankure” de César Vega Herrera
Dirección: Alberto Ísola
Elenco: Alaín Salinas y Herbert Corimanya
Temporada: Del 07 al 30 de agosto de 2026
Funciones: viernes y sábados a las 8pm / Domingos a las 7pm
Lugar: Sala Ricardo Roca Rey de la AAA (Jr. Ica 323, Centro de Lima)
Entrada: S/ 40 (General) y S/ 30 (CONADIS, Estudiantes y jubilados) en Joinnus
Informes y reservas: 903 196 582

Un montaje de la Asociación de Artistas Aficionados (AAA) y Butaca Arte & Comunicación