Universos distantes

Adaptar una obra clásica al presente es un desafío atractivo, a pesar de los riesgos que conlleva. Un buen ejemplo de ello es “Romeo y Juli” (2023), inédita reversión de la tragedia shakesperiana del dramaturgo galés Gary Owen (Haverfordwest, 1972) que se aproxima mucho a una deconstrucción de las relaciones actuales.

Romeo (Pérez) y Bárbara (Villalobos)

Su historia algo antojadiza, y, a su modo, coherente, sitúa a los jóvenes enamorados de Verona en los suburbios postindustriales de Cardiff. Desde ahí, este naciente amor debe lidiar con las diferencias socioeconómicas y culturales que los separan, así como con nuevas responsabilidades y expectativas personales. El director Mikhail Page traduce esta mezcla de contrastes emocionales y, sobre todo, políticos en un montaje actoral y estéticamente sólido de dos horas y media de función. Ello a pesar de que los dos actos que componen este drama romántico –con breves pasajes de humor negro– podrían resultar muy disímiles. 
En la primera parte, aparece un Romeo de 20 años (buen trabajo de Diego Pérez) como un padre rubio y soltero. Su bebe Lucy es la fuerza que lo impulsa en medio de sus inseguridades y torpezas, a los que debe sumar una desquiciante relación con Bárbara (la sobresaliente Erika Villalobos), su madre alcohólica.

Los padres (Arregui e Iza) de Juli (Morello)

Su contraparte, Juli (la sorpresiva Merly Morello) es una brillante alumna de 19 años. Este personaje reluce con sus líneas maduras y asertivas, algo llamativo en alguien tan joven, pero que la actriz conduce con verosimilitud, ya que es consciente de sus ventajas y es fiel a sus convicciones y aspiraciones. Aunque diferentes, ambos jóvenes luchan por aquello que podría cambiar su destino. Mientras Juli sueña con estudiar astrofísica en la prestigiosa Cambridge, Romeo empuja su coche de bebé en medio de trabajos agotadores y precarios, y, apenas, orientado por los descarnados consejos de su madre. Y aunque Owen plantea un abismo entre ambos, su nueva fábula los reúne en un idilio frenético, directo y sin tanto prejuicio que los acerca a estos tiempos. Las consecuencias de este acercamiento propician decisiones súbitas, impredecibles y cuestionables que, por ratos, saturan al espectador durante el segundo acto. Se ve a Juli como oposición natural de sus progenitores, quienes le avizoran un mejor futuro a toda costa. Su madre (Denise Arregui, intenso y entrañable según el momento) y su padre (un preciso Miguel Iza) encarnan el sacrificio parental que se interpone a los intereses de la pareja, pero que se impone a un alto costo.

Mikhail Page dirige esta propuesta con una
escenografía cargada de luces y sombras

La decisión de Page de mantener a los tres padres como silenciosos “observadores” del desarrollo de los hijos no es casual. Este detalle juega a precisión con una escenografía de gradas ondulantes y espacios demarcados por la luz y oscuridad que sólo se quiebran en las transiciones de música y fosforescencias.
Con proyecciones siderales y una escenografía de luces dinámicas, “Romeo y Juli” toca temas que evitamos por la corrección política y el postureo moral. Las dos almas de este montaje de La Ira Producciones intentan abrirse camino en un ambiente hostil y desfavorable que, rara vez, se soluciona con buenos sentimientos.

FICHA ESCÉNICA
“Romeo y Juli” de Gary Owen Traducción: Mikhail Page Dirección: Mikhail Page Asistencia de dirección: Daniela Zea Elenco: Diego Pérez, Merly Morello, Érika Villalobos, Miguel Iza y Denise Arregui Temporada: Del 09 de abril al 31 de mayo de 2026 Funciones: De jueves a lunes a las 8pm. Domingos a las 7pm Lugar: Teatro Británico (Ca. Bellavista 531, Miraflores) Entradas: S/ 50 (Platea) y S/ 25 (Mezzanine) en Joinnus y boletería del teatro. Revisa los precios grupales (4 entradas desde S/ 25 cada uno) y lunes y jueves populares Un montaje de La Ira Producciones Redes sociales: Web / Facebook / Instagram

Puños justicieros

Bandoleros y forajidos del Lejano Oeste han tomado por asalto esta apacible villa. Por suerte, dos carismáticos cazarrecompensas han venido a poner orden a esta comarca sin leyes ni autoridades honestas –nuestra tragicómica realidad– en “Reticulatazo” (2025), una delirante aventura de coboyadas hecha para el teatro.

Retícula (Suárez) y Culatazo (Arroyo)
en el Bar de Jimmy (Ríos)

Sus autores, Nicolás Bazán y Fabrizzio Ferreira, han convertido su imaginativo texto en un eficiente revival del recordado género de acción. Sus escenas de pelea, remates cómicos –algunos mejor puestos que otros–, giros de trama inesperados y una entrañable amistad nos atrapan por hora y media de función. 
Esta mixtura narrativa con personajes de western americano, lucha escénica, dosis de absurdo y diversos gags revelan los aportes de Ojo de Loca Teatro, Grito de Calma y Coliseo Palestra en su realización. Y posibilita que el director Luca Reátegui entregue una inédita y amena historia que la platea disfruta sin límites de edad.
Tras una primera muestra en el Museo de Arte de Lima (MALI) el verano pasado, este dúo de justicieros vuelve al ruedo. Esta vez, los sombreros tejanos, fundas de cuero y botas largas tomaron las instalaciones del Centro Español del Perú de Jesús María por dos sábados, aunque con la sensación de tener más funciones.

Yanfri (Bazán) en una misión oficial

Entre juegos de palabras –una fina ironía del libreto– aparecen Retícula (Edson Suárez) y Culatazo (Juan Pablo Arroyo), cuyos nombres forman el título de la obra. Acrobática y divertida, esta arquetípica dupla irradia energía, complicidad y buena vibra que rememora las ágiles rutinas de Bud Spencer y Terence Hill. Los episodios de lucha escénica están bien pautados en la trama, aunque podrían aprovecharse más, y casi siempre suceden en la taberna de Jimmy (un ocurrente y risueño Paolo Ríos). Pero estos paladines no trabajan solos, sino para la gloriosa División de Recuperación de Fugitivos Relevantes (DREFURE). Desde ahí, y junto a Yanfri (el ingenuo e intrépido Bazán), han jurado limpiar las polvorientas calles de Puya Alta de bandidos, casi sin necesidad de desenfundar sus armas, les basta sus puños y trabajar juntos.
Pronto, deberán seguir la pista de una sustancia misteriosa que vuelve super fuertes a simples malhechores. En esas pesquisas, enfrentan a “Los Malditos de San Pepito” (Lucero Lazo, Rodrigo Valencia y Lucciano Murúa), un trío de asaltabancos algo torpes, graciosos y con talento musical, sin saber que detrás existe una peligrosa red criminal. Y aquí surgen los mejores villanos y, quizá, personajes, de la puesta.

Luca Reátegui, director de la puesta, actúa 
en esta propuesta al estilo western

Hablamos de Penitencia (Gabriel Soto de sólido trabajo actoral y despliegue físico) y Sacramento (Reátegui, en un oscuro personaje, en todo el sentido de la palabra). Sus roles como jefe intimidante y cruel secuaz no sólo desencadenan más combates, sino que aportan brillantes momentos de comedia que aprovechan buenos y malos. Un notable mérito de la dirección que dispone de una gran cantidad de actores y extras en varios momentos. Con sutil ingenio, “Reticulatazo” fusiona en su montaje estas escenas de western con secuencias audiovisuales a modo de locaciones, divertidos videoclips, audios de radio La Picosa o “flashes informativos” dirigidos a su público. Ese público que finalmente puede emocionarse con sanos episodios de acción justiciera.

Crédito de fotos: Renzo Olaya

FICHA ESCÉNICA “Reticulatazo” de Nicolás Bazán y Fabrizzio Ferreyra  Dirección: Luca Reátegui Elenco: Edson Suárez, Juan Pablo Arroyo, Nicolás Bazán, Gabriel Soto, Paolo Ríos, Luca Reátegui, Lucero Lazo, Rodrigo Valencia, Lucciano Murúa y David Dávila Temporada: 21 y 28 de marzo de 2026

Funciones: sábados a las 5pm  Lugar: Centro Cultural Español (Av. Salaverry 1910, Jesús María) Una coproducción de Ojo de Loca Teatro, Grito de Calma y Coliseo Palestra Redes sociales: Ojo de Loca Teatro Instagram Redes sociales: Grito de Calma Instagram Redes sociales: Coliseo Teatral Instagram

Dilemas de criollos y mestizos

Intereses personales, intrigas políticas, represión familiar y otras taras ya normalizadas se desprenden de cada escena de “Dos siglos de sobremesa” (2025). Esas postales tan limeñas –y, por extensión, peruanas– resuenan por su descarnada crítica a nuestra realidad política y social que, con evidente justicia, la van afianzando como un clásico de nuestro teatro contemporáneo.

Constanza (Bazán), Fernando (Chichizola)
y Mariana (Gibbons)

El texto de Eduardo Adrianzén (Lima, 1964) desarrolla esta alegoría sobre el Perú –una más en su extensa producción– con una sazón irreverente y satírica. Su ingeniosa pluma sitúa dilemas familiares, contrastes sociales y referencias históricas en dos épocas separadas por 200 años. En esta mirada a escala presentada por Continente Teatral se revelan los pocos cambios estructurales que ha sufrido el país desde su independencia.
Bajo la acertada dirección de Gustavo López Infantas este sólido montaje celebra su tercera temporada –con guiños de realismo– en la señorial casona de la Asociación Cultural Campo Abierto de Miraflores. Anteriormente lo hizo en el auditorio del ICPNA de Lima Centro entre agosto y setiembre del año pasado y, un mes después, en el teatro del Centro Cultural de la Universidad del Pacífico de Jesús María. Y siempre como una puesta en escena coherente en aspectos técnicos, estéticos lumínicos y escenográficos, así como un buen uso del vestuario y proyecciones multimedia.

Miguel (Salinas), Rodrigo (Molina)
y Fernando (Chichizola)

“Dos siglos de sobremesa” presenta a dos familias limeñas en dos momentos cruciales para el país, quienes, desde el comedor de la casa, toman las decisiones más importantes. Por ejemplo, en 1824, Rodrigo (Gonzalo Molina, de buen trabajo) y Mariana (la lúcida Urpi Gibbons) arreglan un matrimonio para el “futuro” de su hija Constanza (la aguerrida Paulina Bazán). Por desgracia, y en medio de la disputa entre San Martín y Bolívar, la joven de 21 años no desea casarse con el español Fernando (Gianni Chichizola, verosímil en acento y presencia). Este empoderamiento (racional más que ideológico) de las voces femeninas de esa época juega a favor. Y sostiene a otros personajes de estamentos tan postergados como la criada Teresa (muy precisa Guadalupe Farfán) y la hija de los campesinos Aurelia (la aceptable Sol Nacarino). En especial, cuando se confrontan a Miguel (el eficiente Alaín Salinas), un cruel –y desclasado– capataz, mientras suceden las revueltas indígenas de la hacienda. Dos siglos después, esa familia afronta un nuevo dilema siempre a la hora de la sobremesa. Y aquí ocurre la magia de un guion pensado para un espectador ávido ya que, con sutiles cambios de vestuario, registros actorales, referencias políticas y nuevos personajes –algunos, con una milagrosa evolución social y económica–, logra situar su historia fácilmente en 2024.

La criada Teresa (Farfán)

Esta vez, los padres de Constanza, ya separados, deciden vender la casa de baldosas rojas y blancas a una inmobiliaria dirigida por un arquitecto español (Chichizola) y su asistenta peruana (Farfán). Pronto, las negociaciones involucrarán las opiniones de un ferviente activista político (Salinas) e, incluso, de una humilde encargada de reparto de comida (Nacarino). Estos intercambios de roles y saltos de tiempos resultan tan orgánicos que no distraen, sino refuerzan una decepcionante realidad: qué poco ha cambiado el Perú bicentenario y qué difícil es cambiarlo sin quebrar los privilegios instalados. Y, quizá, esa sea la mayor herencia de “Dos siglos de sobremesa”: poner al alcance de todos un debate histórico y social esperado y justo del que ya es hora tomar parte.

Crédito de fotos: Paola Vera

FICHA ESCÉNICA
“Dos siglos de sobremesa” de Eduardo Adrianzén
Dirección: Gustavo López Infantas
Elenco: Gonzalo Molina, Urpi Gibbons, Paulina Bazán, Guadalupe Farfán, Gianni Chichizola, Alaín Salinas y Sol Nacarino
Temporada: Del 06 de marzo al 05 de abril de 2026 (Tercera temporada)
Funciones: viernes, sábados a las 8pm / Domingos a las 7pm
Lugar: Campo Abierto (Ca. Gral Recavarren 560, Miraflores)
Un montaje de Continente Teatral
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Esos zapatos rosas

Un paso y luego otro, música sinfín, evocaciones familiares y mucha entrega. “La última pieza” (2026) de Jasmine de Soria reunió estos ingredientes en un cuento personal como quien vive una catarsis literaria sin presentir que el teatro –otra de sus pasiones– esperaba su propia versión.

Elenco de "La última pieza", obra dirigida
por Linda García

Linda García, adaptadora de su texto y directora del montaje del mismo nombre, encontró el tono y ritmo adecuados para llevarla a escena. Aunque algo recargado, su resultado amalgama con cierta eficiencia el testimonio personal del relato inédito con toques de ficción, fugaces dosis de teatro musical, cantos en vivo y una esperable concientización sobre el cáncer. No es una propuesta sencilla, aunque logra disfrutarse gracias a su delicada estética onírica, un mensaje sensibilizador y el compromiso de todo su equipo. Con ello, el montaje de Teatro Diverso dispone, sin mayores artificios, las atmósferas dolorosas y optimistas que atraviesa un cuerpo en constante lucha. Quizá, por eso, “La última pieza” inicia con los actores en movimiento. Esta aparente calistenia previa a la función se convierte en una preparación de la puesta real que el talentoso Eduardo Zapata musicaliza con un bello motivo que acompaña la propuesta de principio a fin.

Padre (Rengifo) y Jenny joven (Biton)

Entre marcos de madera verticales, el elenco toma posición y coloca, con delicadeza, la utilería que, poco a poco, irá cobrando sentido un narrativo, irreverente y sorpresivo. Se presenta Jenny (la aceptable Jasmine de Soria), una joven bailarina que, poco antes de salir a función, toma conciencia de la peligrosa enfermedad que se cierne sobre su vida y carrera. Esta situación marca el timing urgente de la obra y abre una exploración psicológica a doble nivel (la mente y cuerpo) de Jenny a través de sus miedos personales y desafíos artísticos. Bajo ese telón emotivo de recuerdos vividos y temores presentes, ella resiste: canta y baila para vivir. Pronto aparecen su padre optimista y bailarín (buen papel de Mario Rengifo) y una Jenny más joven (la solvente y precisa Valery Biton). Sus voces se entremezclan con momentos de compañía e ilusión que compaginan con sus vestuarios de colores neutros y cálidos.

Jenny adulta (De Soria)
y Oscuro rosa (Becerra)

Esta breve calma se quiebra con la intromisión de “Oscuro rosa” (el eficiente y fantasmagórico Álvaro Becerra). Su llegada desequilibra a todos gracias a su presencia intimidante y un maquillaje que acentúa su gestualidad agresiva, aunque con la sensación de que el personaje pudo aprovecharse desde mucho antes. Además, el fino tramado de la obra se diluye, en dos ocasiones, por la intromisión de “otras voces” de forma intencional, y, quizá, necesaria, pero no funcional o sutil como su trama venía desarrollando. A pesar de ello, los buenos apuntes de iluminación y un estricto rigor en el desplazamiento de los actores llevan a “La última pieza” hacia su inevitable desenlace. Y ese es un mérito plausible del trabajo de Teatro Diverso. Aun con momentos coreográficos breves e ideados para el espacio de La Vaca Multicolor y un entramado de lenguajes creativos, la propuesta invita a dar el primer paso de un baile que muchos cree el último y temen sin siquiera saber las fortalezas que se ocultan en nuestro cuerpo y nuestra alma.

FICHA ESCÉNICA
“La última pieza” cuento original de Jasmine de Soria
Dramaturgia: Linda García
Dirección: Linda García
Asistencia de dirección: Angie Magallanes
Elenco: Mario Rengifo, Valery Biton, Álvaro Becerra y Jasmine de Soria
Músico en vivo: Eduardo Zapata
Temporada: Del 21 al 29 de marzo de 2026
Funciones: sábados y domingos a las 8:30pm
Lugar: La Vaca Multicolor (Av. César Canevaro 116, Interior 1301, Lince)
Entradas: S/ 50 (General) y S/30 (Estudiantes) al 952393664 (WhatsApp)
Una producción de Teatro Diverso
Redes sociales: Instagram

Tres historias del FAE 2026

El Festival de Artes Escénicas (FAE) de Lima cumple su primera década. En ese tiempo ha consolidado programas de creación e incubación para toda la comunidad artística, sin soslayar a sus espectadores con una cartelera ecléctica e innovadora y un buen número de sedes para estos espectáculos.

Macarena Recuerda en "The watching machine"

En esta edición, reseñamos tres montajes extranjeros de buena factura, laureados sí, y ajustados a ciertos criterios de programación. “The Watching Machine” (2020) de la Compañía Macarena Recuerda Shepherd (España) fue una de ellas. Con dos funciones en el Centro Cultural de la Universidad del Pacífico de Jesús María, esta instalación coreográfica sorprendió por su ilusionismo y la interacción de objetos. Y, quizá, esos fueron sus mejores pergaminos en sus 59 minutos. A sala llena, Recuerda se entregó a imágenes oníricas y plásticas de alta carga técnico-estética, bien secuenciadas entre sí, aunque inconexas. No obstante, el trabajo se ralentiza por los apagones prolongados que funcionan como transiciones y cambios de escena apoyadas en una adecuada sonorización. Entre utilería escénica y electrónica, la performer sobrevive a sus sombras, reflejos y escasa verbalidad con tenacidad. Máquinas de humo, pedestales, micrófonos, luces y un espejo mágico… el montaje avanza, pero la conexión con el público se entrecorta.

Lucía Alonso y Telmo Arévalo
en "La bruma en Atacama"

Otro montaje interesante, en el papel, llegó de la mano de la Compañía La Siniestra y la autoría del realizador Telmo Arévalo. “La bruma de Atacama” (Francia, Chile y Perú) fusiona teatro, trabajo corporal y lenguaje audiovisual.
En su trama convergen una científica astrofísica con una enfermedad degenerativa (Lucía Alonso) y un rescatista de montaña (Arévalo) con un vestuario de colores invertidos, pero en busca de respuestas similares. Ambos personajes deslizan diálogos profundos, aunque, con segmentos actuados, quizá, más para la cámara.
La presencia del árido desierto chileno, por su parte, inspira escenas altamente cálidas y sensoriales. Una exploración estética de poco más de una hora que combina la soledad y el silencio a través de un mapa de dunas y bajo la infinitud del cielo estrellado. Finalmente, y como clausura del festival, se presentó “Estampida humana” (Chile) de Bonobo Teatro. Una sólida crítica a la sociedad moderna desde tres historias: un grupo de vecinos angustiados por la llegada de un grupo de personas ajenas al barrio, una facción clandestina al interior de la policía que buscar da un golpe y un negocio a punto de quebrar.

"Estampida humana" de Bonobo Teatro (Chile)

Entre alusiones implícitas, incómodos prejuicios y delirantes charlas, esta comedia negra de hora y media avanza con buen ritmo gracias al buen trabajo de su elenco. Sus actuaciones verosímiles y cómicas, así como sus versátiles registros remedian, en parte, las frecuentes reiteraciones de su narrativa. La propuesta que dirigen Andreina Olivari y Pablo Manzi sale airosa con su exploración sobre la convivencia y la movilización social. Pero se luce con un trabajo dinámico de luces, proyecciones audiovisuales y un armado escenográfico sobrio e ingenioso. El FAE 2026 cerró su décima edición con un halo de persistencia en tiempos donde la incertidumbre política asedia a la cultura. Los veinte montajes, talleres, clases maestras y mesas de diálogo del festival son la mejor prueba de seguir adelante.

FICHA ESCÉNICA

“The Watching Machine” (España)

Idea original: Macarena Recuerda 

En escena: Macarena Recuerda 

Un montaje de Compañía Macarena Recuerda Shepherd (España) 

Funciones: 11 y 12 de marzo a las 8:30pm  

Lugar: Centro Cultural Universidad del Pacífico 

“La bruma de Atacama” (Francia, España y Perú) 

Dramaturgia: Telmo Arévalo

Dirección: Telmo Arévalo

Un montaje de Compañía La Siniestra

Funciones: 11 y 12 de marzo a las 8:30pm  

Lugar: Teatro UPC Campus San Miguel

“Estampida humana” (Chile) 

Dramaturgia: Pablo Manzi

Dirección: Andreina Olivari y Pablo Manzi

Un montaje de Bonobo Teatro

Funciones: 15 de marzo a las 7pm  

Lugar: Gran Teatro Nacional

Toda la información en Festival de Artes Escénicas de Lima

Lucha de poderes

“El fin justifica los medios” parece ser la filosofía que mantiene vigente los espacios informativos de la actualidad. Este pernicioso sistema está reflejado en “Mona se queda” (2023), cuando los desvaríos de fama de un periodista de 25 años colisionan, en una historia cíclica, con los intereses de los sectores más poderosos del país.

Velásquez y Cárdenas en "Mona se queda"

Este lúcido libreto de Omar Velásquez retrata, con cruda precisión y pluma risueña, las reglas –algunas no escritas– que definen a las empresas que trafican con la verdad. Esta exploración le confirió, con meritoria justicia, ser ganadora del Concurso de Dramaturgia de la Escuela Nacional Superior de Arte Dramático (ENSAD) 2023. Luego de su estreno en Esencia de Barranco (2024), la propuesta de El Empleado del Mes Teatro y Telón Mestizo alcanza su segunda temporada desde Ares Teatro en Lince. Bajo la codirección del autor y Daniela Ortega, se disparan episodios de comedia, sátira política y parodia que sorprenden por su irreverencia y cercanía. “Mona se queda” desarrolla su trama en dos ejes definidos por evocaciones fugaces y saltos de tiempo. En el primero, y más importante, aparece Agustín Fuentes (un mimético Velásquez) un versátil periodista –de alegórico nombre– con ganas de sobresalir a toda costa, aunque esto contravenga su deontología profesional y su propia moral.

El periodista Agustín Fuentes

En su evolución, Fuentes lidia con situaciones y personas que, de algún modo, definieron su personalidad. Por ejemplo, su exigente profesora de carrera, la desconfiada reclutadora de su primer trabajo y, en gajes del oficio, personas –sobre todo, políticos– desconectadas de la realidad, roles que Abril Cárdenas cumple con eficiencia e ingenio. En el segundo eje, menos desarrollado, quizá, pero gravitante para el desenlace, figura la esfera del poder en todo su esplendor. En este caso, representado por una presidenta descarada e intolerante a las críticas (Cárdenas, con divertidos disfuerzos) y Randú (un ocurrente Velásquez), su asesor de imagen y amigo personal. Esta dupla resuelve sus múltiples personajes entre cambios de escena rápidos, segmentos musicales y momentos de conexión con el público. Poco a poco, el trabajo actoral se incorpora a una propuesta sobria en elementos (dos sillas y una mesa, y vestuario en percheros a cada lado del escenario), seguidos al detalle por una iluminación dinámica y correcta, así como un espacio bien utilizado.

La presidenta (Cárdenas) y su 
asesor personal Randú (Velásquez)

Y, aunque esta comedia va in crescendo, la propuesta alcanza otra interesante dimensión: criticar al ejercicio de quienes construyen la información en medios tradicionales y, por qué no, los digitales. Pero también salpica al poder desmedido, personalista y vengativo de quienes gobiernan el país como si se tratara de un juego de caprichos y egos. “Mona se queda”, brillante muestra de El Empleado del Mes Teatro, encierra en su trama de casi una hora, los atajos que conducen a la fama mediática. Una decisión que, rara vez o casi nunca, concilia las prácticas éticas del periodismo con los afanes mercantilistas de toda empresa informativa, pero que se suele ignorar para beneficio del poder.

FICHA ESCÉNICA
“Mona se queda” de Omar Velásquez Atoche
Dirección: Omar Velásquez Atoche
Codirección: Daniela Ortega
Elenco: Abril Cárdenas y Omar Velásquez
Composición del tema “Peruanos de verdad”: Omar Velásquez
Producción ejecutiva: Víctor Lucana / Telón Mestizo
Asistencia de producción: Abigail López y Sergio Delgado
Producción audiovisual: Celso Capcha
Musicalización: Eduardo Zapata
Temporada: Del 20 al 29 de marzo de 2026 (segunda temporada)
Funciones: viernes y sábado a las 8pm / Domingos a las 7:30pm
Lugar: Ares Teatro (Jr. Belisario Flores 185, Lince)
Entradas: S/ 40 (General) y S/ 25 (Estudiante) en Joinnus o al WhatsApp 934659298
Un montaje de El Empleado del Mes Teatro / Telón Mestizo
Redes sociales: El Empleado del Mes Teatro: Facebook / Instagram
Redes sociales: Telón Mestizo: Facebook / Instagram

El Perú de fiesta

En la vasta oferta teatral limeña, “Vívelo conmigo” (2025) aparece como un plausible reflejo de nuestra peruanidad. Este montaje dancístico de fina estampa recorre cada rincón de nuestro país a través de sus bailes, cantos y ritmos como un esperado mensaje de alivio a los dilemas de una jovencita, casi una niña, que se inicia en la danza.

Emilia Drago en "Vívelo conmigo"

Son los episodios vivenciales de la talentosa actriz Emilia Drago (Lima, 1988) que confluyen en una emotiva ofrenda musical. Ahora como directora general de este proyecto, ella ha sabido encontrar en nuestras raíces una conexión honesta a su historia de aprendizaje artístico y superación personal que ha marcado su vida. Y aquí destacan las sutilezas y travesuras de Kusillo (el risueño Francisco Luna). Entre bufonadas y piruetas, este jocoso espíritu de las festividades andinas convierte cada recuerdo de la bailarina en una experiencia lúdica y memorable, digna de celebrarse a viva voz. Con solvencia y honestidad, Drago conduce el ritmo de “Vívelo conmigo”, pero sin caer en lucimientos personales. Por eso, logra compartir con facilidad sus sacrificios –entre lesiones físicas y heridas emocionales–, desafíos y sueños de quien se ilusiona con conquistar el mundo al compás de la danza.

La protagonista y Kusillo (Francisco Luna)

Ella propone números musicales (tonderos, carnavales, festejos y caporales) que emergen desde su corazón adolescente. Medio centenar de danzarines traducen estas “nostalgias juveniles” en coreografías llenas de energía, elegancia y color, con un cariz de ritualidad. Esta alegre muestra incluye al “Carnaval de Cachín”, la “Waca Waca”, el “Carnaval de Lamas”, entre otras danzas, bien organizadas por la sólida dirección coreográfica de Adrián Uribe. Todo al ritmo de luces, vestuarios y rápidos cambios de elenco que casi no dan respiro. Pero hay momentos más íntimos en los que disfrutar de las voces de Mónica Dueñas y Sandra Muente. Este dúo magistral se luce con cada nota del repertorio peruano cantado, que, como en toda la noche, son acompañados de un trabajo musical brillantemente ejecutado por más de una decena de incansables músicos.

Alejandra Guignard y el numeroso elenco
de bailarines del montaje

Esta orquesta incorpora ritmos de la costa, sierra y selva que aderezan esta trama de breves pero funcionales diálogos. Sobre ese lienzo sonoro, la joven Emilia (Alejandra Guignard Calvay) realiza un viaje alegórico lleno de inspiración, confianza y empatía que agradecerá en el futuro. Tras una fugaz primera temporada en 2025, el montaje vuelve al Teatro NOS PUCP de San Isidro. Como la primera vez, “Vívelo conmigo” logra que sus espectadores –familias enteras y público en general– se reconecten con un pasado musical y ancestral que late fuerte en nuestros corazones.

FICHA ESCÉNICA
“Vívelo conmigo”
Dirección general: Emilia Drago
Dirección coreográfica: Adrián Uribe
En escena: Emilia Drago, Francisco Luna, Alejandra Guignard Calvay
Cantantes: Mónica Dueñas y Sandra Muente
Más de cincuenta bailarines y orquesta musical
Temporada: Del 12 al 22 de marzo de 2026
Funciones: De jueves a sábados a las 8pm / Domingo a las 7pm
Lugar: Teatro NOS PUCP (Av. Camino Real 1037, San Isidro)
Entradas: S/ 165 (Super VIP), S/ 130 (VIP), S/ 100 (Platea Lateral), S/ 75 (Platea Alta) y S/ 35 (Cultural) en Joinnus y vía WhatsApp 921463785
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