Un sutil didactismo

El estilo narrativo del escritor Mario Vargas Llosa (1936-2025) atrajo la atención del mundo hacia temas tradicionalmente peruanos, como el abuso de poder, el autoritarismo, la violencia, la corrupción, la libertad o las utopías políticas. Este fenómeno dio color y sabor al “Boom Latinoamericano” de los años 60 y 70 del siglo pasado y puso en el mapa literario a nuestra pequeña nación sudamericana.

Meche (Navarro) y La Chunga (Incháustegui)

Sin embargo, muy poco se habla de la producción dramática que el Nobel de Literatura cultivó con curiosa intermitencia y esmerada obstinación. Logró escribir apenas una decena de piezas teatrales, algunas de las cuales, incluso, disfrutó interpretar en las tablas. Con dos temporadas y funciones especiales, “Vargas Llosa en escena” (2026) recopila algunos pasajes de seis piezas escénicas a modo de homenaje a su faceta de dramaturgo. Con un profundo conocimiento del autor, el director Percy Encinas y su adjunta, Maureen Llewellyn-Jones, hilan una travesía de 12 escenas breves nacida de una investigación de facultad. Con esta pequeña dosis, logran construir el universo vargasllosiano dotando cada episodio de música en vivo, apropiadas canciones, personajes marginales –teóricamente reales o del amplio imaginario popular– y diálogos sensuales y controvertidos. 
“Vargas Llosa en escena” plantea estas escenas con una suerte variada que depende del vínculo que establece con la fantasía original. Cada una apela a la tensión dramática de sus dúos actorales bajo una firme premisa: la ficción es un medio orgánico y indispensable para evadir –o sobrevivir– a la realidad más cruda o descarnada. Algunas piezas funcionan mejor que otras, sin que esto ponga en duda la versatilidad o compromiso del elenco.

Penélope(Incháustegui) y Odiseo (Gutiérrez)

Por ejemplo, están aquellas que se sostienen por una trama autónoma y reconocible como en “Odiseo y Penélope” (2007). En ella, Willy Gutiérrez y Yasmín Incháustegui encarnan a esta célebre pareja que afronta los sinsabores del retorno conyugal. Entre solemnes frases, la utilería precisa (una espada, un casco y un colorido telar), y una sensible canción, el valiente aqueo queda desarmado ante los impostergables reclamos de la sabia reina. La segunda pieza, “Las mil y una noches” (2009), transita también por esa línea. Aquí la ficción se convierte en uno de los escapes más efectivos para la bella Scheherezade (Liz Navarro). Con evocadores relatos y una danza de velos sugerente, la narradora se juega la vida al entretener al suspicaz Sahrigar (Luis Baca) cada noche. Una premisa muy parecida a la retahíla de imaginativas narraciones de “Los cuentos de la peste” (2015). Solo que esta vez, el nuevo escape literario lo ejecutan Ugolino (Baca) y Aminta (Navarro). Otras tramas, en cambio, presentan un conflicto sólido que invita a ver la historia completa. Es el caso de las tres escenas de “La Chunga” (1986). A lo largo de ellas, el fiero Josefino (Baca) propone un negocio a La Chunga (Incháustegui), una mujer indomable y de mirada recelosa, que involucra a la delicada Mercedes (Navarro). En una sórdida y bulliciosa cantina de Piura, el dolor, la violencia y la miseria conviven con la ternura, el amor y el erotismo mientras la ilusión de un futuro se marchita día a día. Y hay historias que arrastran a sus personajes hacia un inevitable final, quizá, sin esperarlo o merecerlo. En “Ojos bonitos, cuadros feos” se esboza una extraña venganza en nombre del arte, los sueños de joven artista o, incluso, el talento negado.

Rubén (Baca) y Zanelli (Gutiérrez)

A través de tres escenas, Rubén (Baca), un joven marino, encara a Zanelli (Gutiérrez), un afamado crítico de arte con trunca aspiración de artista, responsable de la muerte –simbólica y real– de su interés romántico, la pintora Alicia (Navarro). La misma idea, aunque sin tanto dramatismo, se sigue en “Al pie del Támesis” (2008) cuando Chispas (Baca) recibe la visita de Raquela (Incháustegui) en el Hotel Savoy de Londres. Tras el desconcierto inicial, los secretos, recuerdos e infidencias les trazan a ambos un camino de medias verdades y probables certezas con un desenlace sensual y risueño. Esta naturaleza fragmentaria y otros apuntes técnicos –el vestuario expuesto, la iluminación de múltiples tonalidades y la música presente y ecléctica en géneros– convierten a “Vargas Llosa en escena” en una propicia forma de acercarse al teatro del Nobel, aunque con los aspavientos de un montaje didáctico.

FICHA ESCÉNICA
“Vargas Llosa en escena”, recopilación de escenas de MVLL
Dirección: Percy Encinas
Dirección adjunta: Maureen Llewellyn-Jones
Elenco: Willy Gutiérrez, Luis Baca, Liz Navarro y Yasmine Incháustegui
Investigación: Curso de Dramaturgia de la Facultad de Letras UNMSM
Músicos en escena: Eddy Orbegoso, Gabriela Moore y Estéfano Encinas
Musicalización: Rafael Arenas
Composición musical y coach vocal: Estéfano Encinas
Efectos e imágenes multimedia: Rafael Arenas y Leyla Colcas
Escenografía y utilería: Arturo Vargas y Rosa Oré
Lugar: Sala Tovar (Ca. Manuel Tovar 25, Miraflores)
Temporada: Del 14 de agosto al 06 de setiembre de 2026 (segunda temporada)
Un montaje de la Asociación Iberoamericana de Artes y Letras (AIBAL) y la Facultad de Letras de la Universidad Nacional Mayor de San Marcos (UNMSM) con el apoyo de Aguaymanto Artey Cultura

La ilusión intacta

Lo personal, lo colectivo y lo político trascienden la vena artística y se instalan en la vida diaria. Las integrantes de Tránsito Asociación Cultural han convertido esta filosofía en un lema de resistencia grupal que, tras dos décadas de firme activismo escénico, las ha situado al pie del camino para observar lo recorrido y lo que está por venir. Siempre juntas.

"Queríamos cambiarlo todo", montaje por los
20 años de Tránsito Asociación Cultural 

“Queríamos cambiarlo todo” (2026) es la entrañable celebración de un proceso surgido de una convivencia sana y liberadora dentro y fuera de escena. Esta creación colectiva, que Paloma Carpio Valdeavellano dirige con un liderazgo eficiente, compagina la vida de estas artistas versátiles y multidisciplinarias con los sucesos políticos y sociales –escandalosos o icónicos– que marcaron la historia del Perú en este nuevo milenio.
Pero este evento especial de luces, música y memoria, al que hemos sido invitados, inicia poco antes de la propia función. En el recibidor del Teatro Ricardo Blume de Jesús María se exhiben coloridos objetos en una mesa a modo de aperitivo visual: una piñata de color naranja, un collage de afiches teatrales y recortes de periódico, una esfera de discoteca, un libro de páginas vetustas y gastadas, y un telar con letras de color. Cual carismáticas anfitrionas de atuendos en cálidas tonalidades, el elenco de “Queríamos cambiarlo todo” recibe a sus invitados con bocaditos y bebidas. Es el teatro en su forma más ritualista, viva, documental y crítica, pero sin la solemnidad de un protocolo repetitivo, un detalle que el público reconoce y acepta fácilmente, mientras se va acomodando entre las butacas o las mesas decoradas con motivos festivos.

Jimena Ballén, Katiuska Valencia, Coralí Ormeño,
Paloma Carpio, Tania Pezo, Lucía Mantilla,
Laura Santa Cruz y Natalia Consiglieri

El montaje sorprende por su esencia lúdica, mucho movimiento y, en especial, por sus inusuales metáforas, sin ser antojadizas. Las intérpretes, ya en un rol más auténtico, no temen exponer su naturaleza femenina (biológica o social), sus inquietudes y fragilidades que las emparentan con una nación herida y postergada. Esta licencia la trabajaron con singular éxito en la sátira “PIM - Permanente Incapacidad Moral” (2024). Una jocosa y lograda muestra es cuando recuerdan al Perú como un “país adolescente”, en palabras de Luis Alberto Sánchez, ahora ya próximo a su perimenopausia. En esta comparativa, sus síntomas políticos con ciclos irregulares, tensiones constantes y presencia de sangre coinciden con los tránsitos hormonales de la mujer, sembrando en el público agudas reflexiones sobre la situación del país y de lo femenino. Con esa convicción, las siete intérpretes y su directora ahondan en temas que las definen, pero no las limitan: la maternidad aceptada, el respeto por el cuerpo (propio y ajeno), las costumbres sociales o la memoria de quienes ya no están. Sus parlamentos se acompañan de imágenes y un subtitulado, previsto para personas con discapacidad auditiva, que tienen un efecto maravilloso en los demás: la palabra cobra vida, voz y cuerpo en escena.

La propuesta que dirige Paloma Carpio resume episodios
de la vida de su elenco y sucesos políticos y sociales del Perú

El elenco es coherente y consciente de su esencia: ninguna soslaya su pasado académico, sus influencias estéticas ni sus raíces familiares. La impronta de ser de la Universidad Católica, haber tenido de mentor a Miguel Rubio, director de Yuyachkani, provenir de hogares con militancia política o sentirse parte de un país multicultural las ayudó a explorarse a sí mismas en tres trabajos que marcaron el derrotero del grupo. Y antes de catalogar su mirada como la de “una clase”, sus inicios con “Partido, Perú partido” (2006), una radiografía fragmentada del escenario político, ya evidenciaban una perspectiva más amplia. Luego se gestaron “P.A.T.R.I.A.” (2013) con una performance sobre el cuerpo y la memoria –dos leitmotiv del grupo– y “Reconstrucción (nombre femenino)” (2018) que revolvía con valentía los testimonios sobre la violencia de género. Y aquí el colectivo ha aprendido a confrontarse para expresar su rechazo a la corrupta clase política sin exenciones de género ni sororidad aparente. Con un final de fiesta, globos, papel pica-pica, piñata y golpes de mazo de plástico, “Queríamos cambiarlo todo” ofrece el manifiesto de un grupo de jóvenes artistas que iniciaron un tránsito y que, estrenando su madurez vital, no abandonan sus primeros sueños. Y, como siempre, juntas.

Crédito de fotos: Renzo Olaya  

NOTA: “Queríamos cambiarlo todo” es un proyecto ganador del Concurso Anual de Proyectos de Creación de la PUCP (CAP 2025)

FICHA ESCÉNICA
“Queríamos cambiarlo todo” (Creación colectiva)
Directora: Paloma Carpio Valdeavellano
Elenco: Jimena Ballén, Natalia Consiglieri, Lucía Mantilla, Coralí Ormeño, Tania Pezo, Laura Santa Cruz y Katiuska Valencia
Funciones: miércoles y jueves a las 8pm
Temporada: Del 14 al 29 de octubre de 2026
Lugar: Teatro Ricardo Blume (Jr. Huiracocha 2160, Jesús María)
Un montaje de Tránsito Asociación Cultural con el apoyo de CAPAZ

Carnaval macabro

Maestro del terror psicológico y del misterio policial, Edgar Allan Poe (1809-1849) ha sabido ganarse un lugar en las estanterías del mundo. Sus múltiples relatos han cosechado versiones en otras ramas artísticas, en especial, en la cinematografía y la ilustración, gracias a su galería de atormentados arquetipos, atmósferas lóbregas y oscuros dilemas que desnudan la vulnerabilidad y la finitud humanas.

"La máscara de la Muerte Roja", montaje de la AA
bajo la dirección de Sofía Rojas

En esta travesía literaria resulta plausible encontrar una adaptación teatral de “La máscara de la Muerte Roja” (1842). Aparecido por primera vez en mayo de ese año en Graham's Magazine, este cuento de breves páginas ha recibido especial atención en parte, quizá, por su atractiva premisa –un confinamiento por una peste que devasta una región– o su colección de enigmáticas descripciones con potencial escénico. La acuciosa adaptación de Marco Paulo Meléndez incorpora diálogos y personajes que, sumados a su protagonista, coadyuvan a su delirante y funesta narrativa. Su particular estudio le aporta insumos para que la lúcida directora Sofía Rojas refleje sobre el escenario una coreografía de seres libertinos y enmascarados aislados del mundo.
“La máscara de la Muerte Roja” nos introduce en una situación inquietante y familiar hasta hace algunos años: una pandemia. Ante ello, el príncipe Próspero (Joseph Mendoza, en una actuación sólida) ha decidido recluir a mil súbditos y cortesanas, de buena salud y con todas las comodidades disponibles –que, por supuesto, incluye artistas–, en una abadía alejada de cualquier posibilidad de contagio.

El Príncipe Próspero (Mendoza)
y una cortesana

Aunque excéntrica, esta idea esboza el perfil psicológico del soberano, que se equilibra con dosis de audacia y soberbia. Al cabo de seis meses de cuarentena, el príncipe decide organizar un festín donde la música, los bailes, el vino y el uso de antifaces son el código socialmente aceptado. La insólita fiesta no admite ausencias debido al riguroso encierro. La adaptación respeta los recorridos nocturnos y otros detalles estéticos y técnicos que el esmerado diseño de arte resuelve de forma brillante. Su escenografía, por ejemplo, ubica seis puertas o entradas instaladas entre paredes blancas y largos tules que traslucen una impronta fantasmagórica gracias a la iluminación precisa en la aplicación de tonalidades. Por ese recinto se desvanecen estos “fiesteros” de aspecto demacrado y elegantes atuendos de época que no restan impacto a un temor de toda la vida: ¿quién puede escapar de la muerte? Isabel (Beleny Gomez), Leonor (Claudia Iglesias), Gabriela (Judith Suárez) y Baltazar (Joshua Vásquez) responden con coreografías frenéticas, posturas rígidas y miradas de desconcierto o pavor que asoman entre máscaras de rostros deformados o narices porcinas. Creados exclusivamente para el montaje, estos personajes de aristocrática ralea se integran a la trama sin artificios. Ello les permite reflexionar sobre lo inútil de las jerarquías terrenas, lo fugaz de los privilegios de clase o el esquivo control del hombre sobre su propio destino, entre otras sesudas conclusiones que prodiga el asedio de la Muerte (Jorge Luis Zevallos, en espectral y bufonesca aparición).

La Muerte Roja (Zevallos)

La performance colectiva del elenco es enérgica y bien orquestada entre cajas de madera que mueven constantemente. Tres actores y tres actrices conceden la ilusión de un banquete multitudinario, con una ejecución caótica que transita por salones de color púrpura, verde, naranja y otros más, y que se acompasa con los efectos visuales y sonoros de la propuesta (un eficiente trabajo de David Rojas). Salvo descuidos en el volumen de la música hacia el monólogo final, “La máscara de la Muerte Roja” devela su verdadera cara. Tanto el desenlace del relato de Poe como el montaje de Rojas –con una ejecución cíclica coherente– dejan en el aire el sinsabor de un fenómeno inexorable que, de aceptarse como un tránsito natural, debería aliviar el peso con el que cargamos nuestra existencia.

Crédito de fotos: Paulo Yataco 

FICHA ESCÉNICA
“La máscara de la Muerte Roja” (versión teatralizada)
Dirección: Sofía Rojas
Adaptación: Marco Paulo Meléndez
Asistencia de dirección: Miguel Ángel Martínez
Elenco: Beleny Gomez, Claudia Iglesias, Jorge Luis Zevallos, Joseph Mendoza, Joshua Vásquez y Judith Suárez
Diseño de sonido: David Rojas
Funciones: viernes y sábados a las 8pm / domingos a las 7pm
Temporada: Del 30 de octubre al 08 de noviembre de 2026
Lugar: Asociación de Artistas Aficionados (Jr. Ica 323, Lima)
Entradas: S/ 40 (Adultos) y S/ 30 (Niños a partir de 10 años, estudiantes, adultos mayores y CONADIS) en Joinnus
Un montaje de la Asociación de Artistas Aficionados

Tragedias virtuales

La pasión puede nublar la razón y la prudencia con la ligereza de una palabra o la inocencia de una caricia. “Fedra” (2026), la atrevida reversión tramada por Gonzalo Rodríguez Risco y Marcela Cossíos, sitúa a este proscrito, aunque atractivo, personaje griego en los confusos tiempos de la posverdad, las redes sociales, las noticias falsas y los escarnios mediáticos.

@Atenea (Graña) en "Detrás de las mentiras"

Con un sólido enfoque narrativo, los adaptadores han creado escenarios plausibles y originales sin perder de vista su esencia de tragedia inesperada e inevitable. Y, si no fuera suficiente, han nutrido sus escenas con temas polémicos (clasismo, machismo, elitismo, nepotismo y más) que nuestra sociedad pervertida por la espectacularidad y el escándalo parece disfrutar. Con estos detalles, Jorge Robinet dirige una propuesta escénica eficiente, verosímil y coherente. Su mirada contrapone una sofisticada estética de la inmediatez virtual –con proyecciones en tiempo real y un set de streaming– al vértice más terrenal de sus protagonistas, marcado por oscuros deseos, dilemas irresueltos y pensamientos concupiscentes. En esta nueva versión, Fedra (Alexandra Graña, de buen trabajo) es @atenea, una conocida streamer de contenido político. En “Detrás de las mentiras”, su podcast independiente, conviven su figura de periodista incisiva y veraz con una vida personal ejemplar y prudente. Ambas facetas entrarán en conflicto en una escalada emocional sin respiros.

Fedra (Graña) y Christian (Argüelles)

Sobre todo, por la frágil estabilidad y los problemas ocultos de su entorno más cercano. Con precisión clínica, el acucioso libreto sitúa a su esposo Saúl (Gonzalo Molina, en un rol solvente), un refinado hombre de temperamento apaciguado y próspero empresario, con un apellido bien relacionado en las esferas políticas y económicas del país. Juntos viven con la pequeña Sofía (la correcta María Rubio Arregui), la impetuosa heredera de los negocios de la familia. La situación se complica cuando su hermano Christian (José Miguel Argüelles, en un oscuro e impredecible papel), hijo de Saúl, hijastro de Fedra y joven con futuro diplomático, retorna de Europa para pasar unos días en casa de su padre. Su retorno a Lima, ciudad que dejó cuando apenas tenía 13 años, coincide con el anuncio de su boda con Laura (una jovial y rebelde aparición de Mónica Ross), su bella prometida y quien despertará el recelo de Fedra. A estos apuros domésticos, se suman temas polares que exhiben los abismos familiares, los intereses de clase y cierta desconexión con la realidad.

La propuesta de Robinet incluye proyecciones
en vivo desde diferentes perspectivas

Hasta cierto punto resulta anecdótico verlos debatir sobre la verdad, la reputación o la credibilidad desde una postura de privilegio que no logran advertir para eludir el escándalo y el “qué dirán”. Estas charlas sesudas y lacerantes se intercalan, a menudo, con diálogos artificiosos sobre cuál es la mejor masa de pan casero o cómo interpretar los aromas del whisky. El ritmo de la puesta de Robinet es gradual y el elenco lo entiende a cabalidad para generar interés en cada escena. Una forma de lograrlo es con una cámara en trípode que sostiene los monólogos de Fedra y, luego, de Sofía y, además, recorre todo el espacio para captar los ángulos más indiscretos y sórdidos de los eventos así como la presencia de elementos de color rojo que “enturbian” el inmaculado y aséptico plató de su escenografía. Con conflictos equilibrados, sincronía audiovisual y precisión lumínica, “Fedra” avanza, con sombría convicción, hacia su fatal desenlace en días de implacable escarnio público. Esta vez, los escándalos mediáticos y las confesiones en redes sociales se suman a la aciaga lista de venganzas modernas que, por un lado, “sepultan” a las personas en vida, y, por el otro, se celebran con reacciones, emojis y menciones.

FICHA ESCÉNICA
“Fedra”
Adaptación de Gonzalo Rodríguez Risco y Marcela Cossíos
Dirección: Jorge Robinet
Elenco: Alexandra Graña, José Miguel Argüelles, Gonzalo Molina, Mónica Ross y María Rubio Arregui
Temporada: del 03 de octubre al 29 de noviembre del 2026
Funciones: jueves a sábado a las 8pm / domingos a las 7pm
Lugar: ICPNA (Av. Angamos Oeste 120, Miraflores)
Entradas: S/ 50 (General), S/ 35 (Adultos mayores), S/ 30 (jueves popular y Estudiantes) y S/ 25 (Persona en silla de ruedas y CONADIS) en Joinnus y la boletería del teatro (atención solo en días de función)
Un montaje de ICPNA Cultural
Redes sociales: Facebook / Instagram

Pescador de ilusiones

¿Qué fuerzas mueven los hilos del teatro y la fe? En los últimos años y, quizá, sin proponérselo así, Carnaval Comunidad Teatral ha aportado más de una respuesta profana en dos obras de autores latinoamericanos que han abordado, a su modo, este fabuloso e indesligable parentesco. Este peregrinaje inició con la temporada de “El viaje de la santa” de César de María.

Rafa (Navarro) y La Borreguita (Gamero)

A esta primera entrega se suma ahora la segunda temporada de “Rafa, el predicador”. Una tragicomedia de la laureada dramaturga mexicana Ana Lucía Ramírez (Xalapa, 1985) que explora, con lúdica irreverencia y cruel desenfado, los avatares de un hombre gentil con un propósito divino en medio de un mar de profundas dudas y vanas esperanzas. Bajo una correcta dirección de Joan Manuel Girón, esta pieza devela los mitos ocultos bajo las túnicas de quienes comercian con la espiritualidad ajena. En este desfile aparecen monjas codiciosas, familiares hipócritas, socios arribistas, condenados sin alma y una feligresía que, cual público de teatro, asiste a un inexplicable sacrificio digno de un santoral moderno. “Rafa, el predicador” recoge las desventuras de Rafa (Julio Navarro, en una actuación delirante y conmovedora), un apremiado vendedor de biblias de bolsillo. Sus buenas intenciones apuntan a una vida apacible en una casa de playa junto a su mujer, la Borreguita (un crudo personaje de Carla Gamero), aunque casi nadie confía en sus fortalezas ni habilidades.

El socio Deivid (Giribaldi)

El ejemplo más doloroso de la obra es su venerable madre (una precisa Karla Lozano), quien, lejos de contenerlo, podría arrojarlo a los leones sin el menor remordimiento. Lozano interpreta también a Sor Eduviges, la inescrupulosa y convincente madre que lo introduce en los negocios de Dios y quien enciende esa “chispa” que alimenta su esquiva fe. Ambas madres –la biológica y la espiritual– no sólo describen la malicia de su primer entorno, sino que presagian el destino de un protagonista carente de una figura modelo. Con esta licencia de comedias negras, el libreto sitúa frases reconocibles de la Biblia en sus diversas escenas, causando sorpresas y carcajadas por su coherencia y buen timing. El verdadero giro ocurre cuando Deivid (el aceptable Flavio Giribaldi), su joven socio y abogado con estudios truncos, aparece. Este oportunista personaje no sólo lo convencerá de fundar una congregación, sino que explotará los anhelos, frustrados también, de Rafa por ser actor de teatro. Su labia, carisma, tenacidad y convicción dan vida al proyecto.

Sor Eduviges (Lozano) y
sus monjas (Giribaldi y Linares)

Aquí resulta clave la presencia de los narradores (Giribaldi junto a los versátiles Edgard Linares y Gabriel Cedrón) que, en atuendos oscuros, guían esta fábula como si fueran un coro de juglares. Con ligeros agregados a este funesto vestuario, fluyen divertidos como un grupo de monjas entrometidas o reclusos de una prisión costera y, usando máscaras, encarnan a las mascotas de la familia del predicador. La dirección de Girón aprovecha este texto sin acotaciones ni apuntes dramatúrgicos para jugar libremente en escena. Su historia entretiene e interpela a su audiencia, pero, sobre todo, siembra dudas sobre el libre albedrío, los dogmas religiosos y las promesas eternas, así como desliza una pizca de inconformidad para aceptar los supuestos designios de la vida. La iluminación es funcional y variada para crear las atmósferas de angustia, dolor y redención, ideal para las pruebas del Señor por las que atraviesa el misionero. La escenografía de pocos elementos (pequeñas cajas negras y carteles con frases de superación personal) basta para que “Rafa, el predicador” imparta su obstinado evangelio de silenciosa aceptación en un mundo dominado por la falta de rebeldía, la cómoda pasividad y los discursos vacíos.

FICHA ESCÉNICA
“Rafa, el predicador” de Ana Lucía Ramírez
Directora: Joan Manuel Girón
Elenco: Julio Navarro, Edgard Linares, Gabriel Linares, Carla Gamero, Flavio Giribaldi y Karla Lozano
Dirección de arte: Luisa Caldas
Funciones: viernes y sábados a las 9:15pm
Temporada: 16, 17, 23 y 24 de octubre (segunda temporada)
Lugar: Club de Teatro de Lima (Av. 28 de Julio 183, Miraflores)
Entradas: en IG Carnaval Comunidad Teatral
Una producción de Carnaval Comunidad Teatral
Redes sociales: Carnaval Comunidad Teatral

Consignas valientes

Existe espacios liminales en todas partes. Incluso, en las heridas que ya habían sanado. La artista multidisciplinaria Alondra Flores Quiroz (o “Alito”, con cariño) lo aprendió de pequeña cuando un episodio de curiosidad, descuido o travesura le enseñó que la fragilidad de una cicatriz en la piel puede marcar para siempre el alma y la memoria.

Alondra Quiroz en "Para no morir"

Estas ideas, junto a otras como la resiliencia en la sociedad, la prevención en salud mental o la empatía, fluyen en “Cartografías para no morir”, su primer poemario. Desde esos versos y recuerdos, nació “Para no morir” (2026), una propuesta de versátiles lenguajes y múltiples interpretaciones, que Alito ejecuta con imperturbable determinación en el escenario. En manos de la cuidadosa directora y dramaturgista Jazmín Labrín, este “pretexto poético” se traduce en un espectáculo de una singular riqueza estética. Un lienzo escénico/performático sobre el que se despliegan las confidencias de autora y su afán de justicia con un ligero “desconcierto” para los asistentes a El Galpón Espacio de Pueblo Libre. Como en un poema simbolista, “Para no morir” esboza con sumo cuidado las imágenes –casi surreales– que proyecta entre dos telares largos instalados. La artista emerge como un ser alado, un ave temerosa, sin más palabras que las que adornan su plumaje de papel y plástico brillante con inscripciones que parece aprender a usar por primera vez.

Fiorela Giraldo

Este personaje guía esta experiencia a sabiendas de que otros múltiples lenguajes artísticos se sumarán a la propuesta. Uno de ellos proviene de la música en vivo y original de la cantautora Fiorela Giraldo, muy eficiente en voz, cuerdas y cajón, que acompaña cada ejecución coreográfica o actoral de Alito con canciones de letras sesudas y pertinentes. Su presencia –a veces, silente cómplice, y, en otras, contrapeso escénico–  contextualiza de mejor manera las rutinas performáticas, a menudo, sin palabras, de Alondra. A pesar de su estilo intimista y honesto, los retazos de vida alzan vuelo por la conexión enigmática y solidaria que ambas desarrollan y el fuerte arraigo de los aprendizajes de la actriz. Su vínculo visual, emotivo y físico es evocador y metafórico como cuando la cantautora la ayuda a “despegar los pies” de la tierra antes de volar. No obstante, lo que parece funcionar perfectamente en un montaje testimonial se torna, poco a poco, ritualista y político como si surgieran ramificaciones ocultas que podrían modularse con más organicidad. 

La propuesta que dirige Jazmín Labrín
incluye proyecciones multimedia de los años 90  

Ello explica el atisbo audiovisual del inicio, cuando se proyectan imágenes de los años 90, la dictadura de Alberto Fujimori o los vladivideos. Estas ramas avanzan entre consignas de justicia por la muerte de la periodista Melissa Alfaro y otros desaparecidos de esa época, el recuerdo de su abuelo fallecido o las tensiones físicas que la aprisionaron a fármacos que le asisten tramoyistas vestidos de negro. 
En este inclasificable –y barroco– trabajo se deben destacar los efectos de sombras y luces (notable mérito de Igor Alfaro, hermano de la referida periodista). Su aplicación de contrastes lumínicos con elementos sencillos como linternas de mano, botellas de cristal, papel celofán y plásticos azules es sugerente y mágico cuando asoman figuras propias del teatro de sombras. A pesar de estas adiciones algo flotantes o inconclusas, “Para no morir” apela a una respetuosa ofrenda –con fotografías, velas y aromas– como cierre. El unipersonal de Alito asume la voz de una generación que ya perdió el miedo a luchar, pero que, a pesar de ello, todavía le cuesta encontrar una voz clara, constante y organizada para trascender.

FICHA ESCÉNICA
“Para no morir”, basado en el poemario de Alondra Flores
Directora y dramaturgia: Jazmín Labrín
Intérprete: Alondra Flores
Música en vivo: Fiorela Giraldo
Luces y sombras: Igor Alfaro
Funciones: sábados y domingos a las 8pm
Temporada: 10, 11, 17 y 18 de octubre
Lugar: El Galpón Espacio (Av. Cipriano Dulanto 949, Pueblo Libre)
Entradas: S/45 (General), S/80 (2 entradas), S/105 (3 entradas) o S/120 (4 entradas) en la boletería del teatro
Redes sociales: Para no morir teatro

Una fábula itinerante

Un álbum delicadamente ilustrado por Issa Watanabe (Lima, 1980) es el punto de partida de “Migrantes” (2026), una entrañable puesta en escena dinámica y sublime. Inspirado en el libro homónimo publicado en 2019, el montaje presenta a un conjunto de animales humanizados en un viaje por fronteras lejanas, con ilusión, esperanza y solidaridad.

"Migrantes" está basado en el álbum ilustrado
de la reconocida Issa Watanabe

El impreso trae una galería de personajes creados con trazos de lápiz de color sobre fondo digital insertos en una trama sin palabras. La directora y dramaturga Vanessa Vizcarra aprovecha esta “licencia” vista en los dos últimos trabajos de Watanabe para desplegar una alegoría llena de música, emoción y color. El resultado es mágico y evocador. Con ingenio y virtuosismo, Tornillo Teatro crea una propuesta lúdica, de estéticas oníricas y atmósferas lúgubres, inspiradas en cada pasaje ilustrado. El equipo traduce la voluntaria ausencia verbal del álbum –un mecanismo de universalidad o “protesta” ante la moderna saturación de mensajes– en una experiencia escénica de alto disfrute sensorial, emocional o cognitivo. Algo que logra gracias a su efectiva incorporación de recursos y lenguajes de otras disciplinas artísticas fusionadas en la escena. De ese modo, los fondos vacíos u oscuros en el papel se instalan en la caja negra del teatro del Centro Cultural de la Universidad Pacífico, mientras que los personajes en coloridos vestuarios son potenciados con luces de variadas tonalidades, brillantes efectos y movimiento continuo.

Deysi Forcades, Eduardo Cardozo, Muriel García,
Sol Nacarino y Luigi Valdizán

La historia de “Migrantes” presenta una curiosa diáspora de animales diversos en origen, tamaño y edad que se ven forzados a abandonar su hogar, el bosque, para buscar uno nuevo. Este periplo –sin una causa específica y explícita, pero posiblemente deducible– moviliza al viejo y sabio Don Rino (Eduardo Cardozo, de buen trabajo). Lo acompañan, además, una gansa que cuenta cuentos mirando a la luna (una dulce presencia de Sol Nacarino), una orgullosa pata (Deysi Forcades, en un trabajo sorprendente) y una hacendosa y optimista coneja (la precisa Muriel García). Finalmente, los guía el astuto zorro y líder de esta pandilla animal sin bandera (el siempre versátil Luiggi Valdizán).
Y aunque hay otros personajes, el elenco porta máscaras elaboradas con alta calidad de detalles a los que se suma una grulla azul patilarga de pico rojo –un bello armatoste operado con encanto– que merodea el bosque. Pero no viajan solos. Muy de cerca a sus sueños y anhelos, los (per)sigue Cita, una pequeña y misteriosa entidad con atuendo florido e inexpresiva máscara blanca. Y aquí reluce la naturaleza “ecléctica” de la propuesta de Vizcarra. Poco a poco, las ilustraciones de Watanabe cobran en vida en escenas de teatro físico, rutinas de telas aéreas y manipulación de objetos. También se emplean pequeños títeres de otros animales y una serie de instrumentos musicales –guitarra, lluvia, acordeón, flauta, cajón, melódica, huiro y kalimba– con las que ejecutan las composiciones de José San Miguel.

La propuesta de Vanessa Vizcarra mezcla
teatro físico, telas aéreas y música en vivo

No puede soslayarse el notable arte visual y escenográfico (espléndido trabajo de Beatriz Chung) de su “bosque” de azulados árboles y encendidos arbustos que ilumina (el eficiente diseño de Julio Beltrán) el sendero de esta comparsa silvestre. Los movimientos que aporta Lucía Meléndez acompasa adecuadamente al elenco en las escenas más dinámicas y festivas de la puesta. Mientras que, en su utilería de tetera de lata, valija antigua y cesto tejido, dos escaleras de tijera sirven de raudo transporte con la misma vocación de ser un tendal sobre el que ondea la esperanza. “Migrantes”, un deleite escénico orquestado por Tornillo Teatro, sortea los repentinos obstáculos reservados para el caminante que se aventure por destinos inevitables y azarosos.

Crédito de fotos: Paola Vera

NOTA: Se recomienda visitar la exposición “Migrantes” de Issa Watanabe, bajo la curaduría de Sandra Elías en el Hall del Centro Cultural de la Universidad del Pacífico. El ingreso es libre.

FICHA ESCÉNICA
“Migrantes”, basado en el libro álbum de Issa Watanabe
Dramaturgia y dirección: Vanessa Vizcarra
Elenco: Eduardo Cardozo, Deysi Forcades, Muriel García, Sol Nacarino y Luigi Valdizán
Producción artística y ejecutiva: Fabiola Castro
Diseño de arte y realización artística: Beatriz Chung
Diseño de movimiento: Lucía Meléndez
Composición musical y diseño de sonido: José San Miguel
Diseño de luces: Julio Beltrán
Temporada: Del 20 de septiembre al 29 de noviembre de 2026
Funciones: sábados y domingos a las 4pm
Lugar: Centro Cultural de la Universidad del Pacífico (Jr. Sánchez Cerro 2121, Jesús María)
Entradas: S/ 45 (Adultos), S/ 35 (Postgrado y egresados UP), S/ 30 (Adulto mayor), S/ 25 (Estudiantes y niños, Comunidad UP, Estudiantes UP y Consorcio de Universidades, CONADIS, Persona en silla de ruedas) en Joinnus
Una producción del Centro Cultural de la Universidad del Pacífico y Tornillo Teatro