Juegos interrumpidos

Un patio, un parque, una casa... a veces, el infierno está más cerca de lo que uno se imagina. Sara Joffré (1935-2014) era consciente de los peligros que niños y adolescentes sufrían en estos parajes urbanos o rurales cuando escribió su icónica “En el jardín de Mónica” (1961).

Mónica (Arroyo) y La Niña (Cordero)

Esas heridas marcaron la delicada piel y, sobre todo, el alma y corazón de su sensible y jovial protagonista. “Una niña que podría tener hasta ochenta años, que es la máxima edad que puede tenerse”, según reza su prólogo. Ese dolor llevado en silencio toda una vida despierta un día para revelarse como una persona fragmentada e incompleta. En diciembre de 2015 la Asociación de Artistas Aficionados (AAA) montó una primera versión bajo las órdenes de Omar del Águila y la lúcida Ximena Arroyo en el papel protagónico. Ana Santa Cruz, Jamil Luzuriaga y Sergio Ota completaban aquel elenco de espíritus traviesos.
Inspirados por la partida de Joffré, acontecido un año antes, aquel montaje celebraba la vida, la alegría y la libertad con una puesta en escena colorida, brillante y lúdica. Una década después, la AAA cierra este capítulo con una versión original y arriesgada en varios sentidos.

El equipo creativo de "En el jardín de Mónica" 
recibe a su público en el histórico patio de la AAA

En principio, traslada la acción a su histórico patio, abriendo un mar de infinitas posibilidades técnicas, sensoriales y escénicas guiadas con una sólida mirada estética. Esta vez, el misterioso jardín emerge en las grises horas de una moribunda tarde de invierno, con una disposición clásica de público y escenario, y micrófonos instalados a ambos lados. La versátil Ivi Cordero toma la palabra, pero la voz de Mónica (Arroyo, en un registro doloroso, entrañable y distinto) es lo más importante. Ambas actrices –discípula y mentora– comienza su interpretación con voz y energía intensas siguiendo la nueva versión textual propuesta por el equipo que dirige Omar del Águila.
Esta acertada decisión trae a escena una historia oscura, descarnada y, quizá, más acorde a estos tiempos. Ello combina bien con la descuidada locación elegida y el vestuario negro sobre el que se adicionan prendas y accesorios de colores llamativos (naranja, fucsia o celeste).

La Niña (Cordero) y El Niño (Sánchez)

Esta utilería proviene de un baúl de madera y despierta la curiosidad de un espectador que logra sintonizar con la imaginación de sus risueños personajes. Y fluye así cada vez que Mónica plantea los juegos en los que salpican evocaciones y temores que desconciertan a la Niña (buen trabajo de Cordero) y, cuando ya cae la noche, al Niño (Gary Sánchez, en una grata aparición). El juego de contraluces y sombras denuncia el acecho de la violencia, pero revela algo más inquietante. “En el jardín de Mónica”, como en otros espacios, la inocencia de las primeras etapas de la vida se va extinguiendo para dar paso a episodios de frustración y rabia que no se deben callar más.

FICHA ESCÉNICA
“En el jardín de Mónica” de Sara Joffré
Dirección: Omar del Águila
Elenco: Ximena Arroyo, Ivi Cordero y Gary Sánchez
Lugar: Asociación de Artistas Aficionados (Jr. Ica 323, Centro de Lima)
Temporada: Del 04 al 20 de julio
Funciones: viernes y sábado a las 6pm / Domingos a las 5pm
Ingreso libre, colaboración voluntaria
Una producción de la Asociación de Artistas Aficionados
Redes sociales: Facebook / Instagram

La última cena

 La verdad suele ocultarse en los resquicios más insospechados del alma. “Un maldito secreto” (2022), la atípica tragicomedia escrita y dirigida por Aldo Miyashiro (Lima, 1976) rebusca en estas grietas para atacar con métrica ferocidad a los cimientos más vergonzosos de una sociedad clasista, racista, superficial e hipócrita como la nuestra.

Francisco (Carrillo), Miriam (Arroyo), Manuel (Miyashiro),
Tomás (Martínez), Noemí (Majo) y Jesús (Cossío)
en "Un maldito secreto"

Con esta singular pieza, el autor reditúa su estilo dramatúrgico con un humor punzante, ácidas críticas sociales o morales y personajes en situaciones límite extraídos desde un entorno marginal o sórdido. Ahora, por si fuera poco, Miyashiro ha agregado a su repertorio creativo el uso de parlamentos en rimas –varios de ellos, ingeniosos– en tiempos de habla coloquial. 
En su segunda temporada, el montaje de la Asociación Cultural La Pasión arriba a la Asociación de Artistas Aficionados (AAA) con algunos cambios. Estos nuevos ingredientes, no alteran su inquietante esencia: una trama en la que nada es lo que parece, aunque sí la tornan muy melodramática. “Un maldito secreto” presenta episodios signados por oscuras confidencias y revelaciones que surgen en una cena especial. El principal anuncio del evento confrontará a sus asistentes: dos familias tradicionales y conservadoras, con marcadas diferencias en su estatus económico e ideológico.

Esta obra cuenta con la dramaturgia y dirección
de Aldo Miyashiro

La más pudiente está integrada por Francisco, el padre autoritario y déspota (un solvente David Carrillo), la madre Miriam (buen trabajo de Ximena Arroyo) y su hijo Manuel (Mikael Miyashiro en un debut aceptable). La familia invitada, en cambio, trabaja para la primera y se compone por Jesús, el padre noble (un sublime Emilram Cossío), la madre Noemí (una excelente Sylvia Majo) y su hijo Tomás (un aceptable Erick Martínez). 
Aunque discretos y, por momentos, poco relevantes, la presencia de los criados Pedro y Juan (Gilberto Nué y Marcos Vicuña) resulta esencial. Desde la penumbra, son efectivos para cuestionar el accionar de los patrones y sus visitas o también por imitar sus inescrupulosas conductas. Los integrantes más experimentados del elenco se desenvuelven bien en este interminable vaivén de secretos, sin embargo, no sucede así con las actuaciones de los más noveles. La participación de Miyashiro y Martínez queda limitada a los flashbacks o, incluso, a una canción que, aunque emotiva, rompe con la atmósfera siniestra y exasperante de la historia.

"Un maldito secreto",
una tragicomedia en rima

La escenografía consta de un comedor elegante donde ocurre la mayoría de las escenas, mientras que las luces aciertan al incorporar el proscenio lateral y central a la propuesta. Además de aportar elegancia macabra y una estela pasada, el vestuario blanco y negro –y la ausencia de grises– juegan al despiste de bondad/maldad de los personajes. “Un maldito secreto”, la provocadora y desenfadada obra de la Asociación Cultural La Pasión, traza el funesto destino de una sociedad regida por las apariencias y dogmatismos, aunque este activismo luzca endeble. Sin que ello cambie, este descolorido retrato familiar sacado de un álbum de inicios de 1900 se lucirá todavía en el altar principal de nuestras salas. 

FICHA DE LA OBRA
“Un maldito secreto” de Aldo Miyashiro
Dirección: Aldo Miyashiro
Elenco: Ximena Arroyo, Emilram Cossío, David Carrillo, Sylvia Majo, Cindy Díaz, Gilberto Nué, Mikael Miyashiro, Marcos Vicuña y Erick Martínez
Lugar: Asociación de Artistas Aficionados (Jr. Ica 323, Lima)
Funciones: Viernes y sábados a las 8pm y domingos a las 7pm
Temporada: Del 21 de abril al 21 de mayo
Entradas: S/ 50 (Zona Super VIP), S/ 40 (Zona VIP), S/ 30 (General), S/ 25 (Estudiante, Jubilado y CONADIS) y S/ 20 (Viernes populares) en Joinnus y boletería del teatro
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Un montaje de la Asociación Cultural La Pasión

Cazadores de sueños

Un científico solitario y su jovial asistente observan el apacible firmamento nocturno como algo más que un simple deleite astronómico. En las estrellas, luceros y cometas que rutilan allá arriba podría albergarse alguna solución a los problemas más graves que aquejan a nuestro desesperado y caótico mundo. Pero, ¿lo encontrarán?

Cibelina (Arroyo) y Bornolio (Calderón)
 en "El soplador de estrellas"

“El soplador de estrellas”, entrañable obra del argentino Ricardo Talento, y una de las obras más representadas y queridas por la Asociación de Artistas Aficionados (AAA), ha devuelto esta lúdica fábula a nuestra escena. Esta vez, desde el Nuevo Teatro Julieta de Miraflores, la pieza aborda con sencillez y profundidad la naturaleza humana de creer en los sueños que ayuden a construir un mejor futuro, aunque aquello no lo sea todo. 
Dirigido por Yasmín Loayza, este colorido montaje presenta al excéntrico inventor y su divertida y atolondrada ayudante. Ambos personajes tejen una simpática trama de oposiciones, enredos y aprendizajes que pueden suceder a cualquier edad y en cualquier lugar donde sea posible soñar con el corazón y los pies en la tierra. Apostado en una terraza rodeado de tendales, el profesor Bornolio (un eficiente Manuel Calderón) presenta su última invención: el Estelaeróforo Retráctil, un poderoso artefacto –con apariencia de tina– capaz de apagar las estrellas. Esta inusual y algo riesgosa faena debería modificar su realidad, aunque para lograrlo requerirá una ayuda extra.

"El soplador de estrellas", una de las 
obras más queridas de la AAA

Tras publicar un aviso de empleo, aparecerá Cibelina (la grácil, jovial y activísima Ximena Arroyo). Su brillante presencia trae color y luz a la insondable personalidad de su mentor, convirtiendo así los silencios iniciales en diálogos amigables; las órdenes firmes en trabajo en equipo; la ilusión en una cualidad para todas las edades; y los anhelos propios (por muy bienintencionados que sean) en intereses comunes. Las noches pasan y pronto se dará un debate –razonable y emotivo– sobre su accionar individual y colectivo: ¿vale la pena pedir deseos para el bienestar aun a costa de apagar un cúmulo estelar?
Un detalle que aprecia el público y que la dupla de actores aprovecha inteligentemente para consolidar un vínculo honesto, espontáneo y nostálgico. Y es que Calderón y Arroyo no solo conocen sus personajes a plenitud, sino que los disfrutan en escena tanto como su audiencia interactúa con ellos desde sus butacas y, ahora, con refrescos y piqueos. La escenografía luce sobria, aunque es generosa en elementos coloridos que permiten situarnos en el hábitat doméstico y solitario de un soñador.

La propuesta es dirigida por Yasmín Loayza

El uso del espacio acierta al trasladar los movimientos de Cibelina dentro y fuera de escena e, incluso, logra contagiar el vértigo de Bornolio al desfilar por las cornisas de la azotea. La acción se traslada también al cielo imaginario por donde fulguran estrellas gracias a las bien sincronizadas proyecciones multimedia. Estas decisiones –innovadoras y necesarias– hablan de la esmerada y consecuente dirección de Loayza.
La directora ha sabido adaptar el texto original a un montaje que ha recorrido teatros, colegios, parques, plazas y festivales en Lima y el interior sin fatigarse desde 2011. Bajo una noche oscura, “El soplador de estrellas” resplandece en esta extraña dimensión –nuestra realidad– en la que los sueños suelen apagarse por temores y apatías. 

FICHA ESCÉNICA
“El soplador de estrellas” de Ricardo Talento (Argentina)
Adaptación: Yasmín Loayza
Dirige: Yasmín Loayza
Elenco: Ximena Arroyo y Manuel Calderón
Lugar: Nuevo Teatro Julieta (Pje. Porta 132, Miraflores)
Temporada: Del 11 de marzo al 14 de mayo
Funciones: Sábados y domingos a las 4pm
Entradas: S/ 35 (Adultos) y S/ 25 (Niñas y niños) en Joinnus y la boletería del teatro
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Un montaje de la Asociación de Artistas Aficionados (AAA)

Tiempo de cambios

Resulta irónico que una sociedad pueda cambiar tan poco al cabo de un siglo y algunas décadas. Sara Joffré (1935-2014), una de las mentes más progresistas de nuestro teatro, reflexiona con afilada ironía sobre la negligente aplicación de justicia en “Aparecen las mujeres”.

"Aparecen las mujeres" de Sara Joffré

Esta obra póstuma es un juego de atemporalidades que coquetean con el presente, pasajes musicales y moralejas de libre interpretación. Con estos elementos la directora Jamil Luzuriaga y su elenco han esbozado un montaje de alegorías y reminiscencias históricas irónicamente factibles por estos días de corrupción a todo nivel. Estos recursos identificables en el teatro brechtiano configuran una puesta envolvente y reflexiva, cuyas controversias morales y éticas quedarán a conciencia de uno. Bajo una estructura episódica, el público se embarcará en un vaivén temporal cual círculo vicioso. El proceso creativo significó revisar literatura política y feminista, versiones de la obra de Joffré y una exploración corporal y vocal lúdica. Se muestran así interesantes contrapuntos en los que el público baila al son de pegajosos chachachás o se conturbe con salmos religiosos.

Lieve Delanoy, Ximena Arroyo, Patty Q. Madueño
Carla Martel, Yasmine Incháustegui e Yvonne Ydrogo

Los conflictos son disímiles –el respeto a los rituales funerarios de una congregación de monjas y la continuidad de una alegre boîte– y se mimetizan con precisión en diálogos acuciosos. “Aparecen las mujeres” enarbola algo más que una bandera de lucha feminista: es una crítica inteligente al ejercicio del poder político en una sociedad patriarcal. Aunque la propuesta se aleja de clichés sexistas, distingue entre quienes detentan el poder (hombres) y quienes no (mujeres y hombres) como responsables de perpetuar el establishment que los perjudicará tarde o temprano. Este cariz le da inobjetable universalidad al texto. Tal disconformidad ante los atropellos impulsa la lucha de estas mujeres contra un sistema carente de criterio. De ahí que el elenco y la dirección expongan la esencia empoderada y valiente de sus artífices sin importar tanto si son monjas de clausura o bailarinas de cabaret.

Jamil Luzuriaga dirige la obra

En escena, las seis actrices logran esta misión con un trabajo plausible, con contrastes y aspiraciones bien definidas. Lieve Delanoy y Ximena Arroyo –amigas cercanas de la autora– destacan por su entrega y energía; y junto a ellas una confiable comparsa (Incháustegui, Martel, Madueño e Ydrogo) que irradia dulzura, inquietud o sensualidad sin aspavientos. Como sus protagonistas, Joffré desafía con irreverencia los prejuicios y paradigmas sociales; y, risueñamente, se burla del tiempo. A casi cuatro años de su partida, fluye de su dramaturgia un indiscutible sentido de vigencia que confronta a sus espectadores con los anhelos de libertad prometidos desde la Independencia.

FICHA ESCÉNICA

“Aparecen las mujeres” de Sara Joffre

Dirección: Jamil Nicolle Luzuriaga

Elenco: Ximena Arroyo, Lieve Delanoy, Yasmine Incháustegui, Carla Martel, Patty Q. Madueño e Yvonne Ydrogo

Temporada: Del 16 de noviembre al 9 de diciembre del 2018

Funciones: Viernes y sábados a las 8pm y domingos a las 7pm

Lugar: Asociación de Artistas Aficionados (Jr. Ica 323 Lima)

Más información en Aparecen las mujeres

Cuatro bombines

Dos vagabundos aguardan a un misterioso hombre que, al parecer, no vendrá. A fines de los años 40 el irlandés Samuel Beckett (1906–1989) no imaginó que esta premisa escrita con magistral desconcierto en “Esperando a Godot” (“En attendant Godot”, 1955) dividiría a críticos y espectadores desde su estreno oficial en 1953.

"Gogo" (Ximena Arroyo) y "Didi" (Manuel Calderón)

Con solo dos actos, esta pieza –uno de los pilares del “Teatro del absurdo”– se convertiría en un ensayo sobre la existencia fugaz, la soledad y la desesperanza como ejes de la angustia humana. 

La obra nació tras dos grandes guerras, cuando el mundo vivía bajo una estela de profundos cambios y cuestionamientos al orden y nacían las vanguardias literarias. 
Omar del Águila asume un gran desafío: dirigir una pieza icónica –de escuetas acotaciones– con más de seis décadas en el imaginario teatral. El resultado es una tragicomedia oportuna y lúcida por su vigencia histórica y esencia desoladora que celebra con justicia los 79 años de la Asociación de Artistas Aficionados.

ESPERA COTIDIANA

Ya el primer acto da pinceladas más oscuras que absurdas: el espectador intenta establecer algún nexo lógico. Una labor infructuosa ante los desconcertantes diálogos y curiosos juegos que ensayan Estragón / Gogo (bien logrado con los buenos matices de Ximena Arroyo) y Vladímir / Didi(un afinadísimo rol de Manuel Calderón).

Lukcy (Oviedo) y su amo Pozzo (Velarde)

Calderón construye su “Didi” –excéntrico y lúdico– con contagiosa ilusión y energía a lo largo de dos horas de función, mientras que, bajo los arrebatos y delirios de “Gogo”, Arroyo irradia una humana fragilidad. 

A pesar de la maniática reiteración textual ambos lucen dinámicos y solidarios en escena. Beckett reserva lo mejor para la segunda mitad. Las frágiles certezas del primer acto sucumben ante dudas existencialistas y tanáticas y frases de un humor poco soterrado sin que asome Godot. De hecho, esta ausencia es más una razón para reflexionar sobre el tiempo o la esperanza con honesta intensidad.

CAMINO DESOLADO

Por eso la expectativa es dosificada con la intrusión de fugaces personajes y un humor más oscuro. El amo Pozzo (un implacable rol de Percy Velarde) y su lacayo Lucky (Juan José Oviedo, elocuente a su modo) quiebran la rutinaria espera con reflexiones sobre el abuso de poder y la miseria.

Escena de "Esperando a Godot" 

El efecto del cambio de lógica es más evidente en la segunda parte hasta que el anuncio del muchacho (Omar Rosales) reinicia el ciclo. 

El diseño de la escenografía resulta sobrecogedora y de un cariz nihilista: es un camino abandonado con un árbol solitario que no banaliza la tensión de los personajes grises. La naturaleza plástica (luces y colores) y sonora (marcaciones de tiempo) habitual en los montajes de Del Águila aporta sensorialidad sin tanto artificio. 

La simple anécdota de “Esperando a Godot” basta para desafiar atemporalmente a alguna sociedad en busca de que algo suceda, aun cuando no se sepa bien qué ni para qué sea.

FICHA ESCÉNICA

“Esperando a Godot” de Samuel Beckett

Elenco: Manuel Calderón, Ximena Arroyo, Percy Velarde, Juan José Oviedo y Omar Rosales

Dirección: Omar del Águila

Temporada: Del 19 de mayo al 11 de junio

Las funciones van los viernes y sábados a las 8pm / Domingos a las 7pm

Lugar: Asociación de Artistas Aficionados (Jr. Ica 323, Lima)

Más informes en el evento de la obra

Crisis latente

Lejos ser cíclica o lineal, la historia peruana parece ser una cadena de episodios inconclusos. Una tradición fraguada por políticos mesiánicos, revoluciones fallidas y catástrofes de proporciones bíblicas con que Eduardo Adrianzén supo imprimir con agudeza e ironía en “Silencio sísmico” (2016).

Giovanni Arce, Rosello Roggero y
Alain Salinas

Desde algún devastador terremoto –como el ocurrido en 1746– hasta las asonadas golpistas en los tres militarismos: todo confluye en una atmósfera de zozobra constante. El autor inserta pequeñas fábulas sobre nuestras creencias, miedos y sueños para esbozar una sociedad distante y fragmentada.

Óscar Carrillo transforma esta pieza –salpicada de simbolismos y vicios criollos– en un interesante y preciso ejercicio de memoria colectiva. Tras un sólido estreno en el Teatro de Lucía, “Silencio sísmico” instala su epicentro en la Asociación de Artistas Aficionados. Desde ahí estremece y confronta.

TEMBLORES OCULTOS

Esta historia apocalíptica rodeada de una idiosincrasia peruana es sostenida por tres mujeres. La joven Soledad (aceptable papel de Rosella Roggero) decide emigrar para empezar de cero. La detienen los recuerdos del padre, sus temores y dos ex enamorados con quienes extrañamente convive.

Elenco de la obra

Junto a Ariel y Christian (divertidos y opuestos Giovanni Arce y Alain Salinas), conformarán una tríada perfecta para jugosas escenas cómicas. Los atisbos bien logrados de inmadurez, alienación y frescura son equilibrados con la lucidez y cierto desencanto de dos buenos personajes femeninos.

Su madre Esther (delirante Ximena Arroyo) y lectora de cartas astrales, avizora en el viaje de su hija un designio fatal para la ciudad; y la risueña y desenfada abuela Doris (acertada Sonia Seminario). Ellas son el reflejo de un proyecto en diferentes tiempos que, como el país, intentaron –o intentan– no resignarse.

EPICENTRO ESCÉNICO

Adrianzén sitúa la pieza teatral en un momento crítico: 28 de julio de 2016, cuando se renueva la vieja promesa de un mejor país. Se instaura una sensación  de inminente peligro ­–como los tres siglos de silencio sísmico­ en Lima– que se acentúa en una sociedad alienada, indiferente y frívola.

"Silencio Sísmico" la AAA

Un detalle recreado con ironía en las historias paralelas mientras una tensa atmósfera ensombrece el futuro de Soledad y de la ciudad. 

La sobria escenografía apenas basta porque la conexión es inmediata, mérito a la confianza, solvencia e intensidad con la que Carrillo dirige a su elenco.

En sus contradicciones y peculiaridades, “Silencio sísmico” remece los cimientos de una sociedad –tan limeña– obnubilada por aparentes superávits y milagrosos “boom”. Este discurso, irónicamente pesimista, encierra alguna esperanza a la que aferrarse ante una desgracia que se avecina.

Fotos: Silencio sísmico / Lima Vaga / Alondra Florez Quiroz

FICHA ESCÉNICA

“Silencio sísmico” de Eduardo Adrianzén

Dirección: Óscar Carrillo

Elenco: Sonia Seminario, Ximena Arroyo, Giovanni Arce, Alain Salinas y Rosella Roggero

Las funciones van los viernes y sábados a las 8pm y los domingos a las 7pm

Temporada: Del 20 de enero al 5 de febrero

Lugar: Asociación de Artistas Aficionados (Jr. Ica 323, Lima)

El jardín secreto

A un año de su partida, la voz de SaraJoffré (1935–2014) persiste en la memoria. Más por terquedad que por simpatía, diría, y soltaría una carcajada. En sus piezas, escritas con auténtica irreverencia y disconformidad, pueden rastrearse posturas libertarias y un desapego a las convenciones creativas.

Las dos Mónica (Ximena Arroyo y
Jamil Luzuriaga)

“En el jardín de Mónica” (1961), uno de sus textos más icónicos, es un ejemplo notable y cabal. Lejos de fugaces nostalgias, Joffré utiliza una mirada “plena y vital” –presente a toda edad– para esquivar los cabes trazados en la realidad. Sus armas son infinitas: la fantasía, libertad e ilusión.

Desde la Asociación de Artistas Aficionados (AAA), un bastión de resistencia escénica que solía visitar Joffré, la puesta cobra un cariz íntimo. No solo por la presencia del director Omar del Águila o Ximena Arroyo, amigos de la autora, sino por revalorar su mensaje valiente en un mundo pusilánime.

UNA NIÑA GRANDE

En medio de acotaciones laxas, aparece Mónica (la lúdica y convincente Arroyo), una niña sin edad que sufre el rigor de la vida. Para huir de ese mundo hostil, se refugia en un paraje abandonado en el que conoce a otros seres tan solitarios como ella. La energía y versatilidad de Arroyo para construir su personaje combinan a la perfección.

La Niña (Ana Santa Cruz)

Junto a ella, los gráciles niños (Ana Santa Cruz y Sergio Ota) merodean este mundo mágico irrumpido por voces de la realidad. 

El buen trabajo de ambos basta para recrear un cuento de hadas… con desencanto. La presencia del “Alter Ego” de Mónica (acertada Jamil Luzuriaga) adiciona simpatía, locura y encanto primaveral al montaje.

La cuidadosa perspectiva de Omar del Águila parece orientar el montaje hacia un universo infantil, pero sin ser excluyente. Quizá, sea así porque los personajes denuncian su fragilidad entre juegos y comentarios, mientras la puesta transmite alegría, asombro, tristeza o ternura.

PATIO DE ENSUEÑO

Con una escenografía rebosante y preciosista, el trabajo es un deleite para los sentidos. El vestuario (mérito de Carolina Rieckhorf) y los incontables detalles son aprovechados por sus texturas, colores y formas para esbozar un maravilloso terreno para soñar, aunque su apariencia podría distraer.

El Niño (Sergio Ota)

Al rescate salen los diálogos de “En el jardín de Mónica”, que aportan una riqueza sensorial –sonora y visual– por su lirismo vivaz y onírico. Incluso, las acotaciones son una delicia por el humor desenfadado de Joffré, lo que ha generado varias reposiciones desde 2009. 
Este año hubo dos, incluido este montaje. Con osadía y soltura, esta versión es más que un silencioso reconocimiento  póstumo a la dramaturga. 

Explorar sus senderos de infinitas posibilidades es aventurarse por una de las mentes más lúcidas del teatro peruano. Desde Mónica, “una niña que podría tener hasta ochenta años, que es la máxima edad que puede tenerse”, como dice en su prólogo –cual presagio cumplido–, pervive la voz eterna de Sara.

Créditos de fotos: En el jardín de Mónica

FICHA ESCÉNICA

“En el jardín de Mónica”, de Sara Joffré

Dirección: Omar del Águila

Elenco: Ximena Arroyo, Ana Santa Cruz, Jamil Luzuriaga y Sergio Ota

Diseño de vestuario: Carolina Rieckhorf

Lugar: Asociación de Artistas Aficionados (Jr. Ica 323, Lima)

Temporada: 20 21, 22, 27, 28 y 29 de noviembre de 2015

Una producción de la Asociación de Artistas Aficionados

Más información en el fanpage de la obra

Instantes eternos

Es posible vencer a la fugacidad con los recuerdos. Esos arrebatos imaginarios que son capaces de dibujar una sonrisa o deslizar una lágrima a cualquier edad. Si va a alguna noche hasta el 14 julio al Teatro de Lucía de Miraflores es probable que comparta esta sensación.

El origen reside en un precioso texto escrito por Eduardo Adrianzén titulado “La eternidad en sus ojos”. La puesta dirigida por Óscar Carrillo fue uno de los montajes más celebrados durante los 75 años de la Asociación de Artistas Aficionados.

Y es también un justo homenaje a Sonia Seminario por sus 60 años de vida dedicados al teatro. “Porque gran parte de la humanidad que Sonia le pone a todos sus personajes asoma cierta chispa, cierta gracia muy suya y difícil de precisar, pero rotunda desde que nos mira con esos hermosos ojos que tiene”, refiere el autor.

Recuerdo tu nombre

“La eternidad en sus ojos” es un elogio a la nostalgia. Pero también lo es para la pasión, libertad, juventud y los riesgos de la vida. La historia narra la furtiva relación entre una profesora universitaria de literatura universal y un joven alumno con aspiraciones de poeta durante los años ochenta.

La premisa es un desafío a los prejuicios y convenciones en una ciudad a oscuras y en zozobra. ¿Es posible amar así? Nina y Alejandro (Ximena Arroyo y Claudio Calmet en buenos papeles) lo demuestran durante la hora y media del montaje. Sentimos sus tropiezos y celebramos sus complicidades.

Dos polos opuestos (juventud y madurez, razón y corazón) que se entrelazan en una galaxia clandestina para no sucumbir al olvido. En paralelo, una Nina actual (presentación conmovedora y encantadora de Sonia Seminario) intenta esclarecer las dudas de Claudio (Franklin Dávalos), hijo de Alejandro, quien murió repitiendo el nombre del amor de su vida, Nina.

Días inolvidables

La puesta se dinamiza con el uso de flashbacks y alusiones temporales con que suele salpicar Adrianzén a sus obras. En “La eternidad…”, el autor desliza sutiles críticas políticas (el joven de pañuelo blanco) y fugaces alcances futuristas (el uso de celulares) en su obra.

Se vale de ciertos estereotipos y paradigmas que impregnan de humor a la puesta. Pero su ingenio se extiende a diálogos profundos y esa mirada al amor –aunque prohibido– que escapa a lo cliché. El elenco (Seminario, Arroyo, Calmet y Dávalos) brinda actuaciones naturales, cálidas e inolvidables y se ganan un lugar en nuestra memoria y en nuestros ojos.

“La eternidad en sus ojos” culmina su segunda temporada este fin de semana en el Teatro de Lucía. La pieza se había montado anteriormente en la Asociación de Artistas Aficionados a inicios de año con el mismo elenco (Dávalos reemplazó a Jorge Bardales). Pero el efecto de la obra se mantiene al revivir en el alma aquellos arrebatos de juventud que jamás envejecerán por más que los recordemos siempre.

Crédito de fotos: Tutti Tudela / Teatro de Lucía

Ficha técnica

“La eternidad en sus ojos”, de Eduardo Adrianzén

Dirige: Óscar Carrillo

Actúan: Sonia Seminario, Ximena Arroyo, Claudio Calmet y Franklin Dávalos

Producción general: Asociación de Artistas Aficionados

Lugar: Teatro de Lucía (Calle Bellavista 512 Miraflores)

Las funciones van de jueves a lunes a las 8pm / Domingos a las 7pm

La temporada culmina el 14 de julio

Más información en el evento de Facebook y en Teatro de Lucía

Aplausos y mensajes

El 27 de marzo pasado, el Día Mundial del Teatro, tuve oportunidad de escuchar este mensaje en la Asociación de Artistas Aficionados (AAA). Apenas acabamos de aplaudir la función de “Apego”, de Eduardo Adrianzén, aparecieron Ximena Arroyo, directora de la AAA, y la narradora María Laura Vélez para leer el Mensaje por el Día Mundial del Teatro 2012.

Hoy lo comparto por si no la han leído aún o, lo que ya, puedan leerla una vez más para contagiarse del espíritu del teatro. Es una carta para teatreros jóvenes o no, amantes de las artes escénicas, buscadores de certeza en su vocación o para los que ya encaminados por si precisan un nuevo aliento para continuar en el sublime mundo de las tablas.

Para todos ellos, Alonso Alegría, destacado autor teatral peruano, escribió cada una de las siguientes líneas, a pedido del Centro Peruano del Instituto Internacional del Teatro - ITI UNESCO.

Carta a un teatrero joven

Me dices que el teatro te gusta y que no puedes ni pensar en dedicarte a otra cosa.  ‘Me di cuenta, por fin, de que podía ser feliz’ me confiesas, tratando de describir ese momento bendito en el que sentiste que tu vida finalmente tomaba un rumbo ilusionado.  ‘Se te ha metido el bichito del Teatro’ te diríamos los que ya sabemos que, a partir de ahora, el Teatro habrá de ser el único arte y la única profesión con las que querrás alimentar tu alma y sostener tu cuerpo toda tu vida. 

La decisión que estás tomando te da miedo.  No eres el primero.  Desde siempre, a todos los teatreros nos ha dado mucho miedo emprender este incierto camino.

‘Yo amo al Teatro’, me dices, ‘¿pero qué pasa si el Teatro acaba no amándome a mí?  ¿Si sólo me escupe fracasos, si me tiende trampas, si me maltrata día tras día, si no me alimenta siquiera? ¿Sufriré si acaso lo abandono y luego lo extraño mucho pero ya no puedo dar marcha atrás?’ me preguntas.

Pues no tienes por qué sufrir de ausencia.  Cualquier cosa que hagas puede ser parte del Teatro.  El Teatro tiene que ver con todo.

Tu sueño es vivir tu vida sobre el escenario, o muy cerca de él.  Es posible que lo logres, y quizás para siempre te ganes la vida, o parte de ella, como dramaturgo, actor, director, escenógrafo, iluminador, utilero, telonero, productor, o cualquier otro de los bellos oficios que reciben o escuchan en vivo el aplauso del público terminada la función.  Si el Teatro te permite pagar las cuentas y escuchar aplausos, serás feliz por lo menos cinco noches por semana –y no mucha gente, te lo aseguro, tiene la felicidad garantizada cinco noches por semana.  Pero sí tú—.

‘¿Y qué me pasa si el teatro me aloca pero no puedo estar ni cerca de un escenario’ –me interrumpes— ‘porque tengo que ganarme la vida en otra cosa?’  Pues si llevas el bichito y eres un gran contador, podrás ser feliz contando el dinero de un teatro.  Y si te vuelves el más famoso arquitecto, pues podrás ser feliz diseñando teatros.  Y si terminas de cocinero estrella, serás feliz manejando las cafeterías de los teatros del Mundo.  Si encuentras una mina de oro, crearás una compañía de teatro para que su director te adjudique, de cuando en cuando, un pequeño papel, porque sólo entonces ese bichito te dejará gozar tranquilo de tu nueva fortuna.  Y si la Vida te propina el revolcón contrario y de pronto te encuentras de vendedor ambulante –esas cosas pasan, créeme— pues a la entrada de un teatro venderás los títeres que tú mismo fabriques.  Escucharás, desde lejos, muchos aplausos ajenos, pero igual te harán feliz porque ¿sabes? esos aplausos serán también para ti, por ser un teatrero que vende títeres cerca de un escenario. Y tu suerte cambiará pronto.  Ese bichito que llevamos dentro nos protege y alienta cuando le somos fieles.

Dedícate al Teatro, entonces.  Sin miedo.  Te gusta, y no tienes más remedio, porque el bichito te ha picado. Más te vale emprender tu carrera teatral.  Acepta ese papel, matricúlate en ese taller, preséntate a ese examen, diles a tus padres y a tu novia que toda tu vida serás teatrero.  Diles que sólo así serás feliz.  Les estarás diciendo la verdad.  Porque una persona con el bichito del Teatro dentro, no puede hacer nada más que Teatro para sentirse verdadera y totalmente feliz. Toda, todita su vida.

Elección de un vencido

Ser hábiles en algo debería ser la clave para obtener lo que anhelamos. Un buen trabajo, una bonita casa, una pareja comprensiva, en resumen, todo para una vida tranquila. La idea seduce desde la teoría, pero sobre el pizarrón de ensayo de Alberto (Henry Sotomayor) el resultado no se asoma al esperado.

Desde hace siete meses viene gastando su hábil talento de vendedor en entrevistas sin éxito. En casa el panorama no es el mejor. Su madre enferma (Ximena Arroyo) necesita medicamentos y, como si fuera poco, debe solventar los estudios universitarios de Laura (Mayella Lloclla), su hermana menor.

Con deudas y fingiendo un ascenso en su ficticio trabajo, Alberto desea poder resolver todo pero, en su intento,  logra enredarse en un romance furtivo con Ana (Karina Jordán), esposa de su jefe y amigo, Jorge (Paul Ramírez). Cerca a su vecindario, mientras tanto, aparecen cadáveres cerca a un parque custodiado por un entrañable anciano (Enrique Victoria). Esta es la atmósfera que nos presenta “Cacúmenes”. Y eso que aún no llegamos al límite de las cosas.

El hombre actual

La obra fue escrita por Alejandro Alva y resultó ser ganadora del IX Festival de Teatro Peruano Norteamericano de 2008. El autor ha reconocido a su pieza teatral como “una crítica inteligente al progreso técnico, a la racionalidad desgastada, a la alienación intransigente, en resumen, al conflicto posmoderno del hombre”.

Su apunte se centra en Alberto, joven empeñoso y brillante en ventas, pero sometido a una insensible jerarquía laboral que le escatima oportunidades. Sabe que merece mejor suerte, pero su inseguridad, quizá por la ausencia de su padre, lo lleva por caminos sinuosos, acaso una alegoría entre la cordura y la locura.

Su hermana, Laura, en cambio, ha acabado el colegio y se considera una alumna aplicada, pero decide rebelarse a ser un eslabón más en esa cadena de inconformidad y competencia que deshumaniza. Y empieza en su propia casa, en una relación tirante con su madre.

El dilema de la locura

La tensión –llegando a la angustia, en algunos casos– de cada escena aviva los dilemas en el orden familiar, de parejas o entre seres, extraños u atormentados, como el anciano del parque o el detective (Iván Chávez) y su novia (Katia Salazar). Y se intercalan episodios donde la ‘conciencia’ de Alberto  (Yazmin Londoño y Dante Marchino) se manifiesta como un mecanismo de alerta psicológica ante el temor, la indecisión o la culpa por los crímenes cometidos.

Con buenas actuaciones –destacados Enrique Victoria y Henry Sotomayor– y un final súbito y precipitado por los extremos que alcanza la obra, “Cacúmenes” se presenta hasta este domingo 17 de octubre en la Asociación de Artistas Aficionados.

Un dato que agregar que el 2008 la puesta fue codirigida por Emilram Cossío y Haysen Pércovich, éste último es acompañado por Ximena Arroyo, como directora adjunta, en esta breve temporada.

Fotos: Asociación de Artistas Aficionados