Culpables en la sombra

Luchar contra el poder y la corrupción es lo más próximo a iniciar una guerra solitaria o una operación suicida. En especial, cuando no se sabe cuántas manos se ocultan detrás de un perverso mercado que mueve dinero y vidas humanas como sucede en “Crimen impune” (2026), un inusual e imaginativo thriller policial en temporada.

Garay (Ramírez) y Alberto (Calderón)

Su autor, Jorge Bardales, emplea uno de sus géneros literarios favoritos para plasmar un oscuro rompecabezas escénico. Este cúmulo de cuadros breves y crudos monólogos se organiza, en teoría, bajo la complicidad absoluta del espectador, hasta avizorarse un panorama devastado por la ilegalidad, la miseria, la maldad y la indiferencia. Bajo una cuidadosa dirección, Bardales da cabida a una lista de delitos que, aunque periféricos (la minería ilegal), sus heridas (drogas, trata de personas y explotación sexual) resultan cercanas. Y todo aquello que ocurre de forma inadvertida por su engañosa apariencia de legalidad: a veces, un vestido refinado o un uniforme de autoridad. Siguiendo una línea narrativa fragmentaria e intercalada de flashbacks, “Crimen impune” reúne clásicos recursos del género policial en un montaje de hora y media. Por ejemplo, momentos de negociación y careo, múltiples perspectivas (versiones), giros inesperados, altas dosis de intriga por los inusitados acuerdos y vínculos entre los personajes.

Patricia (Serrano)

No es casual que su escena inicial sea un interrogatorio. En él aparecen Alberto (Joel Calderón, en un rol discreto), un psicólogo prestigioso y ético junto a Garay (buen trabajo de Walter Ramírez), un policía astuto y sarcástico, quien, aún con los clichés que carga, es el contrapunto cómico del montaje. Las pistas que persigue van guiando la historia. El terapeuta narra cómo Patricia Rocha (la solvente Kathy Serrano), una intimidante señora de clase alta, lo contrata para atender la agorafobia de Almudena (la intensa Daniella Stornaiuolo), su hija. Sin embargo, el profesional debe realizar sus sesiones de forma virtual, desde la misma casa, pero sin la posibilidad de acercarse físicamente a su paciente. 
Ello ocasiona que la relación de ambos sea tensa y esquiva, con algunas treguas de lucidez entre desvaríos, olvidos y situaciones que podrían vulnerar su ética. De estas charlas surge la imagen de Gerardo Aguilar (Patricio Villavicencio, en un papel carismático y ególatra), un jefe de la minería ilegal y vil engranaje de toda una organización delictiva. Con esta galería de personajes –algunos, logrados con acierto e, incluso, profundidad–, el libreto tiene recursos para sumergirse más en la intriga y la sugerencia antes que regodearse en la impunidad o en las denuncias que la justicia no atiende. Ello se hace evidente cuando el psicólogo comparece ante el oficial por la extraña desaparición de su paciente.

Almudena (Stornaiuolo) en sesión psicológica

Un detalle llamativo si se considera que las luces, los efectos técnicos y la música –blues y jazz– apuestan por la estética de film noir. Por ejemplo, las atmósferas de paranoia que rodean la estación de policía o las delirantes sombras en la casa de Almudena y que se demarcan milimétricamente con humo, un poco de utilería y apenas cintas blancas en el escenario. Lo descrito no presagia, en nada, el desenlace inesperado que le espera a los protagonistas de este preciso montaje de Bravo Productora Artística. Como alude su título, “Crimen impune” pone en evidencia las desgarradoras verdades y miserias ocultas que enriquecen a unos y envilecen a otros sin que nadie tenga claro cómo detener el avance de este cáncer social.

Crédito de fotos: Renzo Olaya

FICHA ESCÉNICA
“Crimen impune” de Jorge Bardales
Dirección: Jorge Bardales
Elenco: Joel Calderón, Kathy Serrano, Daniela Stornaiuolo, Patricio Villavicencio y Walter Ramírez
Temporada: Del 16 de junio al 01 de julio de 2026
Funciones: martes y miércoles a las 8pm
Lugar: Nuevo Teatro Julieta (Pje. Porta 132, Miraflores)
Entradas: S/ 40 (General), S/ 35 (Acceso Popular) y S/ 30 (Estudiantes, jubilados y CONADIS) en Joinnus
Un montaje de Bravo Productora Artística
Redes sociales: Facebook / Instagram

Lecciones de historia

En los últimos años la “incapacidad moral” se ha convertido en una poderosa arma de venganza que solo devela la inmadurez política de nuestro parlamento. Gracias a esta manoseada figura jurídica han desfilado ocho presidentes en los últimos 10 años sin que ello signifique una verdadera mejora para 35 millones de peruanos.

Elenco de "PIM", creación colectiva que dirige
Paloma Carpio Valdeavellano

“PIM - Permanente Incapacidad Moral” (2024) ha insertado estas continuas crisis de gobierno en un montaje reflexivo, ameno y potente. Sus episodios históricos inspiran escenas que, bajo la solvente dirección de Paloma Carpio Valdeavellano, encuentran el tono de preciso sátira para calar en el espectador / ciudadano.
Tránsito Vías de Comunicación Escénica y Derramando Lisura eluden, con sumo cuidado, el panfleto y sesgos ideológicos hasta equilibrar su mensaje. Sus versiones de canciones famosas, movidas coreografías y estética “chicha” revierten lo denso de los entretelones sociopolíticos para deleite y asombro de su público. “PIM” recrea su delirante fábula con personajes de nuestro pasado bajo una premisa irreverente que interpela nuestro presente sin disimulos. En un primer momento, Perú (la precisa Coralí Ormeño) aparece como una dama ingenua y soñadora, dispuesta a sacrificar su libertad por un vínculo duradero y con futuro.

La Ñaca (Oro) se luce en varios
momentos de la propuesta 

Estos romances resultan fallidos, sin importar si el candidato elegido –o, muchas veces, impuesto– fuera de estas tierras o extranjero. Esta larga lista inicia con el conquistador español Francisco Pizarro, continúa con el libertador argentino Don José de San Martín y se prolonga a lo largo de 130 presidentes republicanos. Ni el cambio de milenio ni la proximidad al Bicentenario de independencia trajo mejores prospectos. Y eso es aprovechado por el versátil elenco que, con desenfado y picardía, desfila con impunidad como un dictador de ojos rasgados, un disoluto académico de Harvard, un gringo pusilánime y, más cerca, un político precoz amante de los chifas. Estas escenas de amor se intercalan con sketches que reflejan –y critican– nuestra idiosincrasia. Un gratísimo ejemplo es La Ñaca (un ocurrente y lúdico Jesús Oro), que, con ropajes oscuros y velo en la cabeza, da consejos de moral y buenas costumbres a la desolada novia peruana bajo las excéntricas pautas de lo que parece un talk show. Y, como el país es más grande que sus dilemas, en otros momentos se perfila como un mercado de soluciones originales para sus problemas estructurales. A toda labia, se ofrecen camisas de color intercambiable (rojo y blanco) para acomodarse al vaivén político, o un práctico almanaque del emprendedor peruano.

El montaje utiliza canciones versionadas y
artículos en venta para nuestros problemas 

Si bien destacan Ormeño y Oro, las múltiples performances de Katiuska Valencia, Natalia Consiglieri, Paulo Cárdenas y Germán Díaz sostienen el montaje. Juntos y, casi sin respiro, los actores se apropian y despegan de roles con la facilidad de quien toma coloridos vestuarios y juega con la utilería exhibidas en escena. Con estas reglas, el montaje desliza sólidas reflexiones sobre la marginación social, la corrupción y las posturas autoritarias que arrastra el Perú desde su fundación. “PIM” reproduce estas taras con excelencia metódica que, cual pesadas cadenas, resuenan ya no solo en himnos libertarios, sino también en la memoria de los peruanos más comprometidos con su historia.

NOTA: “PIM” presentará dos funciones con ingreso libre fuera de Lima gracias al apoyo de los Estímulos del Ministerio de Cultura y el vicerrectorado de Investigación de la PUCP.

El viernes 17 de abril a las 11am en el auditorio Belén Salvatierra, Campus de Ciencias Sociales de la UNSA (Estadio Monumental de la UNSA, Arequipa)

El domingo 19 de abril a las 5pm en el Auditorio del Centro Peruano Norteamericano (Jr. Luis N. Chevarría 128, Puno)

Crédito de fotos: Renzo Olaya

FICHA ESCÉNICA
“PIM - Permanente Incapacidad Moral”
Creación colectiva
Dirección: Paloma Carpio Valdeavellano
Asistencia de dirección: Pepe Santana
Elenco: Coralí Ormeño, Jesús Oro, Katiuska Valencia, Natalia Consiglieri, Paulo Cárdenas y Germán Díaz
Diseño y realización de escenografía: Colores Castillo
Grabación y mezcla de audio: Joseph Ojeda
Temporada: Del 26 al 29 de marzo de 2026
Funciones: jueves a domingo a las 8pm
Lugar: Nuevo Teatro Julieta (Pje. Porta 132, Miraflores)
Un montaje de Tránsito Vías de Comunicación Escénica y Derramando Lisura

Sobredosis de TV

La televisión refleja la decadencia de nuestro sistema cultural. Palabras más, palabras menos, esta máxima contemporánea atribuida al cineasta italiano Federico Fellini (1920 - 1993) acecha con peligrosidad por el colorido set de personajes icónicos y filtros psicodélicos que propone “Reality Shock”(2025).

Dionisia (Monzón) y Johnnie (Caffo)
en el set de "Lo que vale el Perú" 

El periodista y dramaturgo Carlos Gonzales Villanueva concibió este texto que conversa a la perfección con el estilo desenfadado y lúdico del director Joamoc More. De este esfuerzo conjunto nace una serie de agudos cuadros que exponen, con crudeza y realidad, la inseguridad y la corrupción del país. En escena, un elenco versátil con un histrionismo desatado, memorables parodias, irreverentes guiños a nuestra historia (republicana y audiovisual) y la música en vivo (impecable ejecución sonora de Armando Abanto) definen su vistoso glamour. Estos singulares méritos la convirtieron, con notable justicia, en la obra ganadora de la 3° Competencia Oficial del Nuevo Teatro Julieta del año pasado. “Reality Shock” se basa en una fórmula narrativa digerible para su audiencia inédita: una mezcla de espectador y televidente. Esta comedia aprovecha el “detrás de cámara”, los cortes comerciales y los enlaces en vivo (con buen despliegue de luces, apoyos audiovisuales y de vestuario) para tejer una ficción meta-televisiva en torno a “Lo que vale el Perú”.

El recordado segmento de los edecanes
(Caffo y Ramírez) y la presidenta (Garcés)  

Este programa concurso –una alusión a uno similar de fines de los setenta– que dirige el excéntrico Johnnie Walter (excelente rol de Emmanuel Caffo) se alista para salir al aire. La entusiasta Dionisia Sulca (la eficiente Mehida Monzón) se encuentra cerca de ganar los 100 mil dólares de premio gracias a sus acertadas respuestas de cultura general.

Entre pregunta y pregunta, la programación se interrumpe con rápidos saltos e inesperados flashes. Primero con una sitcom donde un polémico indulto y el terruqueo condimentan una apacible cena familiar de Navidad, para luego continuar con un “culebrón” lleno de exagerados personajes, dilemas domésticos e histrionismo en tono rosa. Uno de los momentos más hilarantes es el Mensaje a la Nación, segmento político rescatado de su actual devaluación. Esta escena es encarnada por una ególatra y superficial presidenta (la estupenda Alejandra Garcés) y sus dos impresentables edecanes (Caffo y Roni Ramírez, risueños y pícaros).

El Chato y el Nero (Monzón y Garcés)

Las dos últimas secuencias coquetean más con una crónica roja —una bien actual y escenificada— sobre la fuga de dos asaltantes (Chato y Nero) y una varieté final coreografiada con vértigo, precisión y elegancia. Es el cierre perfecto para esta puesta en escena valiente que produce Pilar Cornejo y que, durante hora y 40 minutos, escarba en linderos incómodos, sin esconderse de las críticas ni las opiniones adversas. Sus diálogos aportan una mirada ciudadana al rol de la policía o los escándalos de corrupción sin tibiezas ni concesiones, y, varias veces, con la frescura de jugar fuera del guion. Y es que en cada segmento de “Reality shock” se reflejan las reales taras –y las esquivas esperanzas– de una sociedad desmoralizada y presa todavía por lo fútil y fugaz.

FICHA ESCÉNICA

“Reality shock” de Carlos Gonzales Villanueva

Dirección: Joamoc More Asistencia de dirección: Adrián Huamán

Elenco: Alexandra Garcés, Emmanuel Caffo, Mehida Monzón y Roni Ramírez

Temporada: Del 15 de enero al 01 de febrero

Funciones: De Jueves a domingo a las 8pm

Lugar: Nuevo Teatro Julieta (Pje. Porta 132, Miraflores)

Entradas: S/ 35 (General), S/ 20 (Estudiantes, Jubilados y CONADIS) en Joinnus, en la boletería del teatro o al WhatsApp: 933 850 696 (Contacto Gia Ocampo)

Un montaje de Pilar Cornejo Producciones Redes sociales: Instagram

El disparo intruso

El cinismo y la falta de sentido común parecen haberse apoderado de las familias posmodernas. “La escopeta” (2019), irreverente libreto de Henry Sotomayor explora este fenómeno con la crudeza y el desenfado propios de una pieza al estilo del teatro del absurdo.

Elenco de "La estúpida escopeta"

Estrenado con sonado éxito en Colombia, México, Rusia y, hace poco, en Argentina, esta obra cosechó una mención especial, en 2020, en el 14° Festival Internacional de Teatro “Escenarios del mundo” de Cuenca (Ecuador). Luego de una reescritura necesaria, y rebautizada, esta vez, “La estúpida escopeta” llega finalmente a nuestras tablas. Desde el Nuevo Teatro Julieta, el montaje de la Compañía Proyecto 88 y La Eme Colectivo Teatral lanza una ráfaga de versiones coherentes e incómodas sobre un extraño suceso. Un acucioso Sotomayor dirige esta propuesta lúdica con una paleta tecnicolor que seduce e intimida. 
La trama parte de una situación confusa. El inoportuno disparo de una escopeta “frustra” el suicidio de un joven que, inconforme por esta forma de morir, lleva este caso a un tribunal donde sus padres tienen mucho por aclarar ante un fantasmagórico juez.

La esposa (Requejo), el marido (Loli),
el hijo muerto (Yovera) y el fiscal (Soriano).

Esta antojadiza premisa da pie a parlamentos ácidos y cómicos, en escenas que bordean fácilmente el humor negro, la sátira social y lo políticamente incorrecto, aunque con ciertas reservas.
Las instrucciones dictadas al principio de la obra apenas sirven de presagio sobre lo que está por venir. En especial, cuando aparecen sus personajes –sin nombre específico– marcados por un esquivo carisma y mucho cinismo. El marido (gran trabajo de Gian Loli, de) y la esposa (una precisa Ethel Requejo, bien conducida entre lo coqueto y lo sensual) son un espejo de una sociedad frívola, hedonista e inconsciente. 

Henry Sotomayor, autor de la obra,
acompañado de su equipo creativo

Frente a ellos, se sitúa el hijo muerto (Luis Miguel Yovera, en un notable papel) dispuesto a encontrar a los responsables de su “fallida” muerte. La misión se complica cuando el fiscal (un lúdico y camaleónico Miguel Soriano), intenta poner algo de orden en su brumosa corte.
En esta inusual audiencia donde las jerarquías y los alegatos son objetos de fácil cuestionamiento, asoma una verdad dolorosa. Quizá, más. Y, aunque existen escenas aptas para el lucimiento personal, el montaje alcanza sus mejores momentos cuando el elenco orquesta sus enredos y persecuciones entre los edificios grises de la escenografía.
Aquí resulta clave la música del talentoso Ger Vergara que acompasa los tropiezos y coreografías de esta troupe desbocada. Tan fugaz como un disparo, “La estúpida escopeta” descarga todo su arsenal de reflexiones, verdades y tabúes sin la mayor compasión.

FICHA ESCÉNICA
“La estúpida escopeta” de Henry Sotomayor García
Dirección: Henry Sotomayor García
Elenco: Ethel Requejo, Gian Loli, Miguel Soriano y Luis Miguel Yovera
Música en vivo: Ger Vergara
Lugar: Nuevo Teatro Julieta (Pje. Porta 132, Miraflores)
Temporada: 13, 14, 20 y 21 de mayo
Funciones: martes y miércoles a las 8pm
Entradas: S/ 45 (Zona Jurado), S/ 35 (Zona Vecinos), S/ 25 (Estudiantes, jubilados y CONADIS), S/ 25 (Zona Chismosos) y S/ 22.50 (Zona Jurado - FESTIVAL DE TEATRO) en Joinnus
Un montaje de Compañía Proyecto 88 y La Eme Colectivo Teatral
Redes sociales: Facebook / Instagram
Redes sociales: Facebook / Instagram

Juventud desenfrenada

 Los años de juventud son de inevitable aprendizaje. Estas lecciones, por lo general, más despiadadas que amables, dejan una imborrable huella en la memoria, el alma y el corazón de jóvenes protagonistas mientras equilibran sus deseos, anhelos y emociones.

Owen (Bernal), Mica (Rosalino), Valentino (Billinghurst)
y Sol (Ravines) en "Las hembras no lloran

Ese delirante universo cargado de ilusiones y descubrimientos sacude con estrépito y desenfado en “Las hembras no lloran” (2023). Esta obra de título llamativo es una ‘bienintencionada’ adaptación a la realidad peruana de “Lo que quieren las guachas” (2020), sonado éxito teatral de la argentina Mariana Cumbi Bustinza.
Desde el Nuevo Teatro Julieta de Miraflores, la reciente propuesta de la Asociación Cultural La Pasión transita entre el riesgo artístico y la denuncia social con un montaje vertiginoso, crudo y, de algún modo, transgresor. Un singular desafío asumido por los directores Aldo Miyashiro y la debutante Tania López Bravo.
“Las hembras no lloran” se sostiene en una premisa inagotable en melodramas televisivos: el (des)encuentro entre pobres y ricos en algún país latinoamericano. Si bien la propuesta expone problemas sociales de fondo, el cariz ‘realista’ del montaje sucumbe al presentar una galería de personajes que linda los estereotipos.

Mariela (Arnillas) y sus hijos (Bernal y Brissolese)

De ese modo, aparece una familia de un barrio popular: Mariela (Javiera Arnillas, en un rol valiente), madre soltera bastante temperamental y corajuda; y sus hijos Owen (un aceptable Aric Bernal), un joven dedicado y soñador; y Yani (una firme y atrevida Andrea Brissolese,), una adolescente rebelde y algo ingenua. Frente a ellos, y no necesariamente contrapuestos, están tres jóvenes de un distrito exclusivo: Mica (Gia Rosalino, de buen trabajo), una universitaria estudiosa; y sus amigos Sol y Valentino (Aria Ravines y Gustavo P. Billinghurst, ambos aceptables), marcados por una vida descontrolada, ausencia de sus padres y evidentes carencias afectivas. Los enredos entre ambos mundos aportan nudos y giros interesantes. Owen y Mica, por ejemplo, inician una tierna relación; mientras que, motivado por otras razones, Valentino empiezan a salir con Yani. El destino de los otros personajes gira en torno a esos romances frágiles y furtivos, que sirven para la denunciar la marginación, la indiferencia y la defensa de los privilegios. 

La obra es una adaptación de "Lo que quieren
las guachas" de Mariana Cumbi Bustinza 

Salvo los contrapuntos musicales de Loko Pérez a la guitarra –con un desempeño vocal de los actores que debería mejorar–, el montaje se reduce a un antagonismo plano, de buenos contra malos. Aquí, las escenas más logradas son aquellas coreográficas (con música urbana) en las que el elenco mostró solvencia y desenvoltura, olvidando el nerviosismo inicial. Una escenografía funcional de biombos blancos bellamente iluminada con luces y contraluces recreó la euforia sicodélica para estos irrefrenables seres. Aunque descarnada y controvertida, “Las hembras no lloran” enlistó problemas reales y urgentes, pero desde una perspectiva ya conocida y, por tanto, predecible.

FICHA ESCÉNICA
“Las hembras no lloran” (adaptación de “Lo que quieren las guachas” de Mariana Cumbi Bustinza)
Dirección: Aldo Miyashiro y Tania López Bravo
Elenco: Javiera Arnillas, Andrea Brissolese, Gia Rosalino, Aria Ravines, Gustavo P. Billinghurst y Aric Bernal
Música en vivo: Loko Pérez
Temporada: Del 13 al 29 de octubre del 2023
Funciones: De jueves a domingo a las 8pm
Lugar: Nuevo Teatro Julieta (Pje. Porta 132, Miraflores)
Entradas: S/ 45 (Super VIP), S/ 35 (VIP), S/ 30 (General) S/ 25 (Estudiantes, adulto mayor y CONADIS) en Joinnus y en la boletería del teatro
Un montaje de la Asociación Cultural La Pasión
Redes sociales: Instagram

Cazadores de sueños

Un científico solitario y su jovial asistente observan el apacible firmamento nocturno como algo más que un simple deleite astronómico. En las estrellas, luceros y cometas que rutilan allá arriba podría albergarse alguna solución a los problemas más graves que aquejan a nuestro desesperado y caótico mundo. Pero, ¿lo encontrarán?

Cibelina (Arroyo) y Bornolio (Calderón)
 en "El soplador de estrellas"

“El soplador de estrellas”, entrañable obra del argentino Ricardo Talento, y una de las obras más representadas y queridas por la Asociación de Artistas Aficionados (AAA), ha devuelto esta lúdica fábula a nuestra escena. Esta vez, desde el Nuevo Teatro Julieta de Miraflores, la pieza aborda con sencillez y profundidad la naturaleza humana de creer en los sueños que ayuden a construir un mejor futuro, aunque aquello no lo sea todo. 
Dirigido por Yasmín Loayza, este colorido montaje presenta al excéntrico inventor y su divertida y atolondrada ayudante. Ambos personajes tejen una simpática trama de oposiciones, enredos y aprendizajes que pueden suceder a cualquier edad y en cualquier lugar donde sea posible soñar con el corazón y los pies en la tierra. Apostado en una terraza rodeado de tendales, el profesor Bornolio (un eficiente Manuel Calderón) presenta su última invención: el Estelaeróforo Retráctil, un poderoso artefacto –con apariencia de tina– capaz de apagar las estrellas. Esta inusual y algo riesgosa faena debería modificar su realidad, aunque para lograrlo requerirá una ayuda extra.

"El soplador de estrellas", una de las 
obras más queridas de la AAA

Tras publicar un aviso de empleo, aparecerá Cibelina (la grácil, jovial y activísima Ximena Arroyo). Su brillante presencia trae color y luz a la insondable personalidad de su mentor, convirtiendo así los silencios iniciales en diálogos amigables; las órdenes firmes en trabajo en equipo; la ilusión en una cualidad para todas las edades; y los anhelos propios (por muy bienintencionados que sean) en intereses comunes. Las noches pasan y pronto se dará un debate –razonable y emotivo– sobre su accionar individual y colectivo: ¿vale la pena pedir deseos para el bienestar aun a costa de apagar un cúmulo estelar?
Un detalle que aprecia el público y que la dupla de actores aprovecha inteligentemente para consolidar un vínculo honesto, espontáneo y nostálgico. Y es que Calderón y Arroyo no solo conocen sus personajes a plenitud, sino que los disfrutan en escena tanto como su audiencia interactúa con ellos desde sus butacas y, ahora, con refrescos y piqueos. La escenografía luce sobria, aunque es generosa en elementos coloridos que permiten situarnos en el hábitat doméstico y solitario de un soñador.

La propuesta es dirigida por Yasmín Loayza

El uso del espacio acierta al trasladar los movimientos de Cibelina dentro y fuera de escena e, incluso, logra contagiar el vértigo de Bornolio al desfilar por las cornisas de la azotea. La acción se traslada también al cielo imaginario por donde fulguran estrellas gracias a las bien sincronizadas proyecciones multimedia. Estas decisiones –innovadoras y necesarias– hablan de la esmerada y consecuente dirección de Loayza.
La directora ha sabido adaptar el texto original a un montaje que ha recorrido teatros, colegios, parques, plazas y festivales en Lima y el interior sin fatigarse desde 2011. Bajo una noche oscura, “El soplador de estrellas” resplandece en esta extraña dimensión –nuestra realidad– en la que los sueños suelen apagarse por temores y apatías. 

FICHA ESCÉNICA
“El soplador de estrellas” de Ricardo Talento (Argentina)
Adaptación: Yasmín Loayza
Dirige: Yasmín Loayza
Elenco: Ximena Arroyo y Manuel Calderón
Lugar: Nuevo Teatro Julieta (Pje. Porta 132, Miraflores)
Temporada: Del 11 de marzo al 14 de mayo
Funciones: Sábados y domingos a las 4pm
Entradas: S/ 35 (Adultos) y S/ 25 (Niñas y niños) en Joinnus y la boletería del teatro
Redes sociales: Facebook / Instagram
Un montaje de la Asociación de Artistas Aficionados (AAA)

Bajo la lluvia

En algún punto de la convivencia asoman las dudas. Es inevitable, pero resulta válido saber, por ejemplo, si quien te acompaña decide seguir adelante o, incluso, si esta persona mantiene su esencia como al inicio, aunque ello no sea garantía inequívoca para el futuro de la relación.

"Humedad" de Barbara Colio

El agobio por la rutina, los sueños postergados y la imposibilidad de una comunicación honesta impregnan “Humedad” (2016). Este drama íntimo de la autora mexicana Barbara Colio (Baja California, 1969) logra sumergirse en la tediosa monotonía de una pareja que olvidó la pasión como quien deja de lado su paraguas en una tarde lluviosa. 
Con un curioso planteamiento dramatúrgico, uno podría tener una impresión al leer el libreto y otra distinta significativamente al verla en escena. A sabiendas de su naturaleza episódica de escenas, personajes múltiples y una mirada cinematográfica, Yestoquelotro Teatro Estudio aceptó el desafío. Lograron estrenarla en marzo de 2020, aunque la temporada fue cancelada por la pandemia luego de tres funciones. Alcanzo sí para delinear a sus personajes (Los Unos y Los Otros), dos parejas algo disímiles interpretados con esmero por David Carrillo y Anneliese Fiedler.

David Carrillo y Anneliese Fiedler

Unos viven en un pueblo perdido en el tiempo en el que no cesa de llover, mientras que los segundos aguardan a que el clima mejore para seguir su itinerario. Coinciden en un hostal donde los mensajes se deslizan bajo la puerta y nada parece ser lo que es, salvo lo que buscan desesperadamente: una salida al infierno de su cotidianidad. Un puente a la libertad. Este juego de apariencias y rarezas está presente de algún modo en “Casi Transilvania” (2012), montaje estrenado en Lima por Escena Contemporánea en 2016. Esta vez, y con una maestría deleitable, Colio salpica dosis de fantasía, sensualidad y misticismo en los alrededores. Desfilan un santo con arraigo popular, un lugar milagroso, objetos con vida y nombre propio, y secretos de alcoba que pueden inundarlo todo… en plena lluvia. Estos elementos inusuales y premonitorios propician fugaces momentos de comedia que Carrillo y Fiedler aprovechan bien.

La propuesta fue estrenada en 2020 y volvió 
con mucha expectativa a escena este 2023

El trabajo actoral funciona en duplas por su solvencia y energía, sin embargo, podría marcarse las diferencias –o atenuarlas– entre los roles masculinos y femeninos. Algo que resulta crucial cuando ambas parejas deciden cruzar las puertas de lo esperado y transitar con expectativa por lo prohibido, mientras la lluvia –otro factor clave– anuncia lo impredecible. Bajo una escenografía, lóbrega, realista y mancomunada, el director/actor Carrillo explora la incertidumbre y el tedio que se acumulan y socavan silenciosamente las bases de la vida en común. Sin puentes sólidos, lazos comunicativos efectivos ni fórmulas innovadoras, el aniego conyugal es inminente. 

FICHA DE LA OBRA
“Humedad” de Barbara Colio
Dirección: David Carrillo
Elenco: David Carrillo y Anneliese Fiedler
Lugar: Nuevo Teatro Julieta (Pje. 132 Porta, Miraflores)
Temporada: Del 02 al 12 de marzo
Funciones: De jueves a domingo a las 8pm
Entradas: S/ 30 (General) y S/ 20 (Estudiantes, Jubilados y CONADIS) en Joinnus y en la boletería del teatro
Una producción de Yestoquelotro Teatro Estudio

Buenas lecciones

Los días de chacota y mochilas a la espalda vuelven en “Detención”. Este montaje de La Eme Colectivo Teatral toma como punto de partida a “The Breakfast Club” (1985), la icónica cinta de John Hughes sobre cinco alumnos que cumplen horas de castigo un sábado cualquiera.

"Detención" de Mónica Talavera

Escrito y dirigido por Mónica Talavera, esta adaptación aprovecha los paralelismos más sólidos del filme –sus personajes y enredos, por ejemplo– de una forma precisa. La autora logra distanciarse de las imágenes de

la película hasta sumergirse en una trama con elementos locales, buen ritmo y una travesía emocional de inicio a fin.

Y aunque ciertos ecos –perfiles, complicidades y revelaciones– resuenan inevitablemente, la obra de Talavera encuentra un cariz diferente al explorar la problemática juvenil –hogares disfuncionales y mala relación parental– a través de arquetipos estudiantiles bien definidos. En escena vemos a Catalina (una aceptable Lilian Schiappa-Pietra), la chica popular y algo frívola; Bruno (Gianmarco Loli, en un rol que podría dar más), como la estrella de fútbol del salón, y, no podría faltar, Allison (Andrea Alvarado, un buen contrapunto), la chica rara.

Allison (Alvarado), Catalina (Schiappa-Pietra),
Chávez( Pérez), Bruno (Loli) y Jaime (Menacho)

El joven elenco alcanza sus puntos más altos cuando aparecen Chávez (Diego Pérez, de excelente trabajo) el matón de la clase, y su perfecta antípoda: Jaime (Daniel Menacho en un papel a la medida), el chancón del grupo. Todos sin excepción logran desquiciar a Martínez (Fernando Pasco), el auxiliar de disciplina, quien solo los dejará salir si cumplen una serie de tareas. La excelente química entre los actores y actrices se cohesiona en un montaje disfrutable y entrañable que oculta bajo sus ocurrencias los dilemas de identidad, miedos y ausencias de sus protagonistas. También hay espacio criticar a las autoridades del sistema educativo y la falta de los padres en el hogar.

"Detención" va los viernes a las 10:30pm
en el Nuevo Teatro Julieta de Miraflores

En ese carrusel de emociones –muy de la adolescencia– da lugar a confesiones dolorosas y alertas necesarias, que podrían haber surgido de una forma más sorpresiva y menos pauteada en la dramaturgia. Con una sólida dirección y un elenco destacable, “Detención” se abre paso con frescura y originalidad en la ya noctámbula cartelera limeña. La propuesta podría acompañar a otras que, en los últimos meses, coincidentemente, han explorado la vida escolar desde ópticas más psicológicas e irreverentes. Algunos ejemplos son “El club de los olvidados” de Herbert Corimanya (Butaca A & C) o el desenfadado musical “Cero en conducta” de Mario Mendoza y Sergio Cavero (Más Arte). El reciente trabajo de La Eme Colectivo Teatral aprueba con buena nota, pero devuelve al imaginario las tareas que no se están haciendo en casa.

FICHA ESCÉNICA
“Detención” de Mónica Talavera
Dirección: Mónica Talavera
Elenco: Andrea Alvarado, Gianmarco Loli, Daniel Menacho, Fernando Pasco, Diego Pérez y Lilian Schiappa-Pietra
Temporada: Del 08 al 30 de abril de 2022
Funciones: viernes y sábados a las 10:30pm
Lugar: Nuevo Teatro Julieta (Pje. Porta 132, Miraflores)
Entradas: S/ 50 (General) y S/ 40 (Pack de 2 entradas), S/ 30 (Estudiante, Jubilado, CONADIS), S/ 35 (Pack de 3 entradas) y S/ 30 (Pack de 5 entradas a más) en Joinnus
Redes sociales: Facebook / Instagram
Un montaje de La Eme Colectivo

Días memorables

A pesar de ser una pieza breve, “La última cinta de Krapp” A pesar de ser una pieza breve, “La última cinta de Krapp” logra delinear en sus páginas los perturbadores demonios que acechan en la vida moderna. Sus monólogos impregnados de soledad y pesimismo no han perdido vigencia desde su estreno en 1958.

Gonzalo Molina en "La última cinta"

Pareciera, más bien, que este texto del autor irlandés Samuel Beckett (1906-1989) se revitaliza con dar un vistazo a la modernidad desolada, agitada e insatisfactoria que nos rodea. De esta sombría atmósfera emergió Aristóteles Picho cuando, en 2010, interpretó esta obra con la dirección de Miguel Talledo en el Centro Cultural PUCP. 
Once años después, Piso 1 Producciones recoge las opacidades del libreto original en una propuesta cargada de dolor y desesperanza montada desde el Nuevo Teatro Julieta de Miraflores. La libre adaptación y dirección de Manuel Baca Solsol logran este propósito.

La historia se sitúa en el cumpleaños de Krapp, un hombre maduro y postrado en una silla de ruedas, que suele grabar sus recuerdos en cintas para luego reproducirlas. Gonzalo Molina encarna estupendamente a este personaje, en especial, por la dualidad que lo habita.

El recordado Aristóteles Picho encarnó
a Krapp en una propuesta de 2010.

Su actuación es un lienzo teñido de dolor (físico y moral) y añoranza desde el que fluyen también saludables episodios de felicidad. Entre ellos, los paseos por una apacible playa o al recordar a una misteriosa mujer llamada Bianca en una escena inquietante y tierna en la que el solitario protagonista “conversa” con un maniquí. 
Estas evocaciones se tornan lóbregos cuando lanza su desprecio a la juventud que lo ha abandonado, o cuando piensa en la enfermedad del padre y la viudez de la madre. El Krapp de Molina conjuga lo visceral y lo emotivo con dosis de pesimismo y arrogancia.

A nivel narrativo, la transición de tiempos a través de un funcional empleo de luces y un buen manejo de cámaras aportan una perspectiva cinematográfica que potencia lo escénico, aunque podría revisarse si los acordes criollos del inicio suman al contexto de la historia.

"La última cinta" de Piso 1 Producciones

Un detalle interesante: este no es el primer de “Beckett” de Piso 1 Producciones. Durante la pandemia, esta prolífica productora ha estrenado “Fragmentos”, “Nacimiento” y “Salto en sepia”, adaptaciones virtuales que nos aproximan al universo existencialista de este autor considerado padre del “teatro del absurdo”.

Todo este bagaje moldea este montaje hasta convertirse en un retrato de dilemas sensible e inconclusos. “La última cinta” delata el entusiasmo de quienes se refugian en el pasado para olvidar por un momento que el ocaso de la vida se acerca irremediablemente.

FICHA ESCÉNICA
“La última cinta”, adaptación de Manuel Baca Solsol
Inspirada en “La última cinta de Krapp” de Samuel Beckett
Dirección: Manuel Baca Solsol
Elenco: Gonzalo Molina
Lugar: Nuevo Teatro Julieta (Miraflores)
Entradas: S/ 30 (Acceso por 48 horas)
Plataforma: Joinnus
El streaming estará disponible hasta el 14 de agosto
Adquiere tus entradas en este enlace
Una producción de Piso 1 Producciones y Cindy Díaz