Obras Kortas: temporada 2024-1

Teatro Studio Barranco ha estrenado una agradable temporada de verano con piezas escénicas de formato corto. Y es que “Obras Kortas” es una experiencia cultural que integra una noche de bar, karaoke y montajes divertidos como “Princesas barranquinas”, “Apego” (que fuera reemplazada por “El correcaminos”), “La historia de tu vida” y “Día de suerte”).

Obras Kortas 2024-1

Como es habitual, en los intermedios de 15 minutos o un poquito más, el público puede acudir a la barra, abierta desde las 7pm, para tomar algún traguito o pedir algún piqueo para su amena velada teatral. 
Con el pedido en mano, solo queda disfrutar del menú teatral de esta primera temporada.

“Princesas barranquinas”
Esta breve historia escrita por Nicolás Tete tiene poco de fantasía y sí mucho de pesadilla. Diana (Daniella Stornaiulo) encarna a Elsa, una de las princesas del mundo Disney, que, en realidad, anima shows infantiles. Encerrada en el baño, está indecisa sobre salir a cantar en la fiesta de cumpleaños del hijo de su ex novio. Esta situación anecdótica basta para abordar temas que escapan al universo de los cuentos de hadas. Los más importantes, quizá, son la resiliencia y la dignidad del artista ya que “la función debe continuar” pese a los problemas personales. Y la necesidad de acabar las historias con finales adecuados, no felices. Todo un desafío para ella y sus “delicadas” y alegres cómplices: la Sirenita (Alexa Montoya) y Blanca Nieves (Gretha Bazán). Con más humorada que filosofía, y detalles logrados (el vestuario o el sonido), este aperitivo escénico dirigido por Manchi Ramírez es una previa de lo que está por venir.

"La historia de tu vida" con Fabiola Vargas
y Pedro Olórtegui

“El correcaminos”

Aunque inicialmente estuvo programada “Apego”, se anunció como siguiente obra “El correcaminos”, pieza escrita y dirigida por Jesús Neyra. Esta sorpresiva decisión resultó muy acertada. Durante un cuarto de hora, presenta –de forma episódica– los estragos de la ludopatía, una enfermedad que está donde menos lo imaginas.

Daniel (Santiago Torres, solvente y preciso) da vida a estos capítulos. En cada uno se muestran sus (video) llamadas –bien pauteadas sobre la pantalla– con Ramiro, su apesadumbrado mejor amigo; su novia, tan caprichosa como dilapidadora; Balaguer, su exigente jefe; y un hombre sospechoso. 

Su vida es una carrera contra el reloj y contra sí mismo y, por tanto, no hay lugar para la lealtad. La escenografía (un trotadora sobre la que corre el protagonista) y el ecran dialogaron de forma brillante y funcional con datos y estadísticas reales sobre el juego compulsivo en una historia arriesgada y vertiginosa.

“La historia de tu vida”

Entrando a un campo más convencional, se encuentra esta pieza de Pedro Pablo Picazo dirigida con eficiencia por Jennifer Woytkowski. El destino y el libre albedrio son vistos desde una perspectiva meta-teatral de solo observar sus personajes: una jovencita (Fabiola Vargas) y el escritor de su vida (Pedro Olórtegui).
Ambos coinciden en un plano impreciso, atemporal, posible y con apariencia de oficina. Ella desea cambiar su vida –más de uno habrá anhelado lo mismo alguna vez–, pero descubrirá que las historias ficticias como las de la vida real siguen lógicas que difícilmente se pueden entender o cambiar.
Este interesante juego de meta-teatralidad sobre los azares del destino cuenta con buenas actuaciones –en especial, el trabajo de Olórtegui– y una dramaturgia que entrega sutiles metáforas y pinceladas de sobrio humor. Y es que los espectadores somos también dos papeles en blanco en busca de emociones.

“Día de suerte”

"Día de suerte" con Claudio Calmet y
Sergio García Blásquez

Esta es, sin duda, la mejor forma de culminar las noches de ficciones breves en el Teatro Barranco. “El día de mi suerte”, texto con la autoría y dirección de Francisco Cabrera, que, más que una comedia fresca y ocurrente sobre el oficio teatral, es un manifiesto profano y desenfadado de los teatreros en todo tiempo.

En un ejercicio de delirante catarsis, un psicoanalista (Claudio Calmet) recibe en consulta a su paciente, un actor de nombre indescifrable (Sergio García-Blásquez), para controlar su ira. Sus infortunios –escenificados por ambos notablemente– son recuerdos dolorosos y trágicos que irónicamente causan pura carcajada.

Todos los excesos y sacrificios de su vida inspiran a un camaleónico Calmet (en cada rol que realiza) y un hilarante García-Blásquez en la piel de un artista neurótico y apasionado. Dos actores inmersos en una propuesta que se burla de los paradigmas académicos y pragmáticos –nada benevolentes– para quienes viven de la escena. 

FICHA ESCÉNICA
“Obras Kortas”
Primera Temporada (Del 17 de enero al 28 de febrero)

“Princesas Barranquinas”
Dirección: Manchi Ramírez
Dramaturgia: Nicolas Tete
Elenco: Gretha Bazán, Daniella Stornaiulo y Alexa Montoya

“Apego”
Dirección y dramaturgia: Jesús Neyra
Elenco: Vania Torres y Marines Acosta
Producción: Diana Chacaliaza para Red Sun

“El correcaminos” (obra de reemplazo)
Dirección y dramaturgia: Jesús Neyra
Elenco: Santiago Torres y Marines Acosta

“La historia de tu vida”
Dirección: Jennifer Woytkowski
Dramaturgia: Pedro Pablo Picazo
Elenco: Fabiola Vargas y Pedro Olórtegui
Producción: Butaca Films

“Día de suerte”
Dirección y dramaturgia: Francisco Cabrera
Elenco: Claudio Calmet y Sergio García Blásquez
Producción: Los Asombrosos Sombreros

Funciones: Todos los miércoles a las 8pm
Lugar: Teatro Studio Barranco (Av. Grau 701, Barranco)
Entradas: Atráplo.pe y en boletería del teatro
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Miradas personales

El 23° Festival Saliendo de la Caja ha iniciado una nueva edición con el impulso y entusiasmo de los estudiantes de la Facultad de Artes Escénicas (FARES) de la Universidad Católica. Una colorida gala de inauguración da cuenta de sus ganas por aprender y emprender su camino como futuros artistas escénicos.

El festival se realizará del 17 de enero
al 04 de febrero en el CCPUCP.

En su primera semana se presentaron dos trabajos unipersonales. Ambas miradas han aprendido a combinar los recursos virtuales (chats, emojis y audios) y audiovisuales (videos caseros) con técnicas escénicas en una síntesis, por demás, curiosa. Un detalle que, aunque válido, podría animar fácilmente un debate de verano.

Con un estilo personal e íntimo, estos proyectos intentan responder las inquietudes de sus jóvenes creadoras: una esquiva necesidad de autoafirmación o el desahogo ‘diferido’ por las pérdidas familiares. Sea por una u otra razón, cabría preguntarse si tantas particulares juntas resultan funcionales ante espectadores tan disímiles.

SABER DECIR ADIÓS
“Entretejer-me” transita por la nostalgia de una familia incompleta. En un breve repaso –apenas 45 minutos–, la creadora e intérprete Sofía Cuadros presenta a sus parientes, los más queridos, quizá: su abuelo paterno, sus dos abuelas y, el más reciente, su perrito Hipo, a quienes fue perdiendo en la última década.

La creadora Sofía Cuadros

Pero lejos de situarse en la melancolía, la artista ha preferido pintar un retrato de anécdotas, pasatiempos y frases que resuman la personalidad asombrosa desde su cotidianeidad de cada uno de ellos. Estos cuatro duelos dejan entrever su nueva relación con ellos, de un modo más jovial, desenfadado y respetuoso.
Cuadros logra invocarlos a través de sus antiguas pertenencias (máquina de coser, un quepí o una, ropa de mascota), aunque, sin profundizar tanto por tratarse de cuatro ausencias. Y, aunque la virtualidad ayuda a llenar esos vacíos, a veces, su irrupción o mala calidad de audio “quiebra” la atmósfera intimista y solemne.
En especial, la que fluye cuando el público es invitado a compartir el duelo tomando una foto ‘a destiempo’ o leyendo una carta inédita. Como aquellos hilos rojos de la tradición oriental, “Entretejer-me” los agita hasta hacerlos vibrar en cada despedida que bien merece una fiesta –en familia y en equipo– para agradecer la vida. 

MI NIÑA INTERIOR
“Siempre x nunca x jamás: o una muñeca de nadie jugando sola” va por un sendero distinto. La exploración de Fernanda Mía trae al presente los recuerdos de una infancia agridulce que emerge con preguntas lacerantes sobre la identidad, la aceptación del tiempo y otras que, por lo general, se ignoran a tan corta edad.
Mía ha seleccionado cuidadosamente las referencias literarias (“Peter Pan” y “Alicia en el país de las maravillas”) sobre las que desliza estos dilemas modernos. Pero también los utiliza como un puente a la imaginación o un escape al delirio que se entremezcla, para alivio de la audiencia, con las cintas caseras y familiares.

La creadora Fernanda Mía

El desafío –o problema, quizá– es que esta mixtura de discursos podría desconcertar al espectador más atento en 40 minutos de densa alucinación. El montaje encuentra ese equilibrio cuando aparecen sus dos personajes polares (Bebé trueno y Mía) unidos por Yuyi, una desbocada muñeca rubia que ha perdido el control de la situación.
El uso de objetos es plausible. Mía ha dispuesto castillos de princesas, decenas de muñecas y ajuares de bebé colgados del techo para acercarse a la intimidad de una alcoba infantil. Aunque evocadora, “Siempre x nunca x jamás: o una muñeca de nadie jugando sola” es solo el preludio de solitarias preguntas que buscan una respuesta.

FICHA DEL FESTIVAL
“Entretejer-me”
Unipersonal de Sofia Cuadros
Dirección y Dramaturgia: Sofia Cuadros
Asistente de dirección: Milagros Flores, Melany Prada y Kiara Quispe
Apoyos en escena: Milagros Flores, Melany Prada, Gerson Borja Huallpa
Producción: Melany Prada
Asistente de producción: Daniela Hidalgo
Asistente técnica: Antuane Sahuay y Gerson Borja Huallpa
Pianista: José Jesús Navarro Balbín
Violonchelista: Lucero Navarro Balbín
Funciones: jueves 18 y viernes 19 de enero a las 8pm

“Siempre x nunca x jamás: o una muñeca de nadie jugando sola”
Unipersonal de Fernanda Mía
Dirección y dramaturgia: Fernanda Mía
Producción: Armando Pérez Piscoya
Director y consultor técnico: José Miguel Pecho
Funciones: sábado 20 de enero a las 8pm y domingo 21 de enero a las 7pm

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Sor-presa navideña

La llegada de la Navidad supone algo más que recibir obsequios. Es también la ocasión de resolver frecuentes conflictos y olvidar las diferencias. Los protagonistas de “Mi mujer, la monja y yo”, un hombre y una mujer con unos diez años de vida marital así lo creen.

Paola Vera, Paco Varela y Cynthia Bravo en
 "Mi mujer, la monja y yo" 

Esta comedia de La X Productora está inspirada en “La monja”, famosa pieza de Alfonso Paso (1926–1978), uno de los autores españoles más prolíficos del siglo XX. Bajo la reescritura del multifacético Paco Varela, la historia se recarga de irreverencia y humor genuinas. La creatividad de Varela puede disfrutarse desde sus llamadas a escena.
Bajo la dirección de Caroll Chiara, su cómplice escénica y conyugal, el texto ya adaptado desarrolla una premisa cotidiana: una pareja de casados que intenta recomponer su deteriorada relación en una noche infructuosa y atípica en la que recibirán la peculiar visita de una monja.
La puesta comienza con las habituales discusiones entre Julio (un preciso e histriónico Varela) y Meche (la aceptable Cynthia Bravo). A pesar de sus continuas riñas y peleas, esta pareja sigue casada diez años como si fuera un guiño a la realidad sentimental de muchos.

Esta comedia está inspirada en "La monja", 
pieza del español Alfonso Paso

Varela brilla en un rol a la medida: es una faceta ya explorada al que sabe añadir frescura y personalidad gracias a sus dotes técnicos e improvisación.
Bravo, más habituada a roles dramáticos y psicológicos, revela su vena cómica irradiando calidez, complicidad y buena química a su contraparte, sobre todo, en las escenas de los desplantes. La aparición de Sor Angélica (la muy destacable Paola Vera) cortará los intentos –ya fatigosos y reiterativos– de ruptura/reconciliación de este par. Con irónico encanto, Vera compone un personaje carismático y risueño envuelto en las buenas intenciones de un hábito religioso.
La dirección de Chiara aprovecha con inteligencia a su elenco. Con ellos logra hilar una divertida parodia sobre los cónyuges “perfectos”, que no existen ni en la ficción. Y guía los reflectores a la esfera privada de las personas con secretos y episodios que nos gustaría olvidar.

La monja (Vera) aparece como caída del cielo

A nivel técnico, la iluminación y los efectos sonoros (voz en off y otros más reproducidos) están bien pauteados. Y, si bien el espacio define tres áreas (la sala, el pequeño recibidor y la habitación de la madre de la esposa), debería procurarse que la escenografía –realista al detalle– no interfiera con el desplazamiento de los actores. Risueña y atrevida, “Mi mujer, la monja y yo” satiriza sobre esa manía “humana” de juzgar sin reparos. Este montaje de La X Productora –el sétimo y último del año– augura una nueva temporada de risas y reflexiones que bien valen todos los esfuerzos –y tropiezos– vividos tras bastidores para reunirnos en el teatro. 

FICHA ESCÉNICA
“Mi mujer, la monja y yo”, libre adaptación de “La monja” de Alfonso Paso (España)
Dramaturgia: Paco Varela
Dirección: Caroll Chiara
Elenco: Paco Varela, Cynthia Bravo y Paola Vera
Temporada: Del 03 al 26 de noviembre del 2023
Funciones: Viernes, sábados y domingos a las 8pm
Lugar: Centro Cultural CAFAE-SE (Av. Arequipa 2985. San Isidro)
Entradas: S/ 50 (Zona Celestial), S/ 40 (Zona Pasional) y S/ 30 (Zona Infernal) en Joinnus y boletería del teatro
Un montaje de La X Productora
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Susurros premonitorios

La inevitable muerte de una madre es capaz de quebrar los silencios de sus hijos: tres varones ya adultos. Esta situación límite no solo reunirá nuevamente a estos hermanos para afrontar algo más que la pérdida de su progenitora, sino que será el pretexto para terminar de conocerse y, por qué no, de reconocerse.

Lorenzo (Baca), Nicolás (Chávez)
y Gustavo (Arce) en "Infusión"

“Infusión” (2023), la reciente obra del prolífico Eduardo Adrianzén (Lima, 1964), propone desentrañar los secretos fraternales con una mirada aguda, cómica e indiscreta, un recurso desarrollado a lo largo de sus libretos escénicos y televisivos.
Desde esa óptica, cuestiona ciertos tabúes y paradigmas de nuestra sociedad conservadora y machista. Con dosis de humor y frases irreverentes, la pieza se sumerge en la mentalidad de estos hombres que, aunque mayores, son, en esencia, pequeños aprendices. Y es que, a pesar de sus edades, la vocación, la sexualidad y los compromisos sociales son algunos temas que los conflictúan.
La propuesta que codirige Adrianzén con Óscar Carrillo equilibra los momentos peliagudos y dolorosos con acertados contrapuntos confidenciales, musicales (la nueva trova) e, irónicamente, cómicos. Los personajes están claramente ideados para este fin.

Yaremís Rebaza interpreta a las tres enfermeras
llamadas Jady, July y Jenny  

Están Gustavo (Giovanni Arce, de buena presencia), el hermano mayor y encargado del negocio familiar; Nicolás (un preciso Rodrigo Chávez), el segundo, quien, además, rehúye a la idea de casarse; y finalmente Lorenzo (un aceptable Jano Baca), el menor, quien quiere dejar una buena carrera para seguir su verdadera vocación.
A esta inconfundible galería de arquetipos juveniles se suma una sobresaliente actuación de Yaremís Rebaza. Ella encarna con gracia y encanto a las tres enfermeras (Jady, July y Jenny) que asisten a la desahuciada mujer con un trabajo eficiente y detallista. 
Por ejemplo, le basta sujetar el cabello o cambiar su acento para diferenciar a una joven creyente y de otra más atrevida. Esta disparidad de personalidades entre hermanos y técnicas sostiene al montaje y lo rescata de su densidad narrativa del inicio.

Desde una cama de hospital, y oportunamente de espaldas al público, la desahuciada mujer yace inmóvil, pero no silente causando cierta sorpresa y confusión que se resuelve a medida avanza la trama. El uso del espacio y la iluminación son esenciales para elaborar las atmósferas de complicidad, coquetería y confesión.
Con “Infusión”, Adrianzén logra afianzar la visión de su propia dramaturgia de primera mano. Pero logra algo más: invitarnos a aceptar que la madurez puede llegar a cualquier edad y que las grandes lecciones de vida se aprenden, incluso, con la muerte.

FICHA ESCÉNICA
“Infusión” de Eduardo Adrianzén
Dirección: Óscar Carrillo y Eduardo Adrianzén
Elenco: Giovanni Arce, Jano Baca, Rodrigo Chávez y Yaremís Rebaza
Temporada: Del 19 de octubre al 13 de noviembre
Funciones: viernes, sábado y lunes a las 8:30pm / domingo a las 8pm
Lugar: Auditorio del Británico Cultural (Ca. Bellavista 531, Miraflores)
Entradas: S/ 30 (General) y S/ 25 (Estudiantes, jubilados y CONADIS) en Joinnus y en la boletería del teatro
Un montaje de Luftbalun
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Noche de luna llena

Dos personajes en el callejón de una vieja quinta. Hacia el fondo, se acomoda la decadencia de un tugurio; hacia afuera, en la calle, la gente que pasa distraída y la que no –el público de esta función– observa la escena con mirada nostálgica y curiosa.

Juana (Cristina) y Luis (Chunga) en "Valsecito del 90"

Todos estos ingredientes esenciales en un montaje costumbrista con toques modernos aparecen en “Valsecito del 90” (2023). Esta creación colectiva del Grupo de Teatro Llaqta toma como referencia importante a “Valsecito del 40”, texto del recordado Grégor Díaz (1933-2001), que aborda las posibilidades de una ciudad en formación. 
Bajo la dirección de Florencia Guzmán, responsable de la adaptación, esta propuesta refleja, entre aires de añoranza y punteos de guitarra criolla, las vicisitudes de dos jóvenes en épocas de descubrimiento. Eran buenos tiempos para recordar la simpleza de la vida.
A través de sus diálogos, Juana (Yesenia Cristina, en un rol atrevido) y Luis (Willem Chunga, en buen contrapunto inocente) van develando episodios poco conocidos de sus vidas, con sutileza, encanto e ingenuidad. Cada uno asedia al otro desde su personalidad.

Florencia Guzmán dirige esta propuesta
sobre las vida de dos jóvenes en en Lima

Sus conversaciones –de estilo un tanto absurdo y azaroso– se enredan lúdicamente entre juegos de infancia, letras de canciones y diversas referencias populares.
En ese entramado temático, el fútbol peruano, la política del país o una película extranjera bastan para reflexionar sobre el amor, los sueños, la pobreza o el futuro.
Cristina y Chunga exhiben química y buen timing juntos, un detalle esencial para una historia con dos personajes. Su trabajo en conjunto es aceptable y nos sumerge en una relación singular: honesta y, por momentos, directa; amistosa, sugerente y desconcertante. 
Uno de los aspectos más logrados es la estética de su escenografía. Las sábanas y ropas tendidas en cordeles dan la ilusión de estar en un callejón con atmósfera espectral, acentuado con las luces de diversas tonalidades, el humo de escenario y la proyección multimedia.

El Grupo de Teatro Llaqta ha rescatado
la dramaturgia de Grégor Díaz

Sería interesante que esta adaptación aprovechara mejor y mostrara más referencias a la época a la que alude (los años 90 y el cambio de siglo).
Por ejemplo, el ascenso y caída del régimen fujimorista, el destape de su galopante corrupción y la pálida esperanza de un mejor país. Al margen de ello, es rescatable que el Grupo de Teatro Llaqta devuelva a la escena actual la dramaturgia de Díaz.
En especial, porque releva la vigencia de su texto visionario, el cual, en 1976, alcanzó una mención honrosa en el Concurso de obras de corto reparto del Teatro Universitario de San Marcos. Tantas lunas después, la ciudad de los reyes creció como quiso o pudo, y, casi siempre, de espaldas a la planificación y el orden.

FICHA ESCÉNICA
“Valsecito del 90” (adaptación de “Valsecito del40” de Grégor Diaz)
Adaptación y dirección: Florencia Guzmán
Elenco: Yesenia Gloria Cristina y Willem Chunga
Dirección de arte: Carla López
Musicalización y diseño sonoro: Eduardo Arana
Temporada: Del 20 al 29 de octubre de 2023
Funciones: Viernes y sábados a las 8pm / Domingos a las 7pm
Lugar: Asociación de Artistas Aficionados (AAA) (Jr. Ica 323, Lima)
Entradas: S/ 35 (General) y S/ 25 (Estudiante) en Joinnus y boletería del teatro
Un montaje de Grupo de Teatro Llaqta
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Juventud desenfrenada

 Los años de juventud son de inevitable aprendizaje. Estas lecciones, por lo general, más despiadadas que amables, dejan una imborrable huella en la memoria, el alma y el corazón de jóvenes protagonistas mientras equilibran sus deseos, anhelos y emociones.

Owen (Bernal), Mica (Rosalino), Valentino (Billinghurst)
y Sol (Ravines) en "Las hembras no lloran

Ese delirante universo cargado de ilusiones y descubrimientos sacude con estrépito y desenfado en “Las hembras no lloran” (2023). Esta obra de título llamativo es una ‘bienintencionada’ adaptación a la realidad peruana de “Lo que quieren las guachas” (2020), sonado éxito teatral de la argentina Mariana Cumbi Bustinza.
Desde el Nuevo Teatro Julieta de Miraflores, la reciente propuesta de la Asociación Cultural La Pasión transita entre el riesgo artístico y la denuncia social con un montaje vertiginoso, crudo y, de algún modo, transgresor. Un singular desafío asumido por los directores Aldo Miyashiro y la debutante Tania López Bravo.
“Las hembras no lloran” se sostiene en una premisa inagotable en melodramas televisivos: el (des)encuentro entre pobres y ricos en algún país latinoamericano. Si bien la propuesta expone problemas sociales de fondo, el cariz ‘realista’ del montaje sucumbe al presentar una galería de personajes que linda los estereotipos.

Mariela (Arnillas) y sus hijos (Bernal y Brissolese)

De ese modo, aparece una familia de un barrio popular: Mariela (Javiera Arnillas, en un rol valiente), madre soltera bastante temperamental y corajuda; y sus hijos Owen (un aceptable Aric Bernal), un joven dedicado y soñador; y Yani (una firme y atrevida Andrea Brissolese,), una adolescente rebelde y algo ingenua. Frente a ellos, y no necesariamente contrapuestos, están tres jóvenes de un distrito exclusivo: Mica (Gia Rosalino, de buen trabajo), una universitaria estudiosa; y sus amigos Sol y Valentino (Aria Ravines y Gustavo P. Billinghurst, ambos aceptables), marcados por una vida descontrolada, ausencia de sus padres y evidentes carencias afectivas. Los enredos entre ambos mundos aportan nudos y giros interesantes. Owen y Mica, por ejemplo, inician una tierna relación; mientras que, motivado por otras razones, Valentino empiezan a salir con Yani. El destino de los otros personajes gira en torno a esos romances frágiles y furtivos, que sirven para la denunciar la marginación, la indiferencia y la defensa de los privilegios. 

La obra es una adaptación de "Lo que quieren
las guachas" de Mariana Cumbi Bustinza 

Salvo los contrapuntos musicales de Loko Pérez a la guitarra –con un desempeño vocal de los actores que debería mejorar–, el montaje se reduce a un antagonismo plano, de buenos contra malos. Aquí, las escenas más logradas son aquellas coreográficas (con música urbana) en las que el elenco mostró solvencia y desenvoltura, olvidando el nerviosismo inicial. Una escenografía funcional de biombos blancos bellamente iluminada con luces y contraluces recreó la euforia sicodélica para estos irrefrenables seres. Aunque descarnada y controvertida, “Las hembras no lloran” enlistó problemas reales y urgentes, pero desde una perspectiva ya conocida y, por tanto, predecible.

FICHA ESCÉNICA
“Las hembras no lloran” (adaptación de “Lo que quieren las guachas” de Mariana Cumbi Bustinza)
Dirección: Aldo Miyashiro y Tania López Bravo
Elenco: Javiera Arnillas, Andrea Brissolese, Gia Rosalino, Aria Ravines, Gustavo P. Billinghurst y Aric Bernal
Música en vivo: Loko Pérez
Temporada: Del 13 al 29 de octubre del 2023
Funciones: De jueves a domingo a las 8pm
Lugar: Nuevo Teatro Julieta (Pje. Porta 132, Miraflores)
Entradas: S/ 45 (Super VIP), S/ 35 (VIP), S/ 30 (General) S/ 25 (Estudiantes, adulto mayor y CONADIS) en Joinnus y en la boletería del teatro
Un montaje de la Asociación Cultural La Pasión
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Pasajes literarios

 ¿Y si nuestra literatura tuviera una serie de pistas o rastros con los que armar nuevos mensajes? Entre el riesgo y la intuición, “Lo mismo lo distinto, tejidos delirantes” (2023) –reciente montaje de El Quipu Enredado– explora las puertas a lo literariamente infinito e inédito.

"Lo mismo lo distinto", creación colectiva
de El Quipu Enredado

Esta experiencia “convoca” a doce autores nacionales: novelistas, poetas y dramaturgos, que en algunos casos no llegaron a compartir tertulias ni polémicas en vida por cuestiones temporales. Bajo las órdenes de Roberto Sánchez-Piérola –también director del grupo Cuer2 Teatro– la propuesta fluye con una codificación más que ingeniosa. 
En ella, Conny Betzabé, Godo Lozano y Francisco Rodríguez, sus intérpretes, se van corporizando a través de fragmentos literarios de 13 obras peruanas, dispares en género y estilo, pero curiosamente ligadas por su búsqueda de identidad y la necesidad de arraigo.
Estos extractos (oraciones, frases cortas y versos) fueron seleccionados cuidadosamente para brillar por su organicidad, coherencia, sonoridad y emotividad en escena. Algo llamativo para autores disímiles y cuya producción literaria cubre un espacio entre 1947 y 2011.

La propuesta emplea extractos de novelas, 
poemas y obras de teatro de 12 autores peruanos

Antes de parecer arbitrarios o azarosos, este artilugio les conferirá un primer sentido al relacionarse entre sí a pesar de desconcertar a la audiencia en sus momentos iniciales.
No obstante, este juego de El Quipu Enredado propone algo más que un simple intercambio textual. Poco a poco, mostrará también una conexión causal –o casual– entre autores evocados y espectadores convidados, gracias a sus mensajes cargados de actualidad y desencanto. El delicado texto “armado” en colectivo deleita como si tratara de un déjà vu constante. 
Además de aprovechar el ludismo funcional, poética simplicidad y armonía diegética del “libreto”, los tres intérpretes logran añadir una plástica presencia que no se desvirtúa con el empleo de las máscaras, títeres y otros elementos como copas o estuches.

Este sugerente proyecto cuenta con la
dirección de Roberto Sánchez Piérola

Sin aspavientos ni protagonismos, el elenco logra mimetizarse con las frases en medio de ágiles movimientos y miradas cómplices que calan en un público ya dispuesto a construir su propia experiencia. El apoyo técnico al compaginar las palabras/acciones con su libro de origen (debajo pueden leerse las referencias) es fundamental.
Es loable esta misión por rescatar autores de nuestro –ignorado– Parnaso y proponer una relectura capaz de interpelar a una audiencia inmersa en la fugacidad de la pantalla táctil. Ante ello, el vaivén literario de “Lo mismo lo distinto” resuena con la fidelidad y el escepticismo que perduran en los libros. 

Textos de partida
-Narrativa: “Las noches hundidas” de José Antonio Bravo (1968), “Aprendizaje de la limpieza” de Rodolfo Hinostroza (1978), “Cuarto Desnudo” de Carlos García (1996) y “56 días en la vida de un frik” de Morella Petrozzi (1996) 

-Poesía: “La mano desasida” de Martín Adán (1961), “Hotel del Cuzco” de Pablo Guevara (1972), “Limpios de Tiempo” de Mary Soto (1998), y “Concierto Animal” de Blanca Varela (1999) 

-Literatura dramática: “Amor, gran laberinto” de Sebastián Salazar Bondy (1947), “La ciudad de los reyes” de Hernando Cortés (1967), “Tierra o muerte” de Hernando Cortés (1986), “Qoyllur Ritti” de Delfina Paredes (1998) y “Nuestra señora de los desmadres” de Alfredo Bushby (2011) 

FICHA ESCÉNICA
“Lo mismo lo distinto, tejidos delirantes”
Creación colectiva de El Quipu Enredado
Dirección: Roberto Sánchez-Piérola
Elenco: Conny Betzabé, Godo Lozano y Francisco Rodríguez
Funciones: Domingos 07, 14, 21 y 28 de mayo, 04, 11 y 18 de junio.
Última función: 16 de julio a las 7pm
Lugar: Casa de la Literatura Peruana (Jr. Ancash 207, Centro de Lima).
Ingreso libre por estricto orden de llegada