Pesadillas de autor

Desde 2010 Panparamayo Teatro ha recurrido a la creación colectiva como un ejercicio que explotar en escena. En “Vida de miel”, sugerente trabajo grupal, la exploración introspectiva a través de ensoñaciones revela esa senda sinuosa y vaporosa que recorre la inspiración de un músico atormentado.

La puesta desenreda estas febriles ilusiones surgidas de recuerdos y experiencias cotidianas e inevitables. 

Es la inspiración manchada de frustración y violencia. Dirigida por Marco Otoya, el montaje combina música en vivo y surrealistas cuadros hacia un camino, en apariencia, inconcluso.

La historia presenta a un compositor perturbado (Loko Pérez con performance musical en vivo). Él busca en sus ensayos el acorde y la letra precisa para su canción, mientras su estimulada imaginación realiza una catarsis sicológica con episodios lejanos de temores y fracasos que resultan incómodos y vívidos.

CONTRA LA MORAL

Cada uno de los cuadros (excéntricos y absurdos, a ratos) revela una línea de violencia y lucha de poderes. La sensibilidad (o indiferencia) llevará a cada espectador hacia la sorpresa, repudio o incertidumbre frente a cada historia. Podría desatacarse la escena del reality show y aquella en la que una pareja prefiere discutir trivialidades para huir de su relación como las más logradas.

La puesta es sostenida por un elenco de buen desempeño. La exigencia física –hay mucha entrega– y la perfecta sincronía de sus apariciones dinamiza lo que la historia quizá dejó escapar hacia el final de la puesta. 
Un mayor equilibrio entre los cuadros y el dilema principal habría ayudado.

No se trata de buscar una resolución en concreto, sino de percibir una evolución a lo largo de la obra. Y, sobre todo, evitar las distorsiones y manejar el audio adecuadamente en un recinto como Ensamble.  El “desconcierto” conseguido con tino es opacado por cierta confusión sonora que perturba más de la cuenta. Bien o mal, “Vida de miel” no es una propuesta dulce o complaciente, sino el resultado de vivir en una realidad en la que ya no se puede cantar a la belleza en sosiego. Y eso es más aterrador que cualquier pesadilla. La temporada de esta puesta culminará el 15 de febrero en el Teatro Ensamble de Barranco.

DATO: En febrero, Panparamayo participará en el II Festival Itinerante de Teatro Latinoamericano Âmbar (FITLÂ) en Salvador de Bahía, Brasil.

Ficha escénica

“Vida de miel”, creación colectiva

Dirección: Marco Otoya

Elenco: Moyra Silva, Mario Ballón, Sandro La Torre, Bruno Ocampo, Loko Pérez

Lugar: Teatro Ensamble (Av. Bolognesi 397, Barranco)

Producción Ejecutiva: Pamela Puglianini

Asistencia de Producción: Diego Liceras

Temporada: del 15 de enero al 15 de febrero

Las funciones van de jueves a domingo 8pm

Entradas: S/. 25 (General) y S/. 15 (Estudiantes)

Más informes en el evento de la obra

Un montaje de Panparamayo Teatro

Madre Amazonía

El 1 de enero de 2015 el canal 7 transmitió “Amazonía y el Bosque de las Maravillas” (2014), una notable puesta algo inadvertida en su momento. Con una temporada entre mayo y setiembre del año pasado, en la Biblioteca Nacional del Perú (BNP) de San Borja, este post rescata a uno de los trabajos más originales y de gran formato del año pasado.  

Colorida escenografía

Este montaje escénico-musical de la Asociación Cultural Escena Perú, reedita esta premisa. Escrita y dirigida por Gloria María Solari, su historia mágica, lúdica y colorida revalora la armonía como principio de coexistencia en la naturaleza. Aunque su epicentro se sitúa en la selva, la perspectiva “citadina” no invalida su mensaje de protección del medio ambiente, sino que inspira una “reconciliación” simbólica con una mirada pura de dos pequeñas niñas. Un buen trabajo que trae a la memoria “Amazonía… Corazón del planeta”, estrenado por Solari en 2011, en el Teatro Municipal de Lima.

SELVA MISTERIOSA

La historia reúne a Miranda, una niña de la ciudad que siente el llamado de Amazonía, la princesa de la selva que busca proteger sus frágiles reinos. Con ellas, Solari ideó y escribió con ingenio y libertad una puesta que, al dirigirla, logra conectar estética y narrativamente con el público infantil y adulto.

Chuy (Solari) y Chullachaqui (Gálvez)

Ayudado por una alucinante y colorida escenografía de Rember Yahuarcani, el trabajo se redondea con el desempeño actoral, vocal y coreográfico de un elenco elegido con tino. Unaya, el sabio guardián (Reynaldo Arenas con una actuación lúcida y completa) guía a Miranda por la selva y sus cambios durante el día y noche. Ni tan villanas, pero sí muy divertidas aparecen Zelma Gálvez, el Chullachaqui, un espíritu del bosque intimidante y cómico, aunque no tanto como la perezosa Chuy (una multifacética Solari), el personaje más carismático y grácil de la obra. 
La comparsa amazónica incluye un papagayo revoltoso (un eficiente Germán Loero), la maléfica serpiente (bien encarnada por Connie Chaparro), una tortuga de río (Kukuli Morante de buen registro) y un grillo olvidadizo (un divertido papel de Francesca Solari).

MIRADAS PUERILES

Los dos personajes infantiles, de despliegue aceptable, interactúan con un coro de 50 niños de la etnia shipibo-conibo con los que el mensaje cobra vida, color y tradición. Podría afirmarse que su performance coreográfica –por pasajes acuáticos, forestales y terrestres– “pintan” una selva desde las butacas.

El encuentro de Miranda y Amazonía

En especial, por las luces y el vestuario detallista, preciso para recrear la travesía temporal con un halo de ensueño. 

El aporte musical es valioso ya que se nutre de ritmos amazónicos insertados por Mino Mele, investigador étnico con el que Solari ya había trabajado en “Amazonía… Corazón del planeta”.

Luego de su temporada de dos meses y medio, el montaje fue exhibido durante la reciente edición de la Cumbre Mundial de Cambio Climático (COP 20). Es loable notar cómo trabajos de gran formato con mensajes de defensa de los derechos infantiles o protección de la ecología pueden encaminarse con ingenio, esfuerzo y una adecuada gestión.

Ficha escénica

“Amazonía y el Bosque de las Maravillas”, de Gloria María Solari

Dirección: Gloria María Solari

Elenco: Reynaldo Arenas, Zelma Gálvez, Francesca Solari, Germán Loero, Kukuli Morante, Daniela Mayuri, Gloria María Solari, Demer Ramírez y 50 niños de la escuela Escena Perú. 

Producción Musical: Mino Mele 

Lugar: Teatro Mario Vargas Llosa de la BNP (Av. De la Poesía 160, San Borja)

Fotografías: Asociación Cultural Escena Perú
Producción general: Gloria María Solari

Más información en la Asociación Cultural Escena Perú 

Inquilinos de temer

Ambientada en Londres de los cincuenta, “The Ladykillers” (1955) es una cinta de confusiones y delincuentes poco avispados. Según William Rose, su guionista, todo partió una agitada noche de 1954, en Hampstead, Inglaterra. Convertida en filme al año siguiente, la película logró buenos comentarios.

Gonzalo Torres en una de las escenas
más hilarantes de la obra

Luego de un discreto remake en 2004, esta historia se estrenó en un formato teatral de la mano del guionista irlandés Graham Linehan (Dublín, 1968) recién en 2011. La pieza, una mezcla de comedia oscura y un thriller policial, generó interesantes críticas y desde entonces no ha dejado de representarse en Reino Unido. Fue una función en el Teatro Gielgud en West End, Londres, en la que se basaría “Los Mataviejas” –primera versión en español de esta puesta– montada ahora en el Teatro Luiggi Pirandello bajo la dirección de Juan Carlos Fisher. Una grácil reposición (bastante correcta y aceptable) que apertura la temporada de Los Productores.

PLANES Y FIASCOS

La troupe elegida cumple con las exigencias del género. Ana Cecilia Natteri entrega el mejor personaje de la obra como la señora Wilberforce, una encantadora señora inglesa que suele alquilar los altos de su casa. Su monótona vida es interrumpida cuando el doctor Marcus se convierte en su inquilino.

La señora Wilberforce (Ana Cecilia Natteri) pone
en apuros a la banda

Con libertad y un histrionismo que linda con su trabajo televisivo, Carlos Carlín encarna al director de un cuarteto de cuerdas que, en realidad, es una inefable banda de hampones. 

Sus compinches son un “desastre”, empezando con el Mayor Courtney (una acertada presencia de Gonzalo Torres), Harry Robinson (un multifacético Pablo Saldarriaga, que pudo lindar con lo delirante), Louis Harvey (discreto Rodrigo Sánchez Patiño) y “Un round” Lawson (papel que Franco Cabrera supo aprovechar con gags violentos e ingenuos) intercalan pasajes excéntricos mientras ejecutan un delicado movimiento criminal. El plan imperfecto en escena.

COMEDIA OPACA

Sin embargo, algo falta en el montaje. A diferencia de otras comedias dirigidas por Fisher como “El apagón”, de Peter Shaffer (2013), o “Toc Toc”, de Laurent Baffie (2012); “Los Mataviejas” es una puesta de calidad con un resultado aceptable y menos hilarante del esperado.

"Los Mataviejas" en un insospechado escondite

Podrían ser los códigos de la sutil comedia inglesa, ideal para desarrollar una comedia negra con suficientes enredos en lugar de gazapos efectistas. Un recurso que se pierde en la traducción, pero que no exime a la dirección al momento de (re)plantear un buen final –sin sorpresa y con una resolución débil– para ser del género. Como las tazas de té de la señora Wilberforce, “Los Mataviejas” (quedan ocho funciones hasta el 26 de enero) se saborea con tibia sobriedad. Hubiera sido perfecto observar lo que Linehan afirmara en el programa de mano: “Yo quería algo más caótico, como si fuera una película de los Hermanos Marx”. Ese desenfado ya visto –y disfrutado– en otras puestas de Fisher.

Ficha escénica

“Los Mataviejas”, de Graham Linehan

Basado en el guión de William Rose por acuerdo especial de Studio Canal

Dirección: Juan Carlos Fisher

Elenco: Ana Cecilia Natteri, Carlos Carlín, Gonzalo Torres, Rodrigo Sánchez Patiño, Pablo Saldarriaga, Franco Cabrera y Ricardo Velásquez.

Lugar: Teatro Luiggi Pirandello (Cuadra 10 de la Av. Petit Thouars, Lima)

Funciones: De jueves a lunes a las 8:30pm / Domingos a las 7pm.

Temporada del 15 de octubre al 15 de diciembre

Entradas: Desde S/. 30 en boletería y Teleticket de Wong y Metro

Producción: Los Productores

Amor a oscuras

El Vivero de Dramaturgia de Alonso Alegría culmina este año con una nueva apuesta teatral. Primero fue “Operación Réquiem” y “La cábala” (marzo - abril), luego vino “Mientras escribes” y “Despojo” (agosto-septiembre); y ahora “Todas las noches”, comedia romántica escrita por Andrea Sotelo.

Con un ritmo ágil y entretenido, esta puesta presenta a José María y Carolina (Martín Martínez y la colombiana Camila Medina), un par de “amigos con derechos” que utilizan su furtiva relación como un escape de sus vidas: ella es casada y él, un inclasificable donjuán.  
Cuando Carolina confiesa su amor a su galán –quiebra la primera regla de una relación de este tipo– desencadena enredos y situaciones que confrontarán al amor y la amistad. ¿Con qué quedarse después de todo? La joven autora ensaya una plausible respuesta que funciona con cierta eficacia en escena.

Íntimas verdades

Bajo la mirada de Alonso Alegría, la dramaturgia de Sotelo desarrolla con acierto este amor clandestino en tiempo y espacio. La pieza salpica adecuadamente momentos de drama y reflexión con líneas cómicas bastante interesantes e inesperadas que podría explotarse con una actuación más compenetrada.

Medina y Martínez

Martínez, por ejemplo, juega a ser un conquistador un tanto escrupuloso y poco refinado en gestos y movimientos para encarnar a un galán pianista. Medina, en cambio, aparece ilusa, aunque errática e imprevista por ratos. 

Ello no les impide configurar una tierna y, a veces, torpe química que dinamiza varias escenas. Sería bueno ajustar el ritmo hacia lo pícaro o desenfadado –como exigiría el género y la temática–, y realzar el momento de las revelaciones con un estilo más hilarante. 

El uso de elementos (una escenografía bastante realista) es adecuado y el trabajo de luces algo estático confabula a la creación de atmósferas en momentos de complicidad hacia el final de la puesta. “Todas las noches” continuará en escena hasta el 17 de diciembre en el Centro Cultural Ricardo Palma de Miraflores. Como una tradición sólida el 2015 el Vivero de dramaturgia seguirá apostando fuerte por el teatro de nuevos autores.

Ficha escénica

“Todas las noches”, de Andrea Sotelo

Dirección: Alonso Alegría / Asistencia: Tábata Fernández

Elenco: Camila Medina y Martín Martínez

Entradas: S/. 25 (General) y S/. 15 (Estudiantes y jubilados)

Lugar: Centro Cultural Ricardo Palma (Av. Larco 770, Miraflores)

Funciones: Martes y miércoles a las 8pm

Temporada: Del 25 de noviembre al 17 de diciembre

Producción: Vivero de Dramaturgia de Alonso Alegría

Más información en el evento de la obra

Trilogía de una despedida

La Asociación Cultural Teatrando de Arequipa viene produciendo obras de autores peruanos y convocando directores para montar obras con actores y actrices de su propia ciudad. Ya han realizado con éxito “Cuatro Historias de Cama”, de Eduardo Adrianzén con la dirección de Carlos Tolentino, y “Bolognesi en Arica”, escrita y dirigida por Alonso Alegría.

Esta vez, e insistiendo en su afán formativo y plural, han invitado a Diego La Hoz, director, dramaturgo y fundador de Espacio Libre, grupo teatral que este año cumplió 15 años de existencia. De él pondrán en escena su obra “Trilogía de una despedida”, estreno absoluto en la Ciudad Blanca.

La pieza cuenta tres historias breves. Tres formas de decir adiós. Seis personajes se enfrentan a sus más profundas contradicciones. Dos mujeres unidas por un amor que parecía inquebrantable deben afrontar una realidad dolorosa. Un padre y una hija se encuentran en un sueño y el tiempo les juega en contra. Dos hermanos ocultan una historia trágica entre los árboles de una casa a punto de ser demolida.

Todo es para siempre mientras dure, dice el poeta. Lo demás - aunque parezca una paradoja- es simplemente la vida misma. Esta obra es una celebración a la fragilidad de la memoria y a la vital necesidad de no olvidar, aunque el olvido sea parte de la construcción de nuestros propios recuerdos.

La obra, escrita y dirigida por La Hoz, cuenta con las actuaciones de Claudia Campos, María Ángela Deglane, Fiorella Díaz, Adrián Mercado, Joshua Polar y Sandra Santander. La música en vivo es interpretada por Mauricio Rodríguez-Camargo. La producción general está a cargo de Renato Oviedo de Teatrando.

Ficha escénica

“Trilogía de una despedida”, de Diego La Hoz
Dirección: Diego La Hoz
Elenco: Claudia Campos, María Ángela Deglane, Fiorella Díaz, Adrián Mercado, Joshua Polar y Sandra Santander

Música en vivo: Mauricio Rodríguez-Camargo
Temporada: Del viernes 21 de noviembre al sábado 13 de diciembre.

Funciones: Jueves, viernes y sábados a las 8pm.

Lugar: Teatro Umbral (Calle Moral 115)

Entradas: S/. 15 soles (General) y S/. 10 soles (sólo Jueves populares)

De venta en el mismo Teatro Umbral

Contacto e informes: 253421 / 959391122

Mundos fácticos

Con las ucronías, delicioso género literario sobre realidades alternas, es posible delirar y configurar escenarios plausibles e intrigantes. Gobiernos totalitarios, sistema de control mental y subversivas estrategias para el bienestar común que ocultan acciones represivas desconciertan en sus páginas.

“Presunto culpable”, nueva obra de Daniel Amaru Silva (Lima, 1987), pertenece a esa dimensión, en teoría, ficticia y lejana. Una guerra devastadora, desaparición de opositores y la justicia como índice de éxito gubernamental son las metáforas que describen universos paralelos donde ser feliz es una obligación.

Sobre ellos se establece una sólida pugna entre la lógica política y la razón humana (con sus imperfectas libertades). Una notable puesta codirigida entre Rodrigo Chávez y Amaru Silva que puede apreciarse hasta esta noche en el Galpón Espacio, un reducto dedicado al riesgo escénico situado en Pueblo Libre.

Una larga conversación

Varios de sus pasajes finamente absurdos nos remiten a “El Proceso”, de Franz Kafka, mientras que su atmósfera gris se emparenta fácilmente a clásicos de ciencia ficción distópica como “1984” (1949), de George Orwell, “Un mundo feliz” (1932), de Aldous Huxley, y “Fahrenheit 451” (1953) de Ray Bradbury.

Amaru Silva sumerge a sus personajes en ese futuro desconcertante. 

Su Defensor Público 27 (excelente trabajo de Gabriel González) parece provenir de ahí con sus movimientos robóticos y diálogos calculados –crítica al sectarismo político– que resultan intimidantes y aportan una defensa cerrada al sistema.

Acosta (muy acertada actuación de Carlos Acosta) es un reo inofensivo –casi patético– e hijo de un combatiente del bando vencido que, desde su apariencia, resulta inquietante y misterioso. Los dos seres, polares en la obra, son, al final, vulnerables y prisioneros del orden instaurado aunque desde frentes opuestos.

Futuro prometedor

El buen trabajo actoral sostiene la relación (confusa y tensa) del abogado y su potencial cliente ayudado por diálogos precisos –ideal para las teorías bizarras–, premisas perturbadoras (identidades alfanuméricas) e irrenunciables derechos carentes de razón como “No entender nada” o “Guardar silencio”.

La intriga por saber el delito de Acosta revela la corrupta manipulación de un sistema que se jacta de justo y transparente. Su proscripción de ideas (como la religión o la poesía) es una “cacería de brujas” que revela cómo el poder más fáctico (Sistema Patria Ley) se ve en peligro ante el libre albedrío ciudadano. Con una dirección conjunta acertada, buenos detalles técnicos (iluminación precisa y escenografía metálica), “Presunto culpable” avizora ese mundo que podría construirse ahora sin que lo sepa. A veces, es mejor conocer o proyectar ese futuro para cambiarlo. O, al menos, intentarlo.

Ficha escénica

“Presunto culpable”, de Daniel Amaru Silva

Dirección: Daniel Amaru Silva y Rodrigo Chávez

Elenco: Gabriel González y Carlos Acosta

Producción Ejecutiva: Pamela Puglianini

Dirección de Arte: Aarón Rojas

Vestuario: Claudia Torres Donayre

Realización de Escenografía: Alex Sermeño

Ilustración y Diseño Gráfico: Melissa Golte

Asesoría en Maquillaje: Melissa Puch

Diseño de iluminación: Vanessa Geldres

Lugar: El Galpón Espacio (Av. La Mar 949, Pueblo Libre)

Funciones: Viernes, sábados y domingos a las 8pm

Temporada: Del octubre hasta el 1 de noviembre

Más información en la página de la obra

Ciudad caótica

Lima es una oda al caos. Una urbe con edificios dispares, platos con sabores de siete colores, un tráfico ruidoso y una cultura sicodélica llamada “chicha” que engloba los malos hábitos que no queremos desterrar. Lima es de todos, pero ejercer su ciudadanía es un privilegio de pocos.

“Kapital”, el segundo montaje de El Sótano, quita el maquillaje señorial a la Ciudad de los Reyes, revelando un rostro inquietante. 
Con plausible tino, esta propuesta colectiva dirigida por Paco Caparó y Jhosep Palomino se convierte en un “espejo” en el que reflexionar sobre ciudadanía y cultura cívica. Según la mirada que cada espectador pose sobre él, esta “Kapital” le resultará incómoda, amena, o, incluso, repulsiva. Aún quedan dos funciones (este 1 y 2 de noviembre) para apreciar este buen trabajo en el Club de Teatro de Lima.

Denuncia repetida

Con un lenguaje ágil y buen desempeño de su elenco, “Kapital” presenta a los limeños, sus temores y anhelos. Lo evidencia a través de una ruta, novedoso recurso con que experimentar esta puesta mientras sufrimos la lógica “del más fuerte” con actitudes perversas y egoístas inscritas en el ADN de la ciudad.

Esta organicidad dramática es desafiante. El orden de las historias de “Kapital” constituye una mirada particular, pero deben funcionar, además, como un reloj suizo. 
Guiar a un grupo de espectadores por los espacios del Club requiere de precisión que no reste el encanto de la experiencia teatral.

En algunas escenas escolares sobreviven al maltrato y la violencia sexual en su entorno cercano y familiar. Escuchar la frase “Cuando tengas los tuyos, lo vas a entender” y luego una cruda adaptación de “Masa”, de César Vallejo, suena tan intenso, duro y pendiente en una sociedad enferma.

Malos hábitos

En otras historias, el transporte público o las elecciones bastan para describir el nivel de civismo –o cinismo– de nuestra capital. Por ejemplo, la simbología azarosa de naipes vista en el sufragio, el caos de la campaña y el arlequinado atuendo de los candidatos denuncia la naturaleza irónica de las votaciones.

Si el limeño sufraga a ciegas importa poco cuando todo surge del desconcierto proselitista. Y lejos de aceptarse, la mestiza ciudad maltrata a sus migrantes provincianos a pesar de que “Las puertas de Lima están abiertas”, probablemente sólo para los extranjeros. 
Los prejuicios que subyacen son los de siempre. Al finalizar la puesta, las reflexiones flotan por el Club, sus salas y pasadizos. Con “Kapital” (y luego de la notable “La niña se mató y punto”), El Sótano se afianza como un grupo de teatro atrevido, irreverente y comprometido con sus creaciones, lenguajes y estética, sin escapar de su realidad.

Ficha escénica

“Kapital”, creación colectiva

Dirección: Paco Caparó y Jhosep Palomino

Elenco: Maykol Asencios Cruz, Cintia Díaz del Olmo, Sofía Elena E, José Ferguson, Hendrick La Torre, Juan Carlos Ñiquen y Jannina Lisset Vargas Alarcón

Las funciones son los sábados a las 8pm y los domingos a las 7pm

Temporada: Del 11 de octubre al 2 de noviembre

Lugar: Club De Teatro de Lima (Av. 28 de julio 183, Miraflores)

Más información en el evento de la obra