Amarguras saludables

Los rigores de la madurez, rara vez, se disipan de la memoria y se ocultan con facilidad en el corazón y en el alma. “Espejo / cama / café” (2021) recrea a la perfección este inevitable tránsito y doloroso aprendizaje con una presencia cada vez más recurrente en escenarios de nuestro país.

Adnama (Wall), Amanda (Namuche)
y el monstruo Frank (Morán)

Este risueño libreto de Alexander Silva (Cusco, 1991), uno de los autores peruanos con mayor proyección, vuelve a las tablas en una cuidadosa producción de Actúa_Pe. Por sus páginas desfilan episodios de nostalgia juvenil, dosis de fantasía, locura y surrealismo, y, sobre todo, personajes entrañables y desbordados que encarnan a “compañeros reales”. Bajo la dirección de Pedro Adolfo Herrera –o su alter ego, La Chachani Vulcan–, esta propuesta onírica encandila por su esencia desenfadada y lúdica. Quizá sea eso y la presencia de inquietas voces que habitan en su protagonista han facilitado sus estrenos en varias partes del país.

"Espejo, cama, café"
de Alexander Silva

“Espejo / cama / café” posee una trama sencilla y evocadora. Amanda (la aceptable Lupe Namuche) es una joven grácil, a menudo, problematizada por los dilemas que trae el paso de la juventud a la adultez. Este trance la obliga a aprender a cortar vínculos nocivos en su historial de amores fallidos y tomar sus propias decisiones y sin sentirse culpable. Desde espacios insospechados –delimitadas con la utilería de una alcoba clásica– aparecen sus “dos amigos de toda la vida”. Primero, Adnama (la irreverente Yadira Wall), su alter ego con toques drag, quien la aborda con poca delicadeza una noche tras abandonar el espejo donde vive. Su presencia es llamativa, acentuada por una personalidad arrolladora y atrevida, un vestido florido y botines dorados. Los diálogos entre ambas suelen ser amigables, aunque tensos y, por momentos, confrontadores, hasta que Frank (un solvente Sergio Morán), el monstruo peludo que se esconde bajo su cama, irrumpe con desparpajo. La llegada de este ser gruñón y consentidor de tupido pelaje naranja termina por difuminar lo real con lo imaginario. Sus escenas se tornan reveladoras basadas en miedos no superados, una nueva identidad y las (buenas o malas) decisiones que debe asumir la protagonista.

La propuesta de Actua_Pe es dirigida
por Pedro Adolfo / La Chachani Vulcan

Con buena química, los tres personajes sostienen sus perspectivas de vida, con más libertad que prejuicios, aunque sin aparente coincidencia. Poco a poco, Amanda descubre en amargos sorbos de un café de ensueño los indicios que dan sabor a la existencia por más que ello signifique una ineludible despedida o una dolorosa reconciliación. La dirección de Herrera –o La Chachani Vulcan– es puntual, cuidadosa y sutil. Su conocimiento del texto de Silva lo ayuda a discurrir, con claridad y coherencia, en una fábula cómica sobre dilemas existenciales que todos hemos afrontado alguna vez, sin caer en clichés ni facilismos. El trabajo de iluminación marca acertadamente las atmósferas y el uso del espacio es adecuado para la cantidad de escenas y planos de acción: real, onírico y mental. Concebida en días difíciles de pandemia, “Espejo / cama / café” atraviesa los umbrales de lo conocido para entregar respuestas que la mente ha guardado bajo siete llaves, pero que es preciso salir a buscar.

FICHA ESCÉNICA
“Espejo / Cama / Café” de Alexander Silva
Dirección: Pedro Adolfo Herrera / La Chachani Vulcan
Asistencia de dirección: Jonathan Chumpitaz
Elenco: Yadira Wall, Lupe Namuche y Sergio Morán
Funciones: 25 de junio, 02 y 09 de julio a las 8pm
Lugar: Centro Cultural CAFAE-Se (Av. Arequipa 2985, San Isidro)
Entradas: Consultar al WhatsApp 934659298
Un montaje de la Actua.Pe Producciones / Gallito de papel

Juego de palabras

Una partida de Scrabble, juego de mesa con palabras entrecruzadas, es el punto de inicio de la última ficción de David Carrillo. Esta vez, el autor toma la pluma para entregarnos una sólida ficción cargada de humor, añoranza, sorpresa y verosimilitud sobre un reencuentro de amigos de universidad que, por diversas razones, no han podido reunirse en muchos años.

Elenco de "Los cuatro letras"

Entre recuerdos salpicados y fichas de marfil, “Los cuatro letras” (2026) apela a la finitud del lenguaje cuando se ocultan las verdaderas intenciones. Sus emotivos aforismos, agudos diálogos, silencios cómplices o desoladores estribillos buscan recomponer esas notorias ausencias con las ambiguas polisemias que se van adhiriendo a los vínculos personales. El propio Carrillo dirige esta propuesta de Yestoquelotro Teatro con el rigor de un desafío mental y emocional. La nostalgia de los amigos que trazaron sus destinos en las aulas de Letras de la Universidad Católica se compagina con el insondable peso de decisiones individuales que una coincidencia en el presente parece no poder ocultar por más tiempo. 
Para lograrlo, “Los cuatro letras” retrata perfectamente a sus protagonistas, aun cuando su vida profesional, condición física y situación sentimental los define o, incluso, deforma. Todo inicia cuando la impulsiva y algo dispersa Rosa (la cautivadora Marijú Núñez), educadora de primera infancia, propone un reencuentro a Olga (la aceptable Anneliese Fiedler), su mejor amiga.

Olga (Fiedler) y Abel (Carrillo)

Con algo de suspicacia, esta renombrada catedrática y lingüista asiente y juntas acuerdan reunirse en la casa de su exesposo Abel (Carrillo en un notable trabajo), un hombre afectado por una hemiplejia que apenas le permite articular palabras cortas –de cuatro letras, pero con una profunda significancia y jocosa precisión–, sin que ello reste su temple ingenioso, risueño ni sensible. Es un personaje inspirado por el aprecio a su tío Marcelo, como refiere el autor en un puñado de palabras previas. El último del cuarteto en aparecer es Hugo (un acertado Omar García), cuya figura exitosa parece opacar el brillo espontáneo del grupo, aunque no consigue controlar sus incontinencias estomacales y, sobre todo, las verbales. Y existen dos contrapuntos generacionales que funcionan en esta trama. Ana Valentina (buen debut de Almudena Carrillo), la única hija de Abel y Olga, cuya mayoría de edad logra traducir en ácidas y lúcidas opiniones y trazos maravillosos de carboncillo que sorprenden a todos los asistentes, a pesar de que estos merodean los 45 años aproximadamente.

Rosa (Núñez) y Hugo (García)

Junto a ella, aparece Lena (un esmerado trabajo de José Spigno), jefa de la campaña política de Hugo. A mitad de sus treinta, ella conduce la vida privada y pública de su pareja con milimétrico cuidado, lo que, muchas veces, tensa las situaciones cotidianas de su convivencia tanto como las anécdotas que afloran del tablero de juego en una noche que se va poniendo más oscura. Bajo una ingeniosa escenografía y una lograda estética luminosa de fucsias y verdes, se esbozan los acogedores espacios de un hogar asediado por medias verdades. Se iluminan indiscretos biombos, mientras que muebles de apariencia modesta sorprenden por su versatilidad como un sofá en el recibidor, un comedor y un pequeño escaparate. Con bellos parlamentos y palabras (también de cuatro letras) bien seleccionadas para develar este rompecabezas amical, la propuesta culmina con el ritmo de una canción desesperada. “Los cuatro letras”, montaje de Yestoquelotro Teatro, resume con vocales y consonantes aquellas verdades que se asfixian en la garganta y que se cuecen en silencio.

Crédito de fotos: Andrea Torres

FICHA ESCÉNICA
“Los cuatro letras” de David Carrillo
Dirección: David Carrillo
Elenco: David Carrillo, Anneliese Fiedler, Omar García, Marijú Núñez y Jóse Spigno
Temporada: Del 04 de junio al 08 de agosto de 2026
Funciones: De jueves a sábados a las 8pm
Lugar: Teatro Racional (Av. Balta 170, Barranco)
Entradas: S/ 65 (General), S/ 45 (Jubilado) y S/ 35 (Estudiante y CONADIS en Joinnus
Un montaje de Yestoquelotro Teatro
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Culpables en la sombra

Luchar contra el poder y la corrupción es lo más próximo a iniciar una guerra solitaria o una operación suicida. En especial, cuando no se sabe cuántas manos se ocultan detrás de un perverso mercado que mueve dinero y vidas humanas como sucede en “Crimen impune” (2026), un inusual e imaginativo thriller policial en temporada.

Garay (Ramírez) y Alberto (Calderón)

Su autor, Jorge Bardales, emplea uno de sus géneros literarios favoritos para plasmar un oscuro rompecabezas escénico. Este cúmulo de cuadros breves y crudos monólogos se organiza, en teoría, bajo la complicidad absoluta del espectador, hasta avizorarse un panorama devastado por la ilegalidad, la miseria, la maldad y la indiferencia. Bajo una cuidadosa dirección, Bardales da cabida a una lista de delitos que, aunque periféricos (la minería ilegal), sus heridas (drogas, trata de personas y explotación sexual) resultan cercanas. Y todo aquello que ocurre de forma inadvertida por su engañosa apariencia de legalidad: a veces, un vestido refinado o un uniforme de autoridad. Siguiendo una línea narrativa fragmentaria e intercalada de flashbacks, “Crimen impune” reúne clásicos recursos del género policial en un montaje de hora y media. Por ejemplo, momentos de negociación y careo, múltiples perspectivas (versiones), giros inesperados, altas dosis de intriga por los inusitados acuerdos y vínculos entre los personajes.

Patricia (Serrano)

No es casual que su escena inicial sea un interrogatorio. En él aparecen Alberto (Joel Calderón, en un rol discreto), un psicólogo prestigioso y ético junto a Garay (buen trabajo de Walter Ramírez), un policía astuto y sarcástico, quien, aún con los clichés que carga, es el contrapunto cómico del montaje. Las pistas que persigue van guiando la historia. El terapeuta narra cómo Patricia Rocha (la solvente Kathy Serrano), una intimidante señora de clase alta, lo contrata para atender la agorafobia de Almudena (la intensa Daniella Stornaiuolo), su hija. Sin embargo, el profesional debe realizar sus sesiones de forma virtual, desde la misma casa, pero sin la posibilidad de acercarse físicamente a su paciente. 
Ello ocasiona que la relación de ambos sea tensa y esquiva, con algunas treguas de lucidez entre desvaríos, olvidos y situaciones que podrían vulnerar su ética. De estas charlas surge la imagen de Gerardo Aguilar (Patricio Villavicencio, en un papel carismático y ególatra), un jefe de la minería ilegal y vil engranaje de toda una organización delictiva. Con esta galería de personajes –algunos, logrados con acierto e, incluso, profundidad–, el libreto tiene recursos para sumergirse más en la intriga y la sugerencia antes que regodearse en la impunidad o en las denuncias que la justicia no atiende. Ello se hace evidente cuando el psicólogo comparece ante el oficial por la extraña desaparición de su paciente.

Almudena (Stornaiuolo) en sesión psicológica

Un detalle llamativo si se considera que las luces, los efectos técnicos y la música –blues y jazz– apuestan por la estética de film noir. Por ejemplo, las atmósferas de paranoia que rodean la estación de policía o las delirantes sombras en la casa de Almudena y que se demarcan milimétricamente con humo, un poco de utilería y apenas cintas blancas en el escenario. Lo descrito no presagia, en nada, el desenlace inesperado que le espera a los protagonistas de este preciso montaje de Bravo Productora Artística. Como alude su título, “Crimen impune” pone en evidencia las desgarradoras verdades y miserias ocultas que enriquecen a unos y envilecen a otros sin que nadie tenga claro cómo detener el avance de este cáncer social.

Crédito de fotos: Renzo Olaya

FICHA ESCÉNICA
“Crimen impune” de Jorge Bardales
Dirección: Jorge Bardales
Elenco: Joel Calderón, Kathy Serrano, Daniela Stornaiuolo, Patricio Villavicencio y Walter Ramírez
Temporada: Del 16 de junio al 01 de julio de 2026
Funciones: martes y miércoles a las 8pm
Lugar: Nuevo Teatro Julieta (Pje. Porta 132, Miraflores)
Entradas: S/ 40 (General), S/ 35 (Acceso Popular) y S/ 30 (Estudiantes, jubilados y CONADIS) en Joinnus
Un montaje de Bravo Productora Artística
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Juego de apariencias

El peso de una mentira –o las locuras de juventud– pueden amargar las delicias de un futuro promisorio. “Mentirosos” (2026) desarrolla esta idea en una trama hilarante, vertiginosa y, a su modo, reflexiva sobre el amor en tiempos de relaciones fugaces, matrimonios por conveniencia y personas superficiales.

Segismunda (Chiara) y los empleados

Sin partes musicalizadas, este curioso vodevil de Paco Varela destaca por sus ágiles enredos y jocosos malentendidos. En sus diálogos fluyen altas dosis disfrutables de doble sentido, humor negro, referencias escénicas y un desenfreno que no escandaliza, sino que atrapa a su público adulto. Bajo las órdenes del también director Varela, se orquesta un montaje ameno que mezcla lo trágico y cómico con lo absurdo e inesperado. Esto, gracias a un elenco –muchos de ellos, son rostros reconocibles en cada estreno de La X Productora– que se toma en serio la comedia pícara y desenfada.
“Mentirosos” se sitúa en una apacible casa de playa en Paracas. En ella, Homero (el eficiente Betto Gómez) y Segismunda (Caroll Chiara en otro acertado rol maquiavélico) se sobreviven mutuamente en medio de una vida llena de comodidades y privilegios que no los satisfacen. Su única hija María (la delicada Pau Simons) está ilusionada con su novio, un hombre un tanto mayor para ella llamado Juan Carlos (Varela en un papel bien aprovechado por su doble registro histriónico). Este prometido de edad madura es un ejemplo de fidelidad y celibato que encuentra la aprobación de los padres.

Juan Carlos (Varela) y Homero (Gómez)

Pronto las futuras nupcias generan comentarios, chismes y bromas de los sirvientes. El indiscreto mayordomo Felipe (papel bien resuelto por Leíto Monteverde) y la coqueta mucama Tina (la precisa Paola Vera) encarnan a un dúo solvente que adereza la historia con dilemas y confusiones por doquier. El libreto lleva a estos arquetípicos personajes a situaciones límite sin fatigarse en hora y media de función. Un placer culposo que incluye observar la convivencia de una señora dominante –cual dictadora– y su marido sumiso, dos empleados cómplices y deslenguados con inoportunas apariciones, y, sobre todo, los secretos de una buena familia.

Felipe (Monteverde) y Tina (Vera) 

Uno de ellos –un evento algo rebuscado, pero efectivo– pondrá en riesgo la luna de miel de los nuevos esposos, desatando más escenas hilarantes. Poco a poco, esta trama de descaros e intrigas sitúa la historia como un vodevil costumbrista con un desenlace sin moralinas. La escenografía luce realista y acorde a las necesidades del montaje. Un extremo contiene más muebles que el otro sin que esto impida un equilibrio de las acciones o el desplazamiento  y  acceso de los actores.
La iluminación cálida y poco saturada ayuda a la creación de atmósferas de comedia. El vestuario es adecuado, intercalando lo formal (para la recepción) y lo sport (rutina de aeróbicos) con suma facilidad y gracia. En un mundo de embusteros, zalameros y mitómanos, como La X Productora ha descrito ingeniosamente a las zonas de la platea, “Mentirosos” deja entrever que, a todos, sin escapatoria, les llega el momento de la verdad.

FICHA ESCÉNICA
“Mentirosos” de Paco Varela
Dirección: Paco Varela
Elenco: Paco Varela, Caroll Chiara, Pau Simons, Betto Gómez, Paola Vera y Leíto Monteverde
Temporada: Del 12 de junio al 11 de julio de 2026
Funciones: viernes y sábados a las 8pm
Lugar: Centro Cultural CAFAE-SE (Av. Arequipa 2985, San Isidro)
Entradas: General: S/ 59 (Zona Zalameros), S/ 45 (Zona Embusteros) y S/ 35 (Zona Mitómanos) en Teleticket
Un montaje de La X Productora
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KORTAS – Temporada 22° (Miércoles)

Las noches de miércoles continúan las historias en KORTAS en el agradable Teatro Barranco. Su temporada 22 trae una narrativa variada que combina la ciencia ficción y la fantasía con la ternura y el dolor de las despedidas que bien se pueden disfrutar entre copas y piqueos de su bar Tramoya.

KORTAS Temporada 22

La noche arrancó de forma sobria con “Lleve su huayruro, casera”, de Fátima Producciones con el divertido libreto de Bruno Timarchi. En una extraña noche, Martina (Rocío Montesinos) recibe la visita de la elegante e irreverente Demonia Huayruro (Tábata Fernández-Concha).
Vestida de rojo y negro, esta entidad desea ayudarla a romper su curioso maleficio: sus relaciones no duran más de un año. Bajo efectos de luz y estelas de humo, esta dupla lleva la comedia hasta límites delirantes que incluyen “posesiones de cuerpo” y una filosofía de vida sin filtro. Con buenas referencias musicales y el empleo de lo incierto, el público, un “séquito” invisible y cómplice, sigue esta historia hasta su desenlace algo aleccionador. Ya si las cosas no salen como uno espera, se puede contar con el auxilio de alguna inesperada cábala o una accidental invocación. La segunda pieza resultó tan errática como su singular título: “¿Adónde vas?”. Escrita por el prolífico Federico Abrill, la trama gira en torno a una relación convulsa y confusa que en escena intentan resolver Claudette y Leonardo Barrantes en los roles de una cantante drag y un guitarrista, respectivamente. El director Héctor Flores dispone de tres espacios definidos por su utilería y una buena iluminación. El tocador de un camerino, un micrófono para el stage, y maletas para la intimidad de un espacio común. A pesar de estos aciertos, las acciones no concretan un conflicto sólido y compartido.

"¡Es una tragedia!" de Sofía Kali

Bajo la producción de Fiorella Bastidas, la historia avanza entre temores reales y despedidas ficticias que la entrega actoral y sus caracterizaciones no logran ocultar. A pesar de ello, dejan atmósferas que remueven con canciones y letras que desnudan nuestro lado más vulnerable. 
A la tercera va la vencida. Inspirada en “Volver al futuro” (1985), Sofía Kali plantea realidades alternativas en “¡Es una tragedia!”. Irónicamente, esta hilarante premisa basta para armar enredos en la cita entre la guapa Lucy (Moca) y Eduardo (Gianmarco Valle), un actor con aires de divo. La situación se sale de control cuando Gerardo, su hermano menor y mánager (Sebastián Olivencia), “viaja en el tiempo” para evitar que ella continúe con la salida. Con inesperados escapes bajo la mesa y por los umbrales, este personaje se roba la noche, los aplausos y algo más. La dirección de Jesús Álvarez procura un ritmo adecuado con momentos frenéticos que el elenco sabe aprovechar. Con pocos recursos y mucha energía, este ameno montaje de Butaca C sorprende con un desenlace tan inesperado que le hace justicia al título de la pieza.

"Mi amigo maricón" de Ale Reyes Freitas

Finalmente, el momento feeling de la velada llegó con “Mi amigo maricón” de Ale Reyes Freitas. Esta historia recorre la incondicional amistad entre Lucho (Jesús Oro) y Maggie (Reyes Freitas), desde su primer encuentro, cuando parecían tan diferentes, hasta su reconocimiento más honesto en el otro. Ambos actores –y directores de la obra– demuestran una sólida química en escena. El montaje de La Love Productora “toma” diversos espacios del teatro (escaleras, corredores y butacas) a través de locuras, anécdotas y las promesas que juraron cumplir antes de los 30 años. Esta narrativa fresca, sin activismos forzados y con muchas ocurrencias fuera del libreto, cala de forma entrañable en la audiencia. Estos amigos –un joven gay y una chica heterosexual– salen de la ficción para mimetizarse en la cruda realidad, ahí donde las diferencias y distinciones todavía duelen.

FICHA ESCÉNICA
KORTAS Temporada 22 (03, 10, 17 y 24 de junio)
“Lleve su huayruro, casera” de Bruno Timarchi
Dirección: Bruno Timarchi
Elenco: Rocío Montesinos y Tabata Fernández-Concha
Producción: Fátima Producciones

“¿Adónde vas?” de Federico Abrill
Dirección: Héctor Flores
Elenco: Leonardo Barrantes y Claudette
Producción: Fiorella Bastidas

“¡Es una tragedia!” de Sofía Kali
Dirección: Jesús Álvarez Betancourt
Elenco: Moca, Gianmarco Valle y Sebastián Olivencia
Productor: Guillermo Corrales
Un montaje de Butaca C Producciones

“Mi amigo maricón” de Ale Reyes Freitas
Dirección y elenco: Ale Reyes Freitas y Jesús Oro
Productor: Marcelo Lizárraga
Producción: Love La Productora

Funciones: miércoles de junio desde las 8pm
Lugar: Teatro Barranco (Av. Grau 701, Barranco)
Adquiere tus entradas en Passline

Redenciones eternas

Una mágica invocación ha soltado a los espíritus ­­­­más osados y prudentes de “La Divina Comedia” en la Asociación de Artistas Aficionados (AAA). En su aniversario 88, este tradicional recinto los ha acogido en un asombroso montaje institucional que le confiere cierta esperanza a una humanidad que, siglo a siglo, aún busca un rumbo.

Dante (Mendoza) y Virgilio (Paz) en 
"La Divina Comedia"

Esta búsqueda se percibe en la cuidadosa adaptación que ha escrito el dramaturgo y guionista de cine Marco Paulo Meléndez. Con precisión y lucidez, este autor ha logrado condensar en su libreto alegorías cristianas, dilemas filosóficos y una lista de personajes y episodios citados en la obra épica más conocida del poeta Dante Alighieri (1265-1321). Con estos elementos, el director Omar del Águila esboza una puesta en escena literariamente sólida y orgánica. Por cerca de hora y media, se abren pórticos dimensionales que, en realidad, son una invitación a pensar en el libre albedrío y la aceptación del mal como un rasgo humano. Por estos pasajes imaginarios, cornisas misteriosas y paraísos etéreos la redención terrenal parece jugarse una nueva, o última, carta en la baraja de “La Divina Comedia”. Esta premisa axiológica encaja a la perfección con su estética fantasmagórica, con el diseño escenográfico de Miguel Oliva y la iluminación de Diana Tarazona y Luis Carrasco.

Ulises (Alvarado)

En escena, dos enormes portales con apariencia rocosa giran sin cesar emulando la travesía circular de sus desconcertados y poco esperanzados protagonistas. A ellos les espera un camino por tres estamentos inhóspitos y claramente definidos: un infierno de luces incandescentes, un purgatorio de tenues fulgores y copos de nube en los cielos. Estos escenarios seducen la imaginación del espectador y se convierten en refugios temporales de Dante (buen trabajo de Joseph Mendoza). El poeta inicia su viaje por el Infierno –nueve círculos–, atravesando primero una selva oscura más parecida a un lienzo de sombras y aterradores gritos. Con un bastón rústico y palmas marchitas en la cabeza, el poeta latino Virgilio (un solvente Roberto Paz) encarnando a la razón lo guía por el inframundo. Bajo estelas de humo, vaporosas figuras casi humanas que emergen y una sobrecogedora música, ambas almas de caminar pausado y descalzo descienden a lo más bajo de la condición humana.

San Pedro (Torres)

Juntos interactúan con demonios malignos, viles estafadores, iracundos seres, hábiles traidores y amantes lujuriosos. Esta magnífica colección de condenados es posible gracias a la notable versatilidad y compromiso de Angelica Torres, Pepe Iturrizaga, Claudia Iglesias y Josué Alvarado. El elenco resuelve bien cada rol aun cuando ciertas referencias –Catón, Ruggeri o Estacio– suenen rebuscadas. Luego, cada uno tiene su propia “redención” al interpretar, con otros matices y vestuarios a personajes de aura pura en el ascenso del poeta al cielo. Y, aunque sea irónico, el vértigo y ritmo se desvanecen cuando Dante se reúne finalmente con su musa. Este cálido encuentro con Beatriz (una eficiente Neydi Pereyra), emisaria de la fe, pone fin a su aprendizaje extrahumano. Pero, ya en la tierra, en las butacas de hoy, “La Divina Comedia” deja esa extraña idea de que el infierno sea, después de todo, más humano de lo que pensamos.

Crédito de fotos: Paulo Yataco

FICHA ESCÉNICA
“La Divina Comedia” de Dante Alighieri
Adaptación teatral: Marco Paulo Meléndez
Director: Omar del Águila
Asistencia de dirección: Sol Gonzáles
Elenco: Joseph Mendoza, Roberto Paz, Neydi Pereyra, Angelica Torres, Claudia Iglesias, Pepe Iturrizaga y Josué Alvarado
Escenografía: Miguel Oliva Escalante
Diseño de iluminación: Diana Tarazona y Luis Carrasco
Temporada: Del 11 de junio al 05 de julio de 2026
Funciones: viernes y sábados a las 8pm / Domingos a las 7pm
Lugar: Asociación de Artistas Aficionados (Jr. Ica 313, Centro de Lima)
Entradas: S/ 40 (Regular) y S/ 30 (Niños, niñas, estudiantes, adultos mayores y CONADIS) en Joinnus y al WhatsApp 974450108
Un montaje de la Asociación de Artistas Aficionados
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Dos actos de amor

En un mundo de finales amargos o tristes, bregar por la felicidad es un gesto de rebeldía. Dos jóvenes limeños, un tanto distintos entre sí, pero con un aprendizaje pendiente en común, son los protagonistas de una lucha singular, apasionada y, en esencia, diversa sobre los riesgos de amar en tiempos de rechazo e intolerancia.

Norman (Oro), Sebastián (Gutiérrez)
y un taxista (Bazán)

Primero fue “Love, la serie”, producto audiovisual perfecto para consumidores de series episódicas desde la comodidad del streaming. Recogiendo esta experiencia de tres temporadas y 28 capítulos, sin contar bloopers ni extras, este ocurrente libreto de Jesús Oro llega a nuestras tablas en “Love, la obra” (2026). Esta comedia romántica describe con deliciosa ironía y pocos clichés el comienzo de un vínculo inesperado y, quizá, por eso, memorable. El director Germán Díaz no sólo centra su mirada en una relación que contraviene las buenas costumbres, sino que la aleja de victimismos y condescendencias en una propuesta ágil y coherente. Inspirada en la recomendable serie web, “Love” presenta a sus protagonistas bajo una apropiada mirada política y activista. Norman (Oro, en otro rol entrañable) es un joven de clase humilde que detesta “ser normal” porque sabe que esta etiqueta no solo homogeniza las diferencias, sino que las invisibiliza.

La iluminación y música recrean escenas
memorables y divertidas

Ante él aparece Sebastián (un preciso trabajo de Augusto Gutiérrez), un chico un tanto tímido, clasemediero y con una vida “casi” resuelta para su círculo social y familiar. A pesar de que está comprometido con su novia Pili (la dedicada y eficiente Gretha Bazán, en uno de tantos roles), se ve que no es feliz. En un improbable encuentro, estos personajes desarrollan una química combustible y fulminante. A través de diálogos sencillos y honestos, comparten sus intereses, pasatiempos y gustos musicales. Poco a poco, asoman sus perspectivas de vida, temores y genuinas personalidades. Narradas con fluidez y ternura, las ocurrencias los va enredando por esta ciudad de miradas desconfiadas. Primero, en un bus rumbo a su paradero final, tras un escape azaroso, luego en un departamento y finalmente en un cuarto de hotel con adecuados ingresos de utilería que no restan dinamismo ni verosimilitud a la historia.

El montaje que dirige Germán Díaz aprovecha
cada espacio del Teatro Barranco

Entre confusiones, malentendidos –acompañados de un histriónico Norman– y la aceptación de la sexualidad de Sebastián se conjugan escenas cómicas con pausas liberadoras y sanadoras. El versátil y risueño trabajo de Bazán socorre cada escena como policía, madre, cobradora, artista drag, o solo una chica de discoteca. Para ello, la música y la iluminación resultan cruciales ya que, con reflectores y una luna de espejos, convierten al Teatro Barranco en una pista de baile donde vivir la libertad en una noche inolvidable. Todo está bien pensado en esta ambientación 360 con salidas laterales y hasta una escalera al segundo nivel. Y, aunque luego el conflicto principal deriva en otros dilemas, algunos con más trascendencia que otros, el desenlace no deja indiferente a su público. Al parecer, “Love” puede con todo ello y más: dificultades amorosas, dudas de primerizo, indecisiones personales y la esencia de una serie web que inevitablemente funciona en la escena. 

FICHA ESCÉNICA
“Love, la obra” de Jesús Oro
Director: Germán Díaz
Elenco: Augusto Gutiérrez, Jesús Oro y Gretha Bazán
Funciones: 16, 17, 22, 23 y 29 y 30 de mayo a las 8pm
Lugar: Teatro Barranco (Av. Miguel Grau 701, Barranco)
Productor: Marcelo Lizárraga
Un montaje de Love La Productora
Redes sociales: Instagram

Figuras de arcilla

La deshumanización es uno de los costos más amargos de la vida moderna. Largas jornadas de trabajo, horas de cansancio y diarias manutenciones han convertido al hogar –o lo que representa– en uno de los últimos refugios para seres desdibujados y desmenuzados por la miseria cual muñecos sin rostros ni ojos.

"La Plaga" bajo la dirección de Estefano Portillo

“La Plaga o relatos de un muñeco que aún recuerda” (2026) aborda esta fábula de tintes grises en una inédita propuesta poética y exploratoria. Casi sin palabras, y sólo con expresivas miradas, gestos naturales y coreografiados desplazamientos, el elenco que conduce Estefano Portillo desafía la razón y los sentidos, aunque no siempre en ese orden. 
Estrenado en abril pasado en El Galpón Espacio de Pueblo Libre, el equipo entusiasta de Kananqa Producciones brilla con este singular trabajo. Y ello gracias a su riqueza plástica, dinámica y corporal, con la que consigue envolvernos en una rutina familiar reconocible. Con rigor y claridad, “La Plaga” plantea sus convenciones desde el inicio, cuando el público va ingresando a la sala. Ahí, cuerpos en extrañas posiciones o en delicados movimientos dominan el escenario desprovisto, mientras la utilería (mesas o sillas) yace a ambos los lados.

Esta propuesta desarrolla convenciones
estéticas, corporales y escénicas

Los códigos estéticos también saltan a la vista. Los intérpretes van en vestuarios en un cálido tono arcilloso, shorts blancos o pantalones negros, pero siempre con las rodillas protegidas antelando las rutinas de exigencia física, mientras los espectadores de la primera fila se guarecen –de lo que vendrá– con cobertores de plástico. 
El desconcierto se instala, incluso, con la presencia de los silentes ejecutantes. Un grupo de actores mueve los objetos y arma el comedor de una casa en un ejercicio solidario y animoso que los retrata como una familia que, si bien no enuncia palabra alguna, demuestra unidad. Como en “Los regalos”, célebre montaje de la Compañía de Teatro Físico (CTF), el elenco apuesta por la sugerencia para ir revelando sus vínculos. Desde la protección cariñosa de los padres (Jared Portocarrero y Claudia Mostorino) hasta los enredos de los hijos (Jen Marchan, Christine Lemus y Marcelo Andrade). Todo cambia cuando aparece Pascual (Jeremy Canchaya). Su presencia es el barro que modela la vida familiar, se colman los platos de alimento y se esquiva la escasez. Pero también revela el coste de llevar la vida de otros a cuestas en un sacrificio que deshumaniza y enajena como quien rasca el suelo para encontrar un poco de progreso y bienestar.

El trabajo de Kananqa Producciones tuvo 4
funciones entre abril y mayo pasado

Este efecto es más plausible cuando las escenas se tornan repetitivas y los actores adoptan un vestuario oscuro. Apenas guiados por intuición, gestos de manos y, sobre todo, por la música de Edu Arana y su animado trío que, a ritmo de bolero, vals o bossa nova, crean atmósferas con guitarra, bongó y claves, aunque, por ratos, se “cuelen” los sintetizadores. Con un notable trabajo físico y elegantes momentos de corporalidad, la historia queda más en manos del espectador que del elenco a pesar de su desconcertante escena final. “La Plaga” es capaz de inocular dosis de realidad a seres sin humanidad que, en su esencia mínima, serían apenas trozos de arcilla sin propósito ni memoria.

Crédito de fotos: Héctor Azañas / Azanas Studio

FICHA ESCÉNICA
“La Plaga o relatos de un muñeco que aún recuerda”
Director: Estefano Portillo
Elenco: Jeremy Canchaya, Jared Portocarrero, Claudia Mostorino, Jen Marchan, Christine Lemus y Marcelo Andrade
Composición musical: Edu Arana
Funciones: 24, 25, 26 de abril y 03 mayo a las 8pm
Lugar: El Galpón Espacio (Av. Cipriano Dulanto 949, Pueblo Libre)
Productora: Alejandra Velasco
Un montaje de Kananqa Producciones
Redes sociales: Instagram

KORTAS – Temporada Aniversario (Miércoles)

Continúa KORTAS, ese formato de obras breves que alegra las noches de mitad de semana en el corazón más bohemio de la ciudad. Con buen ojo escénico, los programadores de Teatro Barranco escogieron –en una elección nada sencilla– ocho de las mejores obras breves de KORTAS 2025 para disfrutar en esta temporada de aniversario.

Las cuatro obras de KORTAS
temporada de aniversario (miércoles)

La velada abrió gratamente con “10 minutos”, una ágil comedia juvenil de Mateo Durán Londero sobre lo volátil del tiempo cuando el amor no espera, sino desespera. El distraído Max (Arom Cortéz) tiene apenas unos minutos para alistarse e ir a verse con su chica cuando recibe la inesperada visita de su amorosa pero desquiciante madre (Gessy Cochachi).
Gerardo Fernández dirige una comedia entrañable y divertida que conjuga la complicidad y enredos de su elenco con el revoltijo de colores y brillos en escena. A ello se incorpora un pertinente uso de la pantalla LED y secuencias interactivas con timing tragicómico que dan cuenta del esmerado trabajo de GCR Producciones. 
Luego fue turno de “Agachaditos y Bistró”, una comedia de contrastes y aspiraciones escrita por Juan José Oviedo. La sobria producción de Butaca C plantea, con pocos elementos, el romántico aniversario de Jhon (Fabián Calle) y Carla (Ilda Polo), una pareja que lleva siete años conciliando sus diferentes expectativas en la vida.

"Hamlet en 15 minutos" de Tom Stoppard

En manos del oficioso Diego La Hoz, esta premisa crece gracias a la buena química entre sus actores y la frescura con que conectan con el público. La estética procura vestuarios idóneos que los distingue tanto como sus gestos y palabras, pero es el rap que enuncian juntos lo que finalmente resuena en nuestras conciencias y corazones. Más que una micro-obra, “Hamlet en 15 minutos”, versión libre de Tom Stoppard, es un desafío delirante de memoria y energía. En ese corto tiempo, Daniela Paskvan y Gonzalo Candela se baten a duelo, agonizan, resucitan y charlan con espectros deconstruyendo uno de los libretos más adaptados de William Shakespeare. Bajo la producción de Prince Rojas, Christian Paredes dirige una obra de gran vértigo y fina sincronía junto a actores que rotan por 18 personajes. Con locaciones virtuales y toda la utilería posible (coronas, copas, cráneos y más) en biombos laterales, esta versión de Hamlet logra su objetivo como un montaje lúdico y risueño de aires trágicos, cómicos y absurdos.

"Canta y sana" de Nancy Aguinaga

La última propuesta fue “Canta y sana”, un breve musical de Nancy Aguinaga bajo la eficiente dirección de Giancarlo Mori. Oscar (Julio del Águila) y Vanessa (Alphie Pagano) son una pareja en crisis que ha decidido luchar por su amor. Su última chance podrían ser las curiosas sesiones del doctor Kantú (Víctor Rujjel). En su consultorio, ambos descubren el fascinante poder del canto para solucionar sus problemas y dejar atrás inseguridades, miedos e incredulidad. Esta performance de 3 Producen con románticas y afinadas baladas junto a un despliegue espectacular de luces coronan la noche como una verdadera gala de aniversario que corea su público jubiloso. 

FICHA ESCÉNICA
KORTAS temporada de aniversario (06, 13, 17 y 20 de mayo)
“10 minutos” de Mateo Durán Londero
Dirección: Gerardo Fernández
Elenco: Gessy Cochachi y Arom Cortéz
Un montaje de GCR Producciones

“Agachaditos y Bistró” de Juan José Oviedo
Dirección: Diego La Hoz
Elenco: Ilda Polo y Fabián Calle
Un montaje de Butaca C Producciones 

“Hamlet en 15 minutos”
Versión libre de Tom Stoppard
Dirección y adaptación: Christian Paredes
Elenco: Daniela Paskvan y Gonzalo Candela
Un montaje de Prince Rojas 

“Canta y sana” de Nancy Aguinaga
Dirección: Giancarlo (Ian) Mori
Elenco: Alphie Pagano, Víctor Rujjel y Julio del Águila
Un montaje de 3 Producen

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