Rastros perdidos

Hostil y confusa, en Lima brotan millones de historias y anécdotas en cada rincón. Con una mirada crítica y pluma mordaz, Jorge Bazalar (Lima, 1988) ha sabido retratar el pulso de nuestra ciudad enferma por el caos, el desorden y la angustia que la consumen en “El perro” (2022).

Muñón (Cusó), Max (Yovera)
y Pellejo (Ruiz)

Esta pieza dramática fue galardonada con el tercer lugar del I Concurso Nacional de Dramaturgia de La Ira Producciones realizado el año pasado gracias a su artilugio de historias entretejidas, giros inesperados y una ácida crítica a la convivencia urbana.
Esta ingeniosa obra brinda, además, voz a los grises protagonistas de la vida moderna en una ciudad como cualquiera. 
El brillante montaje de Actoarte recoge el desencanto de los suburbios y la enfoca desde una óptica múltiple. Dirigida también por Bazalar, la propuesta atraviesa con su audiencia por un mapa de calles, plazas o parques sin saber qué podrían encontrar a la vuelta de la esquina.
En este tejido de tramas interconectadas, los protagonistas pueden ser, según las circunstancias, villanos o redentores. Trazados desde la marginalidad, el desarraigo y el fracaso, sus personajes encarnan una dolorosa –y naturalista– dualidad que cimenta la verosimilitud de sus conflictos y esperanzas.

La madre (Enríquez)
y el padre (Sotomayor)

Tan versátiles como eficientes, Stephanie Enríquez, Henry Sotomayor, Ronie Cusó, Christian Ruiz y Luis Miguel Yovera construyen personajes únicos y distantes, lo que favorece el rápido intercambio de roles en escena. Desfilan la madre, el padre y su hijo (Enríquez, Sotomayor y Yovera), éste último se va de casa para recuperar a su perro abandonado. También aparece un policía sobreprotector y su hija adolescente (Cusó y Enríquez), un reflexivo alcohólico de parque (Sotomayor), un vagabundo abandonado por su familia (Ruiz) y un joven enamorado (Yovera). En algún punto de sus vidas el Destino involucrará a estos humanos de los suburbios. Más entrañable resulta la presencia felina de Muñón (un notable papel de Cusó) y Pellejo (un ocurrente y carismático Ruiz) con el perro Max (un enternecedor trabajo de Yovera). Con estilizadas máscaras, esta “familia” de animalitos callejeros simbolizan el compañerismo y la solidaridad.

El policía (Cusó) y su hija (Enríquez)

Dos elementos blancos y cóncavos, de madera (un magnífico concepto de Sharon Reátegui), bastan para convertir la caja negra del Club de Teatro de Lima en cualquier locación imaginable.
Junto a ella, el talento de Eduardo Cotos, con guitarra eléctrica y amplificador en piso, ambienta los sonidos de una urbe variopinta y mestiza, caótica y festiva. Como si fuera un cuento de Ribeyro, “El perro”, buen trabajo de Actoarte, revela a una Lima superficial, que ignora mucho y olvida pronto. Esa otra cara de la ciudad que jamás aparece en los catálogos de temporada ni es portada de informes de economía pide, una vez más, la palabra.

 
FICHA ESCÉNICA
"El perro" de Jorge Bazalar
Dirección: Jorge Bazalar
Asistencia de dirección: Yasmine Inchaustegui
Elenco: Ronie Cusó, Henry Sotomayor, Luis Miguel Yovera, Stephanie Enríquez, Christian Ruiz
Música original: Eduardo Cotos
Diseño escénico: Sharon Reátegui
Diseño de luces: Cristiano Jara
Lugar: Club de Teatro de Lima (Av. 28 de Julio 183, Miraflores)
Temporada: Del 14 al 29 de abril
Funciones: Viernes y sábados a las 9:30pm
Entradas: S/ 35 (General) y S/ 25 (Estudiante, Jubilado y Personas con discapacidad) en Joinnus y boletería del teatro
Un montaje de Actoarte Producciones
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La mirada eterna

Hay ausencias que el tiempo y los lazos afectivos convierten en una compañía para toda la vida. Y es que según se lleve el duelo –proceso usualmente vinculado a la resignación y la tristeza– uno podría, por qué no, aprender más de sí mismo y avanzar en la vida.

Laura Santa Cruz en "A un cielo de distancia"

Entre la solemnidad y la alegría, “A un cielo de distancia” aborda la partida de una madre –bastante prematura y poco esclarecida– pero que dejó huella en su pequeña hija. Años después, Laura Santa Cruz transforma su pérdida en una propuesta íntima, honesta y valiente en la que conjuga sin reparos sus inquietudes juveniles y maduras. Bajo la dirección conjunta de Paloma Del Carpio y Andrea Valdivia, este unipersonal guía el corazón y la razón de su audiencia sobre esta inevitable etapa de la vida. Una apuesta arriesgada en tiempos de reciente pandemia, lutos postergados y preguntas en espera de alguna respuesta. “A un cielo de distancia” se sirve de la auto ficción para componer sus evocadoras escenas. En un primer momento aparece la actriz cuando era una niña de 4 o 5 años, quizá. Ataviada como una abejita, comparte los fugaces recuerdos de su madre biológica con una mirada candorosa y voz entrañable.

La propuesta es dirigida en
conjunto por Paloma del Carpio
y Andrea Valdivia

Entre la ficción y la realidad, este ocurrente personaje nos conecta con diferentes vivencias de la actriz.
Por ejemplo, siendo una niña de 10 años, describe una curiosa convivencia con una “nueva madre” que dejó una gran huella en su corazón antes de viajar a Cusco, mientras conserva intacta las impresiones de su primera madre. En edades más maduras, su personaje enfrenta no solo la soledad y las dudas de crecer, sino también los cuestionamientos sociales, el afán de superación e, incluso, a una cruel madrastra. Aquellos aprendizajes y golpes se reelaboran gratamente en escenas de adolescencia, juventud y adultez. Marcado por un halo testimonial e intimista, el unipersonal conducido por Del Carpio y Valdivia incorpora otros lenguajes al montaje. Se incluyen amenos momentos musicales y coreográficas –con un notable desempeño de Santa Cruz– que aligeran el peso de la puesta.

Santa Cruz en un elegante muestra de marinera

Aquí los objetos (un mueble antiguo, un retrato de la madre, unas rodilleras, velas o un pañuelo blanco) acompañan este ritual con calidez y cercanía.
El público decide involucrase más con el duelo de la artista, incluso, cuando asoma el suicidio, tema tabú que podría haberse explorado desde lo emocional o psicológico como detonante de lo artístico para no depender de los momentos más festivos.
“A un cielo de distancia”, la sensible propuesta de Tránsito - Vías de Comunicación Escénica, nos acerca a quienes ya han partido de este plano existencial, pero que nunca se alejaron, Una despedida que las ausencias ahora perceptibles con el corazón se lo merecen. 

FICHA ESCÉNICA
“A un cielo de distancia” (unipersonal)
Dirección: Paloma Del Carpio y Andrea Valdivia
Interpretación: Laura Santa Cruz
Temporada: Del 14 al 23 de abril
Funciones: Viernes, sábados y domingos a las 8pm
Lugar: El Galpón Espacio (Av. Cipriano Dulanto 949, Pueblo Libre)
Entrada: S/ 40 (General) y S/ 25 (Estudiantes y jubilados)
Un montaje de Tránsito - Vías de Comunicación Escénica
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Cazadores de sueños

Un científico solitario y su jovial asistente observan el apacible firmamento nocturno como algo más que un simple deleite astronómico. En las estrellas, luceros y cometas que rutilan allá arriba podría albergarse alguna solución a los problemas más graves que aquejan a nuestro desesperado y caótico mundo. Pero, ¿lo encontrarán?

Cibelina (Arroyo) y Bornolio (Calderón)
 en "El soplador de estrellas"

“El soplador de estrellas”, entrañable obra del argentino Ricardo Talento, y una de las obras más representadas y queridas por la Asociación de Artistas Aficionados (AAA), ha devuelto esta lúdica fábula a nuestra escena. Esta vez, desde el Nuevo Teatro Julieta de Miraflores, la pieza aborda con sencillez y profundidad la naturaleza humana de creer en los sueños que ayuden a construir un mejor futuro, aunque aquello no lo sea todo. 
Dirigido por Yasmín Loayza, este colorido montaje presenta al excéntrico inventor y su divertida y atolondrada ayudante. Ambos personajes tejen una simpática trama de oposiciones, enredos y aprendizajes que pueden suceder a cualquier edad y en cualquier lugar donde sea posible soñar con el corazón y los pies en la tierra. Apostado en una terraza rodeado de tendales, el profesor Bornolio (un eficiente Manuel Calderón) presenta su última invención: el Estelaeróforo Retráctil, un poderoso artefacto –con apariencia de tina– capaz de apagar las estrellas. Esta inusual y algo riesgosa faena debería modificar su realidad, aunque para lograrlo requerirá una ayuda extra.

"El soplador de estrellas", una de las 
obras más queridas de la AAA

Tras publicar un aviso de empleo, aparecerá Cibelina (la grácil, jovial y activísima Ximena Arroyo). Su brillante presencia trae color y luz a la insondable personalidad de su mentor, convirtiendo así los silencios iniciales en diálogos amigables; las órdenes firmes en trabajo en equipo; la ilusión en una cualidad para todas las edades; y los anhelos propios (por muy bienintencionados que sean) en intereses comunes. Las noches pasan y pronto se dará un debate –razonable y emotivo– sobre su accionar individual y colectivo: ¿vale la pena pedir deseos para el bienestar aun a costa de apagar un cúmulo estelar?
Un detalle que aprecia el público y que la dupla de actores aprovecha inteligentemente para consolidar un vínculo honesto, espontáneo y nostálgico. Y es que Calderón y Arroyo no solo conocen sus personajes a plenitud, sino que los disfrutan en escena tanto como su audiencia interactúa con ellos desde sus butacas y, ahora, con refrescos y piqueos. La escenografía luce sobria, aunque es generosa en elementos coloridos que permiten situarnos en el hábitat doméstico y solitario de un soñador.

La propuesta es dirigida por Yasmín Loayza

El uso del espacio acierta al trasladar los movimientos de Cibelina dentro y fuera de escena e, incluso, logra contagiar el vértigo de Bornolio al desfilar por las cornisas de la azotea. La acción se traslada también al cielo imaginario por donde fulguran estrellas gracias a las bien sincronizadas proyecciones multimedia. Estas decisiones –innovadoras y necesarias– hablan de la esmerada y consecuente dirección de Loayza.
La directora ha sabido adaptar el texto original a un montaje que ha recorrido teatros, colegios, parques, plazas y festivales en Lima y el interior sin fatigarse desde 2011. Bajo una noche oscura, “El soplador de estrellas” resplandece en esta extraña dimensión –nuestra realidad– en la que los sueños suelen apagarse por temores y apatías. 

FICHA ESCÉNICA
“El soplador de estrellas” de Ricardo Talento (Argentina)
Adaptación: Yasmín Loayza
Dirige: Yasmín Loayza
Elenco: Ximena Arroyo y Manuel Calderón
Lugar: Nuevo Teatro Julieta (Pje. Porta 132, Miraflores)
Temporada: Del 11 de marzo al 14 de mayo
Funciones: Sábados y domingos a las 4pm
Entradas: S/ 35 (Adultos) y S/ 25 (Niñas y niños) en Joinnus y la boletería del teatro
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Un montaje de la Asociación de Artistas Aficionados (AAA)

Jauría domesticada

Cuestionar los paradigmas sociales es una alternativa, pero, sobre todo, una necesidad. Para los más jóvenes esta labor se complica cuando aparecen al frente las jerarquías parentales que los guiaron de pequeños y la nostalgia de sus consejos y enseñanzas persisten al llegar a la mediana edad.

Rodrigo (Lombardi), Laura (Drago),
Emilio (Mazzarelli) y Alicia (Grapa) en "Los perros"

“Los perros”, lúcido texto del autor argentino Nelson Valente (Buenos Aires, 1971), aborda con acuciosa mirada la brecha generacional que separa a padres e hijos actuales. Las acciones, pensamientos, aspiraciones y sentimientos distinguirán a quienes pretendieron nadar contracorriente, pero sucumbieron en el intento, de los que aún tienen alguna chance de hacerlo.
Sergio Paris dirige esta comedia familiar con toques de humor ácido, silencios incómodos y agudas críticas sobre las limitaciones afectivas, la comunicación fallida y el peso de la costumbre. Sus cuatro protagonistas son el retrato vívido de una familia que a diario se sienta a la mesa como si nada más pasara. De un lado, están los roles familiares maduros. El padre, Emilio (un solvente Augusto Mazzarelli), es un hombre varado en sus recuerdos, casi todos sobre los perros que crio en su vida. La madre, Alicia (una esmerada Grapa Paola), es una mujer sarcástica, con un antojadizo uso de medicamentos, aunque resignada a las interminables anécdotas caninas de Emilio.

"Los perros", obra de nNelson Valente

Los más jóvenes transitan por la mediana edad. Rodrigo (un intenso Diego Lombardi), es hijo de los ya mencionados cuya vida cumple con todos los estándares sociales, y su bella esposa Laura (Emilia Drago, algo intermitente), que acaba de cumplir 40 años, y a quien le prepararon una fiesta. En medio de charlas triviales y clichés festivos, la desconcertada cumpleañera narrar a todos un extraño suceso ocurrido en el bus. Por alguna razón, este episodio fortuito, algo inverosímil, y desestimado por los demás origina un quiebre emocional que la lleva a cuestionar su propia vida. Ese estallido existencial remece las convicciones de los tres invitados deslizando potentes monólogos, argumentos a favor y en contra y dolorosas revelaciones. A partir de aquí, la propuesta alcanza sus mejores momentos luego de un prolongado inicio previsible y sin mucho sobresalto.

La propuesta es dirigida por Sergio Paris

La disposición espacial acierta al situar a los espectadores a ambos lados del escenario –con vistas a la mesa del comedor y un sofá de sala– dando dos perspectivas visuales y emotivas distintas entre ambas plateas. A pesar del giro idiomático del libreto, la dirección de Paris equilibra a su elenco demarcando un fuego cruzado de verdades y anhelos truncos del que no hay escape. Con la mira puesta en las zonas de conforts y las vanas apariencias –algo irónico ante una sofisticada escenografía–, “Los perros” advierte como alienación moderna: una domesticación económica, ideológica, cultural o moral con disfraz de estilo de vida. Es el costo de seguir el rastro de los antecesores sin dudas ni réplicas válidas.

FICHA ESCÉNICA
“Los perros” de Nelson Valente
Dirección: Sergio Paris
Asistencia: Sergio García-Blásquez
Elenco: Emilia Drago, Grapa Paola, Diego Lombardi y Augusto Mazzarelli
Lugar: Auditorio Británico Miraflores (Ca. Bellavista 531, Miraflores)
Temporada: Del 31 de marzo al 08 de mayo
Funciones: De viernes a lunes a las 8:30pm / Domingos 7:30pm
Entradas: S/ 55 (General), S/ 45 (Promo Dúo), S/ 35 (Jubilados) y S/ 30 (Estudiantes) en Joinnus y boletería del teatro
Un montaje de Break Producciones
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Enemigos cercanos

Un grupo de amigos decide reunirse luego de muchos años. Alejados por situaciones propias de la vida (viajes, trabajo o familia) esta situación –recurrente en las ficciones– es una tentadora oportunidad para resolver dilemas de juventud y revisarlos con ojos más maduros.

Andrea (Mercado), Thalía (Díaz), Sebas 
(Rubio) y Juli (Schiappa-Pietra) en "La mancha"

“La mancha” (2022), obra de la autora Natalia Cárdenas Claux, aprovecha con inteligencia esta premisa. Con un estilo directo y sobrio, y una acertada técnica de perspectivas múltiples, esta singular propuesta recrea un episodio doloroso y condenable camuflado habitualmente por la falsa moral e impune camaradería de los amigos. Tales méritos le confirieron el primer puesto en el I Concurso Nacional de Dramaturgia organizado por La Ira Producciones. El texto de Cárdenas Claux brilló de entre 60 libretos nacionales y extranjeros remitidos al certamen convocado el año pasado.
Con él, la acuciosa directora Daniela Lanzara desarrolla una propuesta escénica coherente y fluida en la que desliza intrigas, dudas y pocas certezas. Las disrupciones narrativas (con asistencia técnica de luces y efectos de sonido) y subtextos adheridos a sus diálogos guiarán a la audiencia ante una seria denuncia vista desde diversos ángulos.

"La Mancha" obtuvo el primer 
puesto en el I Concurso Nacional
de Dramaturgia de La Ira Producciones 

La auto referencialidad de “La mancha” resulta curiosa, aunque relevante. Situar un caso de agresión en un círculo amical y profesional (un elenco de teatro de Lima) revela la necesidad de estar alertas en todo momento y, sobre todo, la de construir entornos seguros para todos. Al respecto, la propuesta profundiza en la piscología de sus personajes. Por ejemplo, Thalía (una solvente Cindy Díaz) y Juli (la aceptable Lilian Shiappa-Prieta) representan una sólida amistad quebrada por un hecho grave –inmanejable por la edad y el temor al que dirán– que devino en secretos y falta de confianza. Ahí aparece esa extraña sensación de que ninguna de las dos había sido del todo sincera con la otra. Esta atmósfera contagiará al resto de la pandilla, aunque con matices más melodramáticos y grácilmente cómicos. Andrea y Sebas (ambivalentes y divertidos roles de Alicia Mercado y Sebastián Rubio) cumplen con este juego escénico ante la inevitable llegada de Jorge (inquietante Juan Carlos Pastor).

Jorge (Pastor) integra esta propuesta
que dirige Daniela Lanzara

Con todos estos ingredientes la propuesta llega a su desenlace con buena tensión y un escape –necesario– de la realidad a algún universo paralelo. Bajo una escenografía sofisticada, gris e impersonal, “la mancha” de amigos se deforma y descompone hasta parecerse más al críptico lienzo monocromático –tan parecido a sus vestuarios– que domina el apartamento en el que se reúnen. “La mancha”, la valiente propuesta de La Ira Producciones, revela los peligros que acechan de cerca, con el rostro de quien dice ser un amigo, y de los silencios cómplices que los resguardan. Sin mecanismos de protección eficientes, las dudas y las muestras de solidaridad parecen ser los únicos los caminos posibles para ayudar a alguna víctima. 

FICHA ESCÉNICA
“La mancha” de Natalia Cárdenas Claux
Dirección: Daniela Lanzara
Elenco: Cindy Díaz, Lilian Schiappa-Pietra, Alicia Mercado, Sebastián Rubio y Juan Carlos Pastor
Lugar: Teatro de Lucía (Ca. Bellavista 512, Miraflores)
Temporada: Del 09 de marzo al 10 de abril
Funciones: De jueves a lunes a las 8 pm / Domingo a las 7 pm
Entradas: S/ 50 (General), S/ 40 (Clientes BBVA), S/ 30 (Adulto Mayor y CONADIS), S/ 25 (Mancha - Pack 2 entradas) y S/ 25 (Estudiante).
Adquiere tus entradas en Joinnus y en la boletería del teatro
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Un montaje de La Ira Producciones

Bajo la lluvia

En algún punto de la convivencia asoman las dudas. Es inevitable, pero resulta válido saber, por ejemplo, si quien te acompaña decide seguir adelante o, incluso, si esta persona mantiene su esencia como al inicio, aunque ello no sea garantía inequívoca para el futuro de la relación.

"Humedad" de Barbara Colio

El agobio por la rutina, los sueños postergados y la imposibilidad de una comunicación honesta impregnan “Humedad” (2016). Este drama íntimo de la autora mexicana Barbara Colio (Baja California, 1969) logra sumergirse en la tediosa monotonía de una pareja que olvidó la pasión como quien deja de lado su paraguas en una tarde lluviosa. 
Con un curioso planteamiento dramatúrgico, uno podría tener una impresión al leer el libreto y otra distinta significativamente al verla en escena. A sabiendas de su naturaleza episódica de escenas, personajes múltiples y una mirada cinematográfica, Yestoquelotro Teatro Estudio aceptó el desafío. Lograron estrenarla en marzo de 2020, aunque la temporada fue cancelada por la pandemia luego de tres funciones. Alcanzo sí para delinear a sus personajes (Los Unos y Los Otros), dos parejas algo disímiles interpretados con esmero por David Carrillo y Anneliese Fiedler.

David Carrillo y Anneliese Fiedler

Unos viven en un pueblo perdido en el tiempo en el que no cesa de llover, mientras que los segundos aguardan a que el clima mejore para seguir su itinerario. Coinciden en un hostal donde los mensajes se deslizan bajo la puerta y nada parece ser lo que es, salvo lo que buscan desesperadamente: una salida al infierno de su cotidianidad. Un puente a la libertad. Este juego de apariencias y rarezas está presente de algún modo en “Casi Transilvania” (2012), montaje estrenado en Lima por Escena Contemporánea en 2016. Esta vez, y con una maestría deleitable, Colio salpica dosis de fantasía, sensualidad y misticismo en los alrededores. Desfilan un santo con arraigo popular, un lugar milagroso, objetos con vida y nombre propio, y secretos de alcoba que pueden inundarlo todo… en plena lluvia. Estos elementos inusuales y premonitorios propician fugaces momentos de comedia que Carrillo y Fiedler aprovechan bien.

La propuesta fue estrenada en 2020 y volvió 
con mucha expectativa a escena este 2023

El trabajo actoral funciona en duplas por su solvencia y energía, sin embargo, podría marcarse las diferencias –o atenuarlas– entre los roles masculinos y femeninos. Algo que resulta crucial cuando ambas parejas deciden cruzar las puertas de lo esperado y transitar con expectativa por lo prohibido, mientras la lluvia –otro factor clave– anuncia lo impredecible. Bajo una escenografía, lóbrega, realista y mancomunada, el director/actor Carrillo explora la incertidumbre y el tedio que se acumulan y socavan silenciosamente las bases de la vida en común. Sin puentes sólidos, lazos comunicativos efectivos ni fórmulas innovadoras, el aniego conyugal es inminente. 

FICHA DE LA OBRA
“Humedad” de Barbara Colio
Dirección: David Carrillo
Elenco: David Carrillo y Anneliese Fiedler
Lugar: Nuevo Teatro Julieta (Pje. 132 Porta, Miraflores)
Temporada: Del 02 al 12 de marzo
Funciones: De jueves a domingo a las 8pm
Entradas: S/ 30 (General) y S/ 20 (Estudiantes, Jubilados y CONADIS) en Joinnus y en la boletería del teatro
Una producción de Yestoquelotro Teatro Estudio

¡Hágalo usted mismo!

Como una caja de sorpresas, uno siempre queda a tientas en una relación de pareja. Ni los años ni los consejos más sabios pueden garantizar una convivencia tranquila, algo que en los tiempos de confinamiento en casa ha significado vivir una auténtica pesadilla doméstica, un infierno sin salida.

Tati (Bernasconi) y Carlos (Carrillo)
en "El mueble"

Una audaz exploración sobre ello puede verse en “El mueble (o esas cosas que nunca nos diremos)” (2020), una comedia sencilla y efectiva de los españoles Juan Carlos Rubio y Yolanda García Serrano. Estrenada en octubre de ese año, en una España pandémica, la pieza centra sus reflectores en los avatares de una pareja contemporánea anclada en la mediana edad.
Alejada de moralejas y aleccionamientos, la obra maneja un humor sobrio salpicado de momentos divertidos gracias a las sutilezas, ironías y referencias literarias de su dramaturgia. Estos ingredientes cotidianos son la delicia de un público que ha visto su primera (2022) y ahora segunda temporada (2023) en Lima. En especial, por las muestras de ego y perfeccionismo que dominan a sus dos protagonistas. Tati (Cécica Bernasconi), una acuciosa profesora de literatura, y Carlos (David Carrillo), un nadador olímpico ya retirado y laboralmente relegado, son una pareja con 25 años de convivencia aparentemente feliz.

Ambos actores son los
directores de la puesta

Ambos se alistan a armar un estante de Ikea, marca sueca conocida por vender artículos prácticos. Lo que debería ser una rápida instalación se convertirá en un asfixiante juego de rompecabezas. Además de la llave Allen, el equipo ha olvidado la comunicación efectiva, tolerancia y apoyo mutuo en su set de herramientas.
Esta situación hilarante servirá para reflexionar sobre los desafíos de las parejas contemporáneas. Por ejemplo, que el amor y la costumbre no se contraponen necesariamente, sino que, muchas veces, sostienen el vínculo afectivo de una pareja. O que una buena compañía incluye siempre alguna broma pesada o una cariñosa crítica.
El trabajo actoral de Bernasconi y Carrillo es natural y preciso. Sus personajes jocosamente a la medida intercalan ratos de complicidad y rivalidad en perfecto timing de comedia. Un acierto para los actores que también realizan una dirección conjunta sin sobresaltos ni desperdicios entre escena y escena.

"El mueble", obra de Juan Carlos Rubio y
Yolanda García (España)

La sobria escenografía, sutilmente iluminada, y utilería básica ayudan a que los desplazamientos y las acciones de los actores fluyan al ritmo de sus hogareñas desavenencias. El uso mesurado de los apartes –un guiño a las comedias de antaño– agregan dosis de humor y confidencia selectiva a las que el público se adhiere alegremente.
Como quien busca nivelar una mesa de patas cojas, “El mueble” revela la importancia de los puntos de equilibrio en las inestables relaciones humanas. Un ejercicio de tolerancia, respeto, intuición y mucho tacto que fácilmente podría incluirse en un manual de supervivencia. 

FICHA ESCÉNICA
“El mueble” de Juan Carlos Rubio y Yolanda García (España)
Dirección: David Carrillo y Cécica Bernasconi
Elenco: Cécica Bernasconi y David Carrillo
Lugar: Teatro de Lucía (Ca. Bellavista 512, Miraflores)
Temporada: Del 19 de enero al 26 de febrero
Funciones: De jueves a sábados a las 8pm / Domingos a las 7pm
Entradas: S/ 50 (General), S/ 35 (Adulto Mayor) y S/ 28 (Estudiantes) en Joinnus y boletería del teatro. Adquiere tus entradas aquí.
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