Conjunción teatral

Los antiguos griegos confiaban la vida a extraños oráculos y sus designios, sin imaginar que esa mágica influencia persistiría hasta la actualidad. En “Los mellizos muertos de Risa”, nueva puesta de Panparamayo Teatro, ese Destino consume la vida de una familia unida por la fatalidad de las mentiras.

León (Avilés) y Luna (Vizcarra)

Concebida y dirigida por Mario Ballón en un proceso bohemio y febril, los espectadores asisten a una noche agitada entre certezas y dudas. “Amanecí en un bar (…) Alrededor de mí habían personas cantando sus propias locuras y sus propias historias”, refiere en el programa de mano.

Y así ocurre con este montaje que, luego de “Vida de miel”, anterior trabajo  de Panparamayo colmado de incómodas ensoñaciones, sirve para reafirmar el amor que este colectivo –y Ballón, en especial– sienten por el riesgo y la fantasía en espacios no tradicionales como el Bar Lion’s Head de Barranco.

VIDA FAMILIAR

La historia –tan desconcertante como su origen– posee un lenguaje alegórico, sensual y erótico. Las divertidas referencias astrológicas y herbarias conjugan en varios pasajes con nociones tan griegas como el incesto, los complejos (Edipo y Electra) y la inexorabilidad del Destino.

En el bar de Sol (Leslie Guillén)

Dos hermanos, Neptuno (un grato papel de Gabriel Zambrano) y Luna (atrevida y provocadora Tatiana Vizcarra) se reúnen luego de muchos años de no verse. Al parecer, un crimen los vincula a su madre llamada Risa (desquiciado y oportuno rol de Nina Mutal). El juego de apariencias es efectivo.

En medio, brilla Sol (una divertida Leslie Guillén con dejo carioca) aunque sin muchas luces sobre lo que en realidad sucede en torno suyo. Todos ellos –salvo León (José Avilés) y “El Loco” (Feffo Neyra), personajes satélites que abisagran secuencias– destilan sus tormentos en medio del púbico con una atmosfera familiar a la recreada en “El Sistema Solar”, de Mariana de Althaus.

SOLARES Y LUNARES

El montaje transita entre una pieza onírica y musical a ritmo de thriller, que la sostiene por dos horas. Quizá por esto, se percibe cierta fatiga a pesar de las escenas sugerentes, los pasajes de performance y los diálogos crudos e intensos dirigidos por Ballón de manera inteligente cada rincón del Lion’s Head Bar.

Neptuno (Zambrano) y Luna

Sorprender la mirada de la audiencia en esa sombría taberna, acompañado de luces y ráfagas suma tensión a la conflictiva vida familiar. Y habla bien de las exigencias seguidas para no apagar el interés del espectador. Sin embargo, la duración de la obra y densidad de ciertas escenas podría lograr que la intriga decaiga.

Lejos de la trama, el autor resuelve con acierto las letras de las canciones que complementa bien el aporte musical de Zambrano (guitarra y teclados), Mutal (voz) y Neyra (bajo, teclados y cajón). 

El gran momento es coronado por el elenco entero con “Desdoblándome”. En su particular caos, “Los mellizos muertos de Risa”, montaje que coquetea con varios géneros, se da el lujo de revelar el trágico destino que persigue vivir entre dimensiones terrenales y divinas... aun en pleno siglo XXI.

Ficha escénica

“Los mellizos muertos de Risa”, de Mario Ballón

Dirección: Mario Ballón

Elenco: Nina Mutal, José Avilés, Leslie Guillén, Feffo Neyra, Tatiana Vizcarra y Gabriel Zambrano

Diseño de iluminación: Ricardo Delgado Ayala

Diseño de vestuario: Urpi Castro y Jazmín Perea

Lugar: Bar Lion’s Head (Av. Grau 268 - Barranco)

Temporada: Del 12 de junio al 10 de julio

Funciones: Viernes 12, 19 y 26, sábados 13, 20 y 27 de junio

Jueves 2 y 9 de julio, viernes 3 y 10 de julio a las 8pm

Entradas: S/. 30 (General) y S/. 20 (Estudiantes y jubilados)

Producción: Panparamayo Teatro

Más información en el evento de la obra

Vanas existencias

En los universos literarios de Franz Kafka (1883-1924) es fácil encontrarse con personajes devorados por algún sistema, en especial, la vorágine industrial de finales del siglo XIX. Oficinistas pusilánimes y proletarios silenciosos cuyas vicisitudes y angustias inspirarían sus novelas y relatos cortos.

Gabriel González

De esos lánguidos rincones surgió “La Metamorfosis”, escrita en 1915, pero publicada póstumamente por su amigo y editor  Max Brod. 
En ella se vuelcan las frustraciones y la filosofía anti burocrática que se cuestionaría la clase emergente sometida a horarios, rutinas y plusvalías.  Esta versión teatral –vista en dos cortas temporadas, una de ellas en el XIV Festival Saliendo de la Caja 2015– corresponde a la reconocida adaptación de 1986 del autor versátil Steven Berkoff (Londres, 1937). Un texto que, en manos del director Rodrigo Chávez y Daniel Amaru Silva, se convierte en un montaje logrado y sublime, a pesar de sus sombríos designios.

CÁRCEL DE VIDA

Los días sencillos para el joven Gregor Samsa (un entregado y notable Gabriel González) han acabado. Luego de una noche de intranquilo sueño, el joven comerciante despierta convertido en insecto. Esta circunstancia inesperada cambiará su gris existencia y la de su familia, un núcleo interesado y egoísta.

"Metamorfosis"

El Señor Samsa (Roberto Ruiz de buen desempeño), por ejemplo, es un padre que lega tormentos en lugar de enseñanzas, mientras que la Señora Samsa (un acertado trabajo de Mónica Rossi) es un ser neutral con escasas apariciones entrañables. Son seres tan impersonales como sus personajes.

Su hermana, la pequeña Greta (Vanessa Geldres) transita desde aires de ternura hacia los sombríos senderos de desdén por su hermano. En el camino traiciona sus sueños, admite perderlos. 

Juan José Espinoza aporta con dos buenos roles que resuelve con presteza e ingenio: el inefable jefe de Gregor y el inquilino que podría ser la salvación económica de la familia. González, en cambio, sostiene la obra física y actoralmente. La mutación lo absorbe; transforma y reduce su apariencia a un bicho, pero no su esencia humana: inconforme, sensible y luchador. Y sorprende por su entrega constante y casi sin respiro en la estructura metálica que trepa sin encontrar la salida.

ESENCIA MÍNIMA

Como puesta, “Metamorfosis” es minimalista –crea sus atmósferas con pocos elementos– y oscura debido a su estética expresionista. Si bien estos aspectos parecen ser usuales en puestas similares como puede verse en videos (en inglés o alemán), la puesta desarrolla una personalidad definida.

Ruiz, Rossi y Espinoza

Estrenada en junio de 2014 en la Casa Yuyachkani como proyecto final de Artes Escénicas de Chávez, este montaje ha madurado con el paso de sus breves temporadas. Por eso en Saliendo de la Caja 2015 en el Centro Cultural de la PUCP fueron distinguidos con el “Premio del Público”.

En Sótano 2: Teatro Emergente, “Metamorfosis” regresa nuevamente sin perder la fuerza escénica y existencialista de su mensaje. Una muerte –y miles más a diario– que parece no librar a la Humanidad de su triste condición.

FICHA ESCÉNICA

“Metamorfosis”, adaptación de la novela de Franz Kafka

Dirección: Rodrigo Chávez

Traducción: Daniel Amaru Silva

Elenco: Gabriel González, Vanessa Geldres, Mónica Rossi, Roberto Ruiz y Juan José Espinoza

Producción ejecutiva: Nataly Vergara

Lugar: Teatro de la Universidad del Pacífico (Jr. Sánchez Cerro 2121, Jesús María)

Temporada: Del 12 a 15 de junio

Funciones: De viernes a lunes a las 8:30pm / Domingo a las 7pm

Entradas: S/. 35 (General), S/. 20 (Estudiantes y jubilados)
Más información en el evento y página de la obra

Cajita de sorpresas

Un grupo de artistas multidisciplinarios ha tomado el Teatro Ricardo Blume, el bello y cálido recinto circular de Aranwa. No están locos, aunque lo que vaya a suceder durante la siguiente hora y media (cada lunes hasta el 29 de junio) pareciese la delirante escena de una obra literalmente jamás escrita.

Notable elenco de "Memorias"

En esencia, esto es “Memorias: orquesta de soundpainting”, una puesta indescifrable basada en recuerdos, sueños, temores, anhelos... Observar a cerca de 30 artistas en escena a dos voces: Mario Gaviria (director en vivo) y Dusan Fung (director teatral) es el comienzo de un vaivén emocionante e impredecible. Fung y Gaviria son los responsables de trasladar a escena el desbocado código gestual (soundpainting) concebido por el compositor musical estadounidense Walter Thompson (Florida, 1952) en los días en que Woodstock era un hervidero creativo a inicios de los setenta. El montaje es único, irrepetible y sorprendente… como una caja de sorpresas.

EL CAOS CREATIVO

Tras una inevitable confusión inicial (el soundpainting posee unos 1200 gestos establecidos), “Memorias” presentará una breve lectura antes de las escenas –su leit motiv– que sirve de referencia. Poco a poco, esta Babel cobrará un sentido según la sensibilidad del espectador y la destreza de los improvisadores.

La orquesta empezó tocando
en espacios públicos

Aunque algunas líneas históricas (de las muchas) pueden resultar confusas o divertidas, mientras que otras parezcan crueles o desconcertantes, todas dependen de la potencia del mensaje que extiende un lazo entre emisores y espectadores. Un desafío que resolver con la fugacidad de un parpadeo. Por eso, la mirada del público viaja en todas direcciones para asir todos los códigos (gestuales, sonoros, visuales) del lenguaje. Es frenético, pero visibiliza una dimensión rara vez advertida: los actores no son sólo personajes; ni los músicos, un acompañamiento, todos son emisarios de un mensaje que busca su integridad con la participación de su destinatario (uno activo).

CÓMPLICES SILENCIOSOS

Es cierto, aún cuando ciertos recursos resultarán más cercanos (ritmo, voces, miradas) que otros (performáticos y cromáticos) y se funden mejor con el desenfadado  de la improvisación. Imaginar los momentos de drama, quizá, pueda ser un verdadero reto para este versátil conjunto de creadores.

Dusan Fung

Las interpretaciones múltiples que puedan escribirse sobre “Memorias” –como esta breve reseña– resultarán disímiles y controvertidas. 

Para unos habrá sido una ópera de valiosos centavos a batuta invisible, una “Rayuela” es escena sin acotaciones o, quizá, una sesión de jammin’ con un ávido elenco…

Para todos, sin embargo, “Memorias” se descubrirá como un lenguaje lúdico basado en la curiosidad y la sorpresa. 

Ese pequeño universo esbozado por sus artífices (con giros, palabras, gestos, trazos y notas musicales) se diluirá como cuando uno intenta recordar los retazos de un sueño esquivo: es lo fugaz de lo inolvidable lo que realmente pervive en nosotros.

FICHA ESCÉNICA

“Memorias, orquesta de soundpainting”

Dirección teatral: Dusan Fung

Dirección en vivo: Mario Gaviria

Lugar: Teatro Ricardo Blume de Aranwa (Jr. Huiracocha 2160 Jesús María)

Funciones: Lunes 1, 8, 15, 22 y 29 de junio a las 9pm

Entradas: S/. 35 (General) y S/.25 (Estudiantes y jubilados)

Más información en el evento del espectáculo

Reservas: memoriasorquestadeimpro@gmail.com

¡Santísima locura!

A fines de 2014, Liber Teatro estrenó “¡Hay que matar a la monja!”, una deliciosa pieza con sabor local venida desde la Madre Patria. Basada en “Melocotón en almíbar”, del español Miguel Mihura (1905–1977), y ambientada en Miraflores –con otras referencias locales–, la obra luce una “exuberancia cómica” peculiar.

Katherina Sánchez y Ricardo Morante

Siendo una comedia de enredos con ribetes absurdos, este montaje –similar en premisa a “Los Mataviejas” (2014) de Los Productores– divierte, intriga e inquieta. 
Esto gracias a una producción esmerada, un elenco enchufado y una pragmática dirección de Jonathan Oliveros.

Con esos recursos el montaje logra un efecto esperado: reír a mandíbula suelta sin reparar en frivolidades. Para acentuar esos efectos, ¡Hay que matar a la monja!” se vale de recursos técnicos (sombras, luces y sonidos) con que recrea atmósferas, aunque el exceso de su uso, por ratos, satura el ritmo del montaje.

UNA BANDA TORPE

Con estos elementos algo efectistas, sumados a ligeros vicios de adaptación, la puesta responde con el manejo escénico de los actores, que mejora a medida se desenreda la trama. Tras una tibia presentación de los malhechores, la historia cobrará color con la presencia de Doña Pilar (pícara y divertida Cecilia Tosso).

El Duque y Sor María

Sus intromisiones augurarán divertidas escenas propias de una comedia y hará olvidar el inicio monótono. 
La llegada de Sor María de los Ángeles (una irreverente y desenfada Katherina Sánchez) terminará por complicar los planes delictivos gracias a sus dones sospechosamente detectivescos.

Para mala suerte de la banda, El Nene (Ricardo Morante, con algunos disfuerzos corregibles) caerá enfermo y será cuidado por la religiosa a pesar de su curiosa fobia: le aterran las monjas. Estos dos valores escénicos, al interactuar con los demás personajes, elevarán la calidad de la pieza y sumarán.

CULPAS Y CASTIGOS

Lo que continúa es hilarante. El sinfín de remordimientos y confusiones los guiará entre el escepticismo y la duda ante las incómodas deducciones de la monja: desde la bella Nuria (divertida Sofía E. Muñoz), Carlos (un entretenido George Silva) el líder de la banda (buen papel de Daniel Zarauz), o El Duque (lúdica aparición de Jonathan Oliveros), cómplice de estos malandrines.

"Hay que matar a la monja"

Esta situación pondrá en divertida vilo al público en medio de giros inesperados y otros no tanto. La puesta logra defenderse a lo largo de sus dos actos, aun cuando el empleo excesivo de penumbras y de Tubular Bells, la conocida pista de “El Exorcista”, relativiza un poco la atmósfera de tensión.

“Hay que matar a la monja” se consolida en escena, pero deja una deuda en la adaptación: algunas referencias locales aparecen forzadas. Tras dos temporadas, la puesta viaja al norte para presentarse en el ICPNA de Chiclayo el 5 y 6 de junio. Ver en aprietos a esta inefable banda  es, sin duda, una buena recompensa.

Ficha escénica

“¡Hay que matar a la monja!” (adaptación)
Dramaturgia original: “Melocotón en almíbar”, de Miguel Mihura

Dirección: Jonathan Oliveros

Asistencia de dirección: José Rojas

Elenco: Cecilia Tosso, Ricardo Morante, Daniel Zarauz, Katherina Sánchez, George Silva, Sofía E. Muñoz, Jonathan Oliveros

Una producción de Liber Teatro

Sombrías ficciones

Pocos lugares resultan tan evocadores como la mítica Transilvania. Su nombre basta para imaginar, con estremecimiento automático, perversos vampiros, aunque su nueva imagen estilizada en sagas maquilladas no atemorice tanto. Pero ¿qué sucedería si observa a un “vampiro” en una locación distinta como su apacible vecindario?

Hugo y Francisca

La mexicana Bárbara Colio (Baja California, 1969) jugó con esta inteligente premisa en una pieza que tituló “Casi Transilvania”. Dejó a los macabros seres en el folclor de la misteriosa Rumanía y, por el contrario, encontró paralelismos “sombríamente” divertidos en la vida cotidiana de la ficción.

Bajo la acertada dirección de Alberto Ísola, “Casi Transilvania”, delinea sus escenarios funestos para quienes osen ingresar en los sinuosos dominios de la vida y la muerte. Un viaje sin retorno entre contraluces y ambigüedades que afrontarán cuatro personajes una noche lejana.

SERES NOCTURNOS

Podría verse al montaje como un rompecabezas: una mixtura entre comedia negra y drama confesional sostenido por un hilo detectivesco que la une de principio a fin. En este esquema se sitúa una despiadada alegoría de quienes usurpan la “vida” para “crear” ilusiones existenciales consumidas por otros.

Sergio Llusera

En estricto, una pareja de esposos avocado al rodaje de una película. Julia (aceptable rol de Urpi Gibbons), una guionista desconfiada y Hugo (un papel bien resuelto por Sergio Llusera), un director desesperado por culminar su cinta. No es casualidad que Colio adhiera una estela “caníbal” sobre ellos ni que entre ambos se ubique a dos personajes “reflejo”.

La mesera Francisca (notable trabajo de Carolina Barrantes del Río) y su “par ficticia”, la actriz en busca de protagonismo (la correcta Tati Alcántara), cuya confrontación será uno de los mejores momentos de la obra. En conjunto, se desliza un juego de apariencias –lo que permite la ficción y lo que soporta la realidad– con un desenlace que favorece el misterio hacia el epílogo.

CONFUSIÓN GÓTICA

Además, la puesta transita en ambigüedades sobre la sangre (leucemias) y vampiros (improbables desvanecimientos ante espejos) para crear espacios de intriga y curiosidad en escena. Colio se vale del simbolismo del imaginario popular para fortalecer su premisa: la noche, la suerte, las estrellas y el destino.

Gibbons, Barrantes del Río y Alcántara

La puesta logra aciertos en el aspecto técnico. Las proyecciones (escenas del interrogatorio inicial o las tres versiones de “doble” al final) son un elemento sincronizado bien empelado que revalida –o cuestiona, quizá– los límites para utilizar los recursos de cine en el lenguaje escénico.

Elegida por Ísola, la música –similar a la banda sonora de un filme expresionista alemán– consolida la atmósfera tétrica e inquietante. Aunque su sensibilidad luzca distante, “Casi Transilvania” es una obra plausible por la maestría de su resultado: desnudar todas las versiones de uno y encontrar ahí los vanos tormentos de siempre.

FICHA ESCÉNICA

“Casi Transilvania”, de Bárbara Colio

Dirección: Alberto Ísola

Dirección adjunta: Norma Berrade

Elenco: Sergio Llusera, Tati Alcántara, Carolina Barrantes del Río y Urpi Gibbons

Lugar: Auditorio del ICPNA (Av. Angamos Oeste 120, Miraflores)

Temporada: Del 2 de mayo al 7 de junio

Funciones: De jueves a lunes a las 8pm

Una producción de Escena Contemporánea

Más información en el evento de la obra

La mala educación

Un vistazo al estadounidense David Mamet (Chicago, 1947) revela una dimensión controvertida y desencantada de los dramas modernos. Sus piezas metafóricas –y, rara vez, naturalistas– han sido el camino perfecto para acercarse a las pugnas de poder y la pluralidad ideológica sin caer en etiquetas políticas.

Mesta y Centurión en "Oleanna"

En “Oleanna” (1992), uno de sus textos más polémicos, el dramaturgo plantea un discurso provocador sobre el sistema educativo universitario desde dos perspectivas opuestas: un docente y su alumna. En una confrontación inteligente e inesperada, los argumentos irán delineando las relaciones de dominación entre ellos.

Tras su estreno en el XIII Festival de Teatro Peruano Norteamericano (2014), “Oleanna” culminó hace poco su segunda temporada cuestionando el éxito profesional, las luchas de género y la moral educativa. Un juego escénico de pistas aparentes e intereses camuflados sostenido por buenas actuaciones y una acertada y equilibrada dirección de Jamil Luzuriaga y Fiorella Díaz.

CRITERIOS EN VENTA

Un encuentro entre el catedrático John (un ecuánime y sobrio Carlos Mesta) y Carol (desconfiado y dubitativo papel logrado por Alexa Centurión) da pie al debate. El primero encarna a un profesor de buena posición y reconocido prestigio, aunque con un lado “subversivo” que le permite criticar la naturaleza del sistema educativo del que forma parte.

John y Carol, dos víctimas de la educación formal

Centurión, por su parte, interpreta a una pupila cargada de contradicciones y frustraciones, producto de ese modelo imperfecto. 

Entre ambos surgirá una oscura complicidad –cortada por la intrusión de un teléfono celular– que dejará libres interpretaciones y acercará sus mundos distantes en ideología y aspectos socio–económicos de forma irremediable.

Se dibujará una interesante evolución del vínculo entre ellos. Tras varios debates se criticará la idoneidad del sistema educativo, el servilismo ideológico, el mercantilismo tecnocrático y se apreciará una sátira al lenguaje políticamente correcto. ¿Es posible tener la razón en todo? Cada espectador, apelando a su criterio y experiencia, lo decidirá al final de la obra.

CLASE MAESTRA

A lo largo de sus tres actos, “Oleanna” mantiene un interés creciente –logrado con mayor solvencia en el primero– gracias a sus diálogos acuciosos y perspicaces alegatos. Los argumentos esgrimidos colindan con la manipulación argumentativa, la acusación política, el escándalo mediático y el desconocimiento de causa.

Afiche de la segunda temporada

La confluencia de estos aspectos intensifica la falta de comunicación entre los personajes y, curiosamente, sostiene la dinámica. Aunque densa por momentos, el montaje se vale de ágiles proyecciones con un resultado aceptable y un debut promisorio para ambas directoras.

“Oleanna”, título de una evocadora canción del folklore noruego, termina su ciclo con buenos comentarios y una estela reflexiva que la convirtieron en la obra premiada por el público en el festival del ICPNA. Ese esquivo juego de poderes descrito por Mamet desnuda y relativiza el consenso de la vida en sociedad, un paradigma que cuestionar a diario.

Ficha escénica

“Oleanna”, de David Mamet

Dirección: Jamil Luzuriaga y Fiorella Díaz

Elenco: Carlos Mesta y Alexa Centurión

Lugar: Centro Cultural Ricardo Palma (Av. Larco 770, Miraflores)

Más información en la página de la obra

El refugio perfecto

La moral es temporal y relativa. Varía según los principios de una época y, con frecuencia, puesta a prueba, en especial, cuando se contrastan las normas éticas propias y las ajenas. Si eso pasa, como en “El Hombre del subsuelo”, estas ideas escapan por un oscuro sendero hacia un entorno hostil como la sociedad.

Elenco de "El Hombre del subsuelo"

Esta grata reposición (va hasta el 6 de abril) nació de dos miradas artísticas integradas. Una propiciada por la teatralidad de un texto poderoso y provocador, una buena adaptación de “Memorias del subsuelo”, de Fiódor Dostoievski (1821–1881), una cuidadosa dirección y actuaciones viscerales y desencantadas. Con acierto, Gonzalo Rodríguez Risco y Josué Méndez adecuaron la premisa novelesca: la lucha de un funcionario público que, harto de la corrupción, se aleja de su contaminado círculo para recluirse en sus juicios. Las críticas de El Hombre (notable papel de Pietro Sibille) descubrirán a una sociedad decadente y frívola.

SOMBRA HUMANA

Desde su guarida –cual zona de confort–, este excéntrico personaje desafiará y condenará aquello que le resulta detestable o inmoral: la corrupción, los deleites vanos, el arribismo y las apariencias. Sus parlamentos y movimientos, cargados de sarcasmo y melancolía, entonan con la presencia y actitud de Sibille.

Pietro Sibille en un notable
rol como "El Hombre"

La dicotomía de la puesta sirve a los instigadores propósitos de El Hombre: desde una soledad teórica a la práctica social. En principio, Sibille domina la escena y revela el objetivo de su encierro y su oscura lógica, mientras que, en un segundo momento, se advierten los riesgos de aplicar tales ideas en convivencia.

La fallida reunión con Simonov, Ferfichkin, Zverkov y Trudolyubov (aceptable trabajo de Juan Carlos Pastor, Guillermo Castañeda, Mariano Sabato y Alex Mori, en ese orden) o el encuentro con la prostituta Lisa (Andrea Luna) resultan episodios reveladores y dolorosos. La esencia de El Hombre se contrasta a sí mismo, dada la poca profundidad de sus fugaces antagonistas.

SOLEDAD INTERACTIVA

Existe, además, una segunda arista funcional aporte de Méndez. La puesta se nutre de recursos cinematográficos con el uso de una webcam. Este artilugio moderno permite efectos expresivos impensables en teatro: primeros planos (de Sibille) y proyecciones (con desenlaces paralelos) adecuados a la escenografía realista. 

Una inesperada reunión, escena
de la obra 

Aunque un debate purista podría validar o no el uso de estos elementos, lo cierto es que su poder intensificador para la acción (las denuncias de El Hombre) y el ritmo (con advertencias iniciales y caídas de nieve) es efectivo. Todo esto sostenido por una iluminación acertada y las escenas musicalizadas bastante amenas.

“El hombre del subsuelo”, una puesta que habría brillado en el Festival de Artes Escénicas de Lima (FAEL), despide su segunda temporada en el Centro Cultural de la PUCP con tantos aplausos como reflexiones. Un efecto inesperado –o quizá, esperanzador– para una ciudadanía que pondera ufanas ironías y frívolas victorias.

Ficha escénica

“El hombre del subsuelo”, basado en la novela “Memorias del subsuelo”, de Fiódor Dostoievski

Dirección: Josué Méndez

Dramaturgia: Josué Méndez y Gonzalo Rodríguez Risco.

Elenco: Pietro Sibille, Andrea Luna, Guillermo Castañeda, Juan Carlos Pastor, Alex Mori y Mariano Sabato.

Lugar: Centro Cultural PUCP (Av. Camino Real 1075, San Isidro)

La temporada va hasta el lunes 6 de abril

Funciones: De jueves a lunes a las 8pm

Más información en el evento de la obra